Arenas sangrientas (Sands of Iwo Jima)

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La película "Arenas Sangrientas" es el mejor ejemplo de lo que eran las películas de propaganda realizadas tras la Segunda Guerra Mundial. La película fue un encargo del propio Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Al parecer el nivel de reclutamiento había bajado alarmantemente y se habló de disolverlo. Así que sus propagandistas se pusieron manos a la obra, se buscó a un buen director, la estrella más famosa del momento y se describió la batalla más famosa en la que habían participado los marines. Estrenada en 1949, fue un completo éxito de público. Las oficinas de reclutamiento de los marines se llenaron.

El guión es completamente simple y está hecho a la medida de la estrella principal: John Wayne. Nos van a contar las vicisitudes de un pelotón de marines en pleno frente del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. Wayne interpreta al sargento Stryker (en español "golpeador", que otro nombre podría ser) veterano de Guadalcanal, bastante antipático y alcoholizado que no duda en machacar a sus hombres en los entrenamientos. Todo tiene una explicación, Wayne es así porque su mujer le abandonó llevándose a su hijo. Por ello se entrega en cuerpo y alma al entrenamiento de sus muchachos, lo que ocurre es que ellos no entienden aun que su duro entrenamiento les salvará la vida.

Cuando entran en combate por primera vez comprenden la máxima de "lo que no pierdes en sudor, lo perderás en sangre". Se trata de la conquista de Tarawa, un pequeño atolón en el cual los japoneses fortificaron la isla Betio. Esta isla de unos 3 kilómetros de largo tenía un aeródromo, una guarnición de 2.600 japoneses acompañados de 1.000 trabajadores japoneses y 1.200 trabajadores coreanos. Se necesitaron a 35.000 combatientes yanquis y cuatro días de duros combates para conseguir tomarla. Los japoneses lucharon prácticamente hasta el último hombre (sólo se tomaron 17 prisioneros japoneses y un centenar de coreanos). En la película intercalan tramos documentales de la toma de Tarawa con las escenas rodadas. Como la película es en blanco y negro, la intercalación es bastante buena. Sin embargo aun estamos lejos del realismo de Peckinpah, y de películas como "Playa Roja" o "Salvar al Soldado Ryan". Los muertos son "estilo años 40", es decir, se ponen la mano en el pecho, crispan ligeramente el rostro y caen de forma suave y elegante.

Después de dicha batalla y tras su merecido descanso en Honolulu, los marines se preparan para la siguiente batalla. Se trata de la conquista de Iwo Jima. Y entre la negra arena de la isla descubrirán que Tarawa fue un simple paseo. Nuevamente se intercalan imágenes documentales con las escenas filmadas, y nuevamente lo hacen de forma bastante eficaz. Incluso hay un cameo para los tres supervivientes del famoso segundo izado de la bandera norteamericana sobre el Suribachi. En la película representan que este famoso izado fue el primero y que Wayne da la famosa bandera al grupo de hombres donde se encuentran Gagnon, Hayes y Bradley. Una curiosidad, la bandera izada en la película es la misma bandera que se izó sobre el Suribachi. El cuerpo de marines la cedió para la película. Sin embargo en los títulos de crédito iniciales se avisa que la primera bandera fue izada por el fallecido sargento Ernest I. Thomas. Mientras los marines suben a la cima, Wayne se toma un descanso con sus muchachos y es entonces cuando es abatido por un francotirador (por cierto, es la única escena en la que se ve una herida sangrante en toda la película). Estos encuentran entre sus pertenencias una carta dirigida a su hijo y descubren que en el fondo, Wayne era un padrazo. La muerte de su líder les enerva y les anima a seguir avanzando mientras el himno de los marines suena de fondo.

La cinta consagró a John Wayne como el prototipo del militar norteamericano de la IIGM. Algo paradójico si tenemos en cuenta que John Wayne nunca sirvió en el ejército, al contrario que otras estrellas como Clark Gable o James Stewart. Aunque ya se le consideraba una estrella, esta película consiguió para él la primera nominación a los oscars. Personalmente creo que su mejor interpretación es la que hace en "El hombre tranquilo", pero aquí tampoco lo hace mal.

En la película, además del cameo de los tres supervivientes del izado de la bandera, también salen otros personajes históricos interpretando su propio papel. Por ejemplo el teniente Schrier fue el que lideró al destacamento que izaría la bandera. También salen el coronel D. Shoup y el teniente coronel H. Crowe que fueron condecorados por sus acciones en Tarawa. Shoup fue condecorado con la Medalla de Honor porque a pesar de haber sido herido en la pierna nada más desembarcar, se puso al mando de los hombres que habían desembarcado en Tarawa y durante los dos primeros días estuvo recorriendo las posiciones norteamericanas sin descanso, a pesar de que la herida en la pierna se le infectó.

Las escenas de la playa de Iwo Jima están rodadas en Camp Pendleton la base de Marines cercana a San Diego en las costas de California. Y evidentemente dispusieron de todos los marines y equipamiento necesario, por lo que la exactitud histórica de los equipos es bastante buena. Incluso sale un Sherman M4A3R3 con su doble cañón: uno es el cañón normal, el otro es un cañón lanzallamas. Y en cuanto a los japoneses, aparte de los escasos soldados que siempre están emboscados esperando al incauto americano para clavarle la bayoneta, también puede verse a un par de tanques Tipo 97. En líneas generales, las escenas de combate están muy logradas y en mi opinión no serían superadas hasta que se estrenó "El día más largo", trece años después. De hecho y teniendo en cuenta el tiempo pasado y la disponibilidad de medios y efectos especiales, creo que no tienen tanto que envidiar a las de la versión moderna dirigida por Clint Eastwood: "Banderas de nuestros padres".

Evidentemente, al ser una película de propaganda con un guión tan simple ha envejecido bastante mal. Sin embargo es una película que cualquier aficionado al cine bélico o histórico está obligado a ver.

la crítica de Von Kleist

Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind)

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No, no se ha confundido de blog. He creído conveniente dedicar el comentario número 100 a otra de las obras cumbres del cine y que en mi opinión es parte de la HISTORIA. Es un película que fue definida por Juan Tejero en su libro "Este rodaje es la guerra", como la película que pretendía ser la primera obra de una nueva era y que sin embargo marcó el fin de la época clásica de Hoollywood. Y además, es una película bélica.

"Lo que el viento se llevó" está basado en el best-seller del mismo nombre escrito por Margaret Mitchell. Fue el único libro que publicó y lo escribió mientras convalecía de un accidente. En el libro intentó recoger todas las historias que había oído a sus abuelos y parientes sobre el antes, el durante y el después de la Guerra Civil Americana en el estado de Georgia. Fue un éxito arrollador, sobretodo entre el público femenino, pero sin embargo las productoras no mostraron mucho interés en comprar los derechos pues un dicho de Hollywood afirmaba que no se podía hacer dinero con películas sobre la Guerra Civil Americana.

Pero el productor David O. Selznick pensó de manera distinta y se propuso llevar a cabo dicha tarea sin reparar en gastos. Varios adelantos técnicos se utilizaron en el rodaje. Unos cuantos ejemplos: se decidió usar el novedoso y caro Technicolor y para ello se utilizaron las siete cámaras existentes capaces de rodar con esa técnica; el famoso travelling sobre el mar de heridos requirió una grúa especial; nunca antes se filmó un incendio de tan grandes proporciones. Además para completar el reparto se necesitaron dos años, y tres directores (cuatro si contamos la contribución del propio Selznick) intervinieron en el rodaje. No debe olvidarse que hay cincuenta personajes importantes con diálogos. En cuanto al trasfondo histórico, se entrevistó a diversos ancianos para recoger sus recuerdos de niñez de dicha época, o se solicitó la ayuda de varias mujeres para que permitiesen copiar los diseños de los vestidos de sus abuelas que guardaban en viejos arcones. Incluso se llegó a transportar tierra roja desde Atlanta hasta el set de rodaje en California para dar autenticidad a la hacienda de Tara.

La película no sólo fue un éxito. Fue un acontecimiento social de primera magnitud. Cada vez que se reestrenaba las salas volvían a llenarse y la gente volvía a entusiasmarse. Un crítico llegó a decir que era necesario ver dos veces la cinta para ver realmente la película. Hasta el año 1976 no se cedieron los derechos a la televisión y cuando se emitió consiguió la más alta audiencia (47,5%) hasta el momento. Irónicamente, fue superada al año siguiente por la emisión de Raíces.

En cuanto al aspecto histórico. "Lo que el viento se llevó" hace un retrato del "Viejo Sur" tal y como se veía éste a mediados de los años 30. Está llena de estereotipos: los caballeros y damas refinados del Sur; los esclavos fuertes y torpes pero de gran corazón que cuando son libres realmente echan de menos los viejos tiempos de la esclavitud; los yanquis, maleducados y avariciosos que sólo piensan en su beneficio... A mi personalmente me transmite una sensación parecida a la que tengo cuando veo el cuadro de "La rendición de Breda". Sabes que contemplas una obra maestra, independientemente de que te guste el autor o ese estilo de pintura. Sabes también que está mostrando un acontecimiento histórico de una forma magistral pero totalmente idealizada. Sabes que no fue real, y sin embargo sientes que te gustaría que hubiera sido así.

Como creo que todo aficionado al cine la habrá visto por lo menos una vez este melodrama que nos relata las vicisitudes de una niña bien de Atlanta, su caída durante la guerra, su supervivencia en la posguerra y su ascenso y recuperación final. Sólo voy a comentar algunas de las escenas con trasfondo histórico.

La espectacular escena del incendio de los arsenales de Atlanta fue la primera que se rodó. Para ello se utilizaron los antiguos decorados de la película "King Kong" y se diseñó un nuevo tipo de efecto especial. En el reparto principal sólo se había asegurado el contrato de Clark Gable pero esa misma noche Selznick conoció personalmente a Vivien Leigh, que le fue presentada con la siguiente frase: "Aquí tienes a tu Scarlett O'Hara".

Otra escena impactante es la del largo travelling de Scartlett entre los heridos, que acaba con un plano de la bandera confederada completamente desgarrada. Parece ser que dicha escena fue dirigida por el propio Selznick y se tuvo que contratar y luego modificar una grúa para la construcción de grandes obras de ingeniería.

En toda la película no hay ninguna escena de batallas y luchas. Se rodaron algunas, pero se decidió que era mejor eliminarlas en el montaje final. La película debía de gustar principalmente al público femenino y estaba comprobado que las batallas aburrían a las mujeres. La película tenía sin embargo suficientes escenas de acción para que resultara atractiva para los hombres. La Guerra Civil es sólo un trasfondo. Por ello la película se convierte en un retrato de lo que debía de ser la vida en la retaguardia Confederada.

En el comienzo se nos muestra la alegría que tienen todos porque van a la guerra. Luego vemos como los ánimos van cambiando según avanza la guerra y las cosas no van tan bien como se esperaba. El punto de inflexión que significó la Batalla de Gettysburg se nos muestra con una escena en la que se publica en la ciudad la lista de bajas. Luego vemos como la guerra poco a poco se va acercando. Primero es el incendio de los arsenales de Atlanta, luego viene la famosa Marcha del General Sherman que arrasará gran parte de la Confederación. Finalmente la derrota de la Confederación tras la rendición del general Lee el 9 de abril de 1865. Pero en esto último hay un error. Lee era responsable del Ejército Confederado del Norte de Virginia. El estado de Georgia no dependía de Lee sino del General Johnston. Y este no se rindió hasta el 26 de abril de 1865. Aunque evidentemente era el ejército de Lee el que importaba.

A pesar del retrato tan idílico que hace de la situación esclavista en la que incluso los negros van a ayudar a levantar las fortificaciones de Atlanta, paradójicamente la película significó un hito en la lucha por la igualdad de derechos. Hattie McDaniel ganó el oscar por su interpretación de Mammy. Era la primera vez que una persona de raza negra ganaba dicha estatuilla. Desgraciadamente, no pudo asistir a la premiere en Atlanta, porque al ser un estado que reconocía la segregación, se le comunicó que debería sentarse en la zona reservada para la gente de color. Esta claro que aun quedaba mucho camino para la igualdad.

Para terminar, un ejemplo más de como cambian los tiempos. En la película hay una escena que a la sociedad actual le parecería totalmente censurable. Es la escena en la que un Butler bebido coge a Scartlett y se la lleva a la habitación para forzarla sexualmente (en el libro ella consiente finalmente). Y sin embargo, el mayor problema con la censura que tuvo Selznick fue con la famosa frase de Butler: "Frankly, my dear, I don't give a damn" (Francamente querida, me importa un bledo) que no aparece así en la novela original . Selznick añadió el "Frankly" además de reconstruir la escena totalmente. Lo curioso es que tuvo que lidiar con la censura por la palabra "damn" pues en esa época no se podían decir palabras malsonantes. Actualmente se considera que dicha frase es la primera de las 100 citas más memorables del cine.

Bueno, como diría Scartlett: Mañana será otro día.

Blog dedicado a la película: Viento Escarlata

Comentario en Cine de guerra

Apocalypse Now

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"My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam"

Esta frase de Coppola dicha en el festival de Cannes es la mejor sinopsis de "Apocalypse Now", la película más famosa sobre la Guerra del Vietnam. Y probablemente la película bélica más famosa hasta que se estrenó "Salvar al soldado Ryan".

La he visto en varias ocasiones, la primera vez siendo un adolescente. Cuando termina siempre acabo con la misma sensación. Una sensación que me hace coincidir con la frase de Coppola. Es como el Vietnam. Comienza de forma extraña, en el medio parece que todo va estupendamente y acaba insoportablemente.

De hecho, más de una vez la he dejado de ver en el momento en que llegan al refugio de Kurtz. No aguanto al Marlon Brando. Mejor dicho, no aguanto a "ese" Marlon Brando. En ese época no era el actorazo de "La ley del silencio" o de "¡Viva Zapata!". Ni siquiera era el actor de "El padrino". En ese momento era un divo que se creía que había que reverenciar cada gesto o palabra que dijera. Cobró tres millones de dólares (de 1976) por tres semanas de rodaje. Y sin embargo debemos a Marlon Brando el que exista esta obra cumbre del séptimo arte. Porque ciertamente "Apocalypse Now" es CINE.

El guión es una adaptación de la novela de Joseph Conrad "El corazón de las tinieblas" mezclada con otras obras como "La Odisea" de Homero. La novela de Conrad está ambientada en el Congo Belga del siglo XIX. Orson Welles realizó una adaptación para la radio e incluso quiso llevarla al cine, pero debido al presupuesto que requería al final acabó dirigiendo "Ciudadano Kane". La idea de llevar la novela al cine resurgió en pleno conflicto del Vietnam. El primer borrador fue realizado por John Millius en 1967. Millius era y sigue siendo un militarista convencido y a él le debemos el título; es una contrapropuesta al grito pacifista del movimiento hippy: "Nirvana Now!". Además del título, incluía un final mucho más belicista y en cierta forma parecido al que luego se vería en "La cruz de Hierro". En este primer final, Willard se une a Kurtz en una última batalla contra el Viet-Cong. Mientras Kurtz filosofa sobre las bondades de la violencia entre las explosiones y disparos, le pregunta a Willard porque lucha. Willard responde: "Porque me gusta esto". George Lucas era quien debía dirigir la cinta y la idea era realizarla en medio de la propia guerra del Vietnam para conseguir todo el realismo posible. La Warner Bros se negó en redondo pues estaba segura que iban a matar a esa panda de locos. El proyecto quedó archivado.

En 1975 el proyecto fue retomado. Pero muchas cosas habían cambiado. La primera de todas es que la Guerra del Vietnam se había acabado. La segunda es que el director no iba a ser George Lucas porque este se encontraba metido en la realización de una película de Ciencia-Ficción llamada "La Guerra de las Galaxias". La tercera es que Coppola era multimillonario y tenía unos cuantos Oscars gracias a la saga de "El padrino" por lo que dirigiría y produciría con parte de su patrimonio la película.

El plan era rodar la película en Filipinas durante unas 6 semanas y el presupuesto inicial sería de unos 12 millones de dólares. Pero lo primero era buscar a un actor de primera fila como reclamo y para asegurar el dinero de la producción. Se pensó en Steve McQueen para el papel de Kurtz o de Willard, pero debido a su enfermedad lo rechazó. Seguidamente se le propuso a Brando que también declinó la oferta. Se ofreció el papel de Willard a de Niro y a Al Pacino. Incluso se llegó a pensar en Jack Nicholson y en Robert Redford. Nadie aceptó y Coppola se agarró un cabreo monumental (llegó a arrojar sus Oscars por la ventana) pues sin una gran estrella en el reparto, la United Artist no adelantaría los doce millones de dólares necesarios. Cuando todo parecía perdido, Brando aceptó la oferta de rodar durante tres semanas por tres millones de dólares. Con Brando en el reparto, el dinero para la producción estaba asegurado. "Apocalypse Now" estaba en marcha.

Lo siguiente fue buscar al resto de actores. Debido al presupuesto de Brando los demás deberían de ser conocidos pero de segunda fila. Robert Duvall encarnaría al teniente coronel Kilgore, Denis Hopper a un periodista y Harvey Keitel a Willard. En febrero de 1976 comenzó el rodaje en Filipinas. Y a las dos semanas surgió el primer problema. Keitel lo hacía tan rematadamente mal que fue despedido. En su lugar se contrató a Martin Sheen. Pero las dificultades no habían hecho más que empezar.

Coppola explicó que durante el rodaje de esta película su equipo se comportó como el ejército norteamericano en Vietnam: eran muchos, estaban en medio de la jungla, con enormes cantidades de material y de dinero, y poco a poco se fueron volviendo locos. La mujer de Coppola, Eleanor, fue filmando las diferentes fases del rodaje. Dicho material fue luego usado para la realización del excelente documental "Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse". Y en esa producción podemos ver perfectamente todas las etapas de esa locura. Aquí sólo voy a bosquejar algunas:

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En la mítica escena del ataque de los helicópteros se usaron aeronaves del ejército filipino que habían sido utilizadas durante la guerra de Vietnam. Coppola llegó a un acuerdo personal con el dictador Ferdinand Marcos. Esta famosa escena se rodó a pocos kilómetros de Baler lugar de la famosa gesta recogida en la película "Los últimos de Filipinas". La primera vez que se rodó uno de los almacenes de producción fue destruido por error. En otra ocasión, cinco helicópteros fueron retirados para ser utilizados contra la guerrilla comunista. En palabras de Millius, el personaje de Kilgore estaba basado en el cíclope de "La Odisea". Adicionalmente, las chicas "Playboy" están inspiradas en las sirenas del relato homérico.

Coppola se inspiró en la película "Aguirre, la cólera de Dios" para la escenografía de la subida por el río. Simultáneamente quiso representar un viaje en el tiempo, y por ello rodó la escena de la plantación francesa. Dicha escena fue eliminada en la versión estrenada en 1979 y reincorporada en la versión "Redux".

Durante el rodaje, el tifón Olga destruyó gran parte de los decorados. Coppola aprovechó para filmar algunas escenas, pero durante la peor parte del tifón Coppola se puso a preparar un plato de pasta fresca italiana (le costaba 8.000 dólares el vuelo que la transportaba) mientras escuchaba "La Boheme".

Martin Sheen está realmente borracho y drogado durante el rodaje de la escena que abre la película. Ese día cumplía 36 años y Coppola le manipuló para que sacase sus demonios interiores. La escena en la que rompe el espejo es auténtica y a pesar del corte en la mano, Martin insistió en continuar rodando. A los pocos días sufriría un infarto que Coppola ocultó para evitar que United Artist se retirara del proyecto. Se requirió a su hermano, el actor Joe Estevez, que le doblase en algunas escenas. Incluso llegaría a doblarle en el montaje. Tras unas cuantas semanas, Martin se reincorporó.

Parece ser que todo el mundo se drogó en algún momento del rodaje, pero el que se llevó la palma fue Dennis Hopper. Según parece en todas sus escenas estaba totalmente flipado y ni se molestaba en aprenderse su guión. Llegó a ser un autentico incordio para todos.

Coppola introdujo cambios en el guión sobre la marcha. Esto causó más y más retrasos en el rodaje, tantos que la película llegó a conocerse como "Apocalypse When?". Millius fue enviado para intentar poner orden. En sus propias palabras se sintió como Von Rundstedt ante Hitler en 1944 . Iba para decirle "Mi führer, sin gasolina todo está perdido en Rusia" y tras dos horas de conversación salió pensando: "Al diablo con la gasolina. La victoria final es posible". El rodaje continuó.

Brando ni se molestó en leer el libro y ni siquiera se llegó a aprender una sola línea del guión. Coppola comprendió que lo que debía de rodar eran improvisaciones y luego dar un final a la película. Así que se dedicó a conversar con él y rodarle mientras tanto.

Jimmy Carter llegó a ordenar la censura de la película. Para saltarse la censura en su país, Coppola estrenó una versión en el festival de Cannes en la que ni siquiera había títulos de crédito y en la que al final no se destruye el santuario de Kurtz. Al ganar la palma de oro y la fama, la película pudo ser estrenada en los USA.

En la película aparecen actores en papeles secundarios que luego llegarían a ser grandes estrellas como Harrison Ford o Laurence Fishburne. Este último tenía 14 años cuando comenzó el rodaje.

Varias escenas están inspiradas en acontecimientos reales como por ejemplo la escena de la cantimplora. Aunque la más famosa es la matanza de la barca, inspirada en la masacre de Mi-Lai. De hecho, los vietnamitas son en realidad auténticos refugiados vietnamitas establecidos en Filipinas.

La tribu de montagnard que venera a Kurtz fue una tribu filipina contratada al completo por Coppola. El sacrificio de la vaca es real. De hecho la idea de incluirlo fue porque Coppola asistió previamente a uno en su honor. Al finalizar, el sacerdote del pueblo le ofreció el corazón del animal diciendo que se lo merecía porque había demostrado tener un gran corazón. Y ciertamente lo había hecho. Al parecer tuvo tentaciones de suicidarse al menos en tres ocasiones.

Tras 238 días de rodaje en Filipinas, Coppola terminó su particular descenso a los infiernos, pero no la película. La etapa de montaje y post-producción durarían casi dos años. El coste total alcanzaría los 31 millones de dólares incluyendo la fortuna personal de Coppola, pero recaudaría 150 millones en todo el mundo. Treinta y dos años después, Coppola realizó un nuevo montaje con escenas añadidas al que denominó "Apocalypse Now. Redux". En mi opinión alarga innecesariamente la obra y no añade gran cosa

Una película que debe de ser vista obligatoriamente por cualquiera que muestre algo de interés por el CINE.


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Los chicos de la compañía C (The Boys in Company C)

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Tengo una especie de mezcla de sentimientos con respecto a la película “Los chicos de la compañía C”. Por un lado no me gustó mucho pues me pareció una especie de sátira mezcla de la película “MASH” con algo de la cinta “Más allá de las lágrimas”. Pero a diferencia de sus predecesoras es mucho más lenta e inconexa y hay momentos en los que aburre. Por otro lado cuando uno acaba de verla le parece clarísimo que fue un precedente de la aclamada “La chaqueta metálica”. De hecho ambas películas comparten el mismo sargento instructor: R. Lee Emery.

En mi opinión lo mejor de la cinta. Se estrenó en los USA el 2 de febrero de 1978 lo que la convierte en la más tempranera de toda la tanda de películas post-Vietnam comentadas hasta ahora. Curiosamente es una película de Hong-Kong aunque con algo de capital norteamericano. La idea era hacer una película de bajo presupuesto que se adelantase en el estreno a otras grandes producciones que se estaban realizando como “El regreso” (que se estreno el 15 de febrero), "El cazador", o "Apocalypse Now". Desgraciadamente la carencia de presupuesto se nota bastante. Los actores son de segunda fila y los efectos especiales son un pelín cutres. Sin embargo se supone que el punto fuerte de la película es la sátira no la acción. Lo malo es que la sátira no es muy graciosa que digamos y eso es un problema en una película que dura cerca de dos horas.

El guión de la película es bastante simple. Es el año 1968 y se nos muestra el reclutamiento y entrenamiento de una sección de marines antes de ser enviada al Vietnam. Allí descubrirán todo el horror de la guerra, la incompetencia de sus mandos y la corrupción del sistema en el que están metidos. Poco a poco la moral de la sección va desapareciendo entre drogas, aburrimiento y órdenes absurdas. Entonces a los altos mandos se les ocurre la siguiente estupidez. No pueden vencer al Viet-Cong porque no entienden sus tácticas. Para entenderlo deben de jugar al deporte que practican. Los americanos juegan al fútbol americano, los vietnamitas al fútbol. Entonces, si los americanos juegan al fútbol conseguirán entender y por lo tanto ganar al Viet-Cong. La compañía C es la elegida para la “heroica” tarea y debe enfrentarse a un equipo del Ejército de Vietnam del Sur. Pero deben dejarse ganar para animarles. Como premio a su gesta estarán de gira lejos del frente todo el tiempo que les queda de servicio enseñando a otras unidades a "vencer" al Viet-Cong. Lo malo es que el partido se celebrará el día del comienzo de la ofensiva del Tet.

Como he comentado más arriba, la película a veces es algo lenta e inconexa, lo que provoca que no sea una buena sátira. Los personajes son los típicos estereotipos de otras películas bélicas, pero adaptados a los años 70: el listillo, el ligón, el drogata, el pacifista. Otra constante es que los soldados son más “listos” que los oficiales, sobretodo del capitán al mando, tan solo preocupado por quedar bien en los informes y contar enemigos muertos. Y luego están las típicas situaciones en las que las vidas de los soldados son desperdiciadas por esos oficiales (véase la escena de escoltar el convoy con "suministros vitales" para el alto mando). Al final los soldados se comportan como si fueran una especie de turistas que han perdido el vuelo para regresar a casa y que buscan otro medio, el que sea, con tal de largarse de allí.

Digna de verse o de volver a verla si se tiene ocasión para aquellos que les guste el tema de Vietnam o el tema de "que tontos son los militares". Resto abstenerse.

El cazador (The Deer Hunter)

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La película más famosa sobre la Guerra del Vietnam estrenada en el año 1978 fue "El cazador". Llegó a ganar el oscar a mejor película y mejor director. Aún hoy sigue siendo una buena película.

La obra está dividida en tres partes. En la primera se nos muestra la vida en un típico pueblo norteamericano compuesto de gente ruda y trabajadora. En este caso trabajadores de una fundación todos de origen ruso. Tres de los jóvenes, Michael (Robert de Niro), Nick (Christopher Walken) y Steven (John Savage) van a partir al Vietnam y están convencidos de que van a luchar por su país y parar al comunismo. Vemos que Steven se casa "de penalti" y que durante una cacería, Michael se ve obligado a hacer una promesa a Nick de que no le dejará atrás. Es de destacar la belleza de la escena de la cacería con su fondo sonoro de unos cánticos religiosos rusos.

La segunda parte es el Vietnam. Aunque vemos una breve escena de combate que sólo ve como preludio de la cautividad de los tres amigos. Una cautividad terrible en la que los del Viet-Cong obligan a los prisioneros a jugar a la ruleta rusa. Gracias a la audacia de Michael consiguen escapar, pero la huida es muy accidentada (la escena de la caída de Steven es auténtica, Savage se partió las dos piernas) y sólo Michael consigue llegar intacto a los USA. Nick deserta y se queda atrás. Steven regresa pero ha perdido las piernas y prefiere permanecer en el hospital de veteranos a regresar a su pueblo.

En la tercera parte, Michael vuelve a Vietnam a por Nick. Es 1975 y Saigon está a punto de caer en manos de los comunistas. Todo se derrumba pero Michael no pierde la esperanza. Finalmente, tras una bajada a los infiernos, le encuentra en un garito jugando a la ruleta rusa. Sin embargo la mente de Nick está ompletamente rota por las drogas y no reconoce a su amigo. Mike se ve forzado a jugar a la ruleta rusa contra Nick confiando en que recuerde el cautiverio y lo reconozca. Finalmente Nick consigue reconocerle, pero se suicida. Lo único que consigue Michael es regresar con su cadáver.

Esta cinta supuso un auténtico revulsivo en la conciencia norteamericana. A través de la historia de esos tres jóvenes se comprendía el grado de la derrota de Norteamerica en Vietnam. Las bajas no se habían producido sólo en el aspecto militar. El "sueño americano" había sido destruido y en la sociedad USA se abrieron unas heridas que tardaron mucho tiempo en cicatrizar.

Al cabo del tiempo, de Niro confesó que en la escena de la "ruleta rusa" puso na bala de verdad en la recámara para poder actuar de la manera más real posible. Michael Cimino confirmó la historia, pero dijo que nunca se permitió que la bala de verdad se situase en la posición de ser disparada. Además, las bofetadas que da el vietnamita son auténticas, con lo que se consiguió añadir agresividad a la interpretación. Lo increíble es que a causa de esta película se desató una epidemia de gente que jugaba a la ruleta rusa. Las noticias hablaron de hasta una veintena de muertos que trataron de imitar a de Niro y Walken.

Otra polémica bastante curiosa que se desató es que se la criticó por retratar a los guerrilleros del Viet-Cong como unos sádicos torturadores de prisioneros o de asesinos de la población vietnamita. Las críticas se refirieron sobretodo a las escenas de la ruleta rusa alegando que no había pruebas de dichas prácticas. Cimino se defendió alegando que era una forma de generar una escena muy tensa en la película y de que nadie estaba seguro de lo que estaba pasando en realidad con los prisioneros norteamericanos y de que de lo poco que se sabía no había nada bueno. En cuanto al retrato del Viet-Cong, Cimino alegó que el no pretendía hacer un film político, sólo un film que mostrase lo que la guerra había hecho a tres amigos y a su entorno.

Justo antes del funeral de Nick, la película nos muestra una televisión sintonizada en la CBS. En las imágenes vemos al portaviones USS Hankock recibiendo los helicópteros con el personal norteamericano de Saigon. Tras bajar su carga humana, los helicópteros son arrojados al océano. La locutora mientras dice estas palabras: Este parece el último capítulo de la intervención norteamericana en Vietnam.

“El cazador” está considerada como una de las 100 mejores películas producida en los USA.

El regreso (Coming Home)

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Como he indicado en el anterior post, en el año 1978 se estrenaron un buen número de películas críticas con la Guerra del Vietnam. Una de las más famosas fue "El regreso" y llegó a ganar tres oscars. Uno para Voight, otro para Jane Fonda y el tercero al mejor guión. Personalmente creo que los oscars de la Fonda, y este en particular, son totalmente inmerecidos, pero ese año no tenía competencia. Se lo deberían haber dado a Ingrid Bergman por "Sonata de otoño" pero hubiera sido su cuarto oscar con lo que estaba descartada. En mi opinión se lo merecía más Ellen Burstyn por "El próximo año a la misma hora", pero el pacifismo estaba de moda y se ve que había que premiar a "Hanoi Jane".

En cierto sentido es una actualización de la película "Los mejores años de nuestra vida" mezclada con la película "Hombres". No se ve ni una escena de combate, sólo se verán los efectos de la guerra en los combatientes, en sus familiares y en la sociedad en la que viven. Pero a diferencia de su predecesora, esta vez los USA han perdido la guerra. En la película, Jane Fonda es la esposa de un capitán de marines interpretado por Bruce Dern. Los dos son la típica pareja que guarda los valores patrios norteamericanos. Dern es enviado a Vietnam y en su ausencia, la Fonda se ofrece voluntaria para trabajar en el hospital de veteranos. Allí se reencuentra con un antiguo compañero de instituto que ha quedado parapléjico (Jon Voight). Evidentemente Voight está completamente amargado con su país y la guerra. Como el roce hace el cariño, el amor surgirá entre ellos y Fonda se replanteará sus convicciones y su escala de valores. Al cabo del tiempo el marido regresa. Parece que ha tenido suerte pues no tiene heridas físicas, pero si las tiene psicológicas. También él ha llegado a replantearse su escala de valores tras su experiencia de combate. Ha visto a algunos de sus amigos morir en combate, otros morir por las drogas, otros cometer atrocidades. Sin embargo el no tendrá la suerte de una Jane Fonda que le ayude, pues ésta ha decidido quedarse con Voight.

La cinta tiene algunas escenas bastante buenas como es la secuencia de amor entre Fonda y Voight. Otro momento que me gustó es cuando Dern, al comprender que la guerra no sólo le ha hecho perder sus convicciones hacia su país y hacia su forma de vida, sino también perder su matrimonio, se desnuda en la playa y se mete en el mar. La mayor parte piensan que se suicida, pero como yo soy un optimista, creo que solo se toma un baño para aclararse las ideas y que es una forma de renacer a su nueva vida.

Otro aspecto destacable de la película es su banda sonora. Esta llena de éxitos musicales de los 60. Sin embargo la película, a pesar de su fama inicial y de los premios no ha envejecido muy bien. Hoy no es tan conocida como su competidora en la categoría de mejor película y a la cual le dedicaré el próximo post. Probablemente sea debido a que es la típica película pacifista de los años 70 llena de clichés (véase el discurso final de Voight). De todas formas, es un buen film que merece ser visto si no se ha tenido oportunidad de hacerlo antes, o de revisionarlo si se vio hace bastante tiempo. Hace reflexionar sobre las miserias de la guerra.

La patrulla (Go Tell the Spartans)

Tres años después de terminar la Guerra del Vietnam con la caída de Saigón y cinco después de que el ejército norteamericano abandonara aquellas latitudes, las pantallas norteamericanas (y el resto del mundo) se vieron literalmente inundadas de películas sobre el Vietnam. Sin embargo en esta ocasión eran abiertamente críticas hacia la postura del gobierno y el ejército norteamericano durante ese conflicto.

La Guerra del Vietnam fue bastante compleja. Se gestó durante la Segunda Guerra Mundial. Su primera parte se desarrolló como un conflicto colonial que acabó en la derrota de Francia en 1954 y la creación de dos países. Luego tuvo un intermedio hasta que los USA se involucraron totalmente a partir de mediados de los 60. Terminó en 1975, dos años después de la retirada completa de las fuerzas norteamericanas, y la desaparición de Vietnam del Sur.

"La patrulla" está ambientada en el intermedio de dicho conflicto. Tras la retirada de los franceses y el establecimiento de Vietnam del Norte y Vietnam del Sur, los norteamericanos llegaron a este último en calidad de "asesores militares". En esta cinta ambientada en el Vietnam del Sur de 1964, Burt Lancaster interpreta a uno de esos "asesores", el mayor Asa Baker. Es un Mayor con una gran experiencia de combate que ha acabado en Vietnam debido a que ha metido la pata demasiadas veces: cínico, borrachín, pendenciero y lo peor, se acostó con la mujer de su comandante. Se encuentra al mando de un campamento en medio de territorio controlado por la guerrilla comunista. Aunque su misión es establecer villas seguras frente al avance comunista, sus tropas son un montón de descerebrados que sólo piensan en decapitar a cualquier campesino que caiga en sus manos por ser sospechoso de ser del Viet-Cong.

Hay también otros "asesores" con Baker. Compondrán la galería de estereotipos que se verán reflejados en otras producciones bélicas posteriores, no solo sobre el Vietnam, sino también sobre otros conflictos. Algunos han aparecido antes en películas de guerra como el ambicioso teniente que ha ido a Vietnam porque piensa que ayudará a su carrera militar. Otros son novedosos como el analista de combate que pretende comprobar la efectividad de sus teorías. Y otros son actualizaciones como la del medico que se ha convertido en un drogadicto (en lugar del típico soldado alcohólico) y finalmente hay un veterano sargento curtido en mil combates que ya está "quemado" por la violencia que ha visto.

A lo largo de la película vemos como el mayor Baker va comprendiendo el porqué los franceses fueron derrotados e intuye que eso también puede pasarle a su país si se involucra en dicho conflicto. Su experiencia le dice que la nueva filosofía de combate del ejército americano está equivocada. Solo se basa en la devastadora potencia de fuego y en manuales, pero no en la lucha sobre el terreno. Hay una escena bastante esclarecedora cuando Baker atiende a la explicación del analista que le cuenta como puede predecir el riesgo de ataques comunistas basándose en unos algoritmos matemáticos que se traducen en un código de colores (una parodia de las teorías de Dupuy). Es evidente que el analista determina que en la zona en la que están el riesgo es "bajo".

Pero a pesar de su desencanto y cinismo, cuando llega la hora de la verdad, el mayor Baker sabe cual es su deber y lo cumple sin dudar. De ahí el título de la película que hace referencia al monumento del Rey Leonidas caído en las Termopilas.

Personalmente creo que es una película muy decente sobre el Vietnam, realizada con muy bajo presupuesto y sin grandes actores (salvo Burt Lancaster). De hecho creo que es una de las más realistas dedicadas a dicho conflicto y si hubiera contado con mayor presupuesto y un buen elenco de actores probablemente estaríamos contemplando una gran obra cinematográfica.

Los boinas verdes (The Green Berets)

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Que yo sepa, "Los boínas verdes" es una de las tres películas bélicas sobre el Vietnam realizadas durante la Guerra del Vietnam. Hubo otras películas de guerra realizadas durante dicho conflicto, e incluso algunas criticaban el Vietnam como era el caso de "MASH", pero ésta se ambientó en la Guerra de Corea para evitarse problemas. El resto de famosas películas bélicas sobre el Vietnam ("El cazador", "Apocalypse Now", "La chaqueta metálica", etc.) están realizadas después del conflicto. Las otras dos películas sobre el Vietnam realizadas durante dicha guerra son: "A yank in Viet-Nam" y "To the Shores of Hell". Confieso que no las he visto, pero según la IMDB parecen igual de malas que la de Wayne.

John Wayne co-dirigió y produjo esta película rellena de los topicazos del género del oeste de los años 50, lo que pasa es que en lugar de sanguinarios comanches tenemos a sanguinarios guerrilleros del Viet-Cong. Para rematar la faena, no se cortaron un pelo en exagerar el tono propagandístico por lo que la película parece un larguísimo (y aburrido) anuncio de reclutamiento para el ejército norteamericano.

Wayne es el coronel al mando de una unidad de comandos de élite, los Boinas Verdes, que deben de cumplir diferentes misiones a lo largo de la película. Dichas misiones consisten en montar un poblado fortificado, buscar el apoyo de los Degar (pueblo montañés de Vietnam que apoyó a los USA), secuestrar a un alto mando de las fuerzas vietnamitas y finalmente evacuar un poblado asediado. Al parecer Wayne se tomo muy en serio la realización de esta película. Wayne se propuso realizar este film como una especie de revulsivo para levantar la moral estadounidense. La ofensiva del Tet había puesto en serios apuros a los norteamericanos y por primera vez la gente comenzó a considerar que quizás la podrían perder tras escuchar la famosa frase de Walter Conkrite: "Pero ¿No estábamos ganando la guerra?". No dudó en llamar al propio presidente Johnson para exponerle su idea. Y éste la apoyó sin dudarlo. Está claro que ambos fracasaron. La película fue un fracaso y la moral estadounidense siguió por los suelos.

Una anécdota curiosa. El papel del Mayor Reisman en "Doce del patíbulo" iba a ser interpretado inicialmente por John Wayne. Sin embargo, Wayne declinó el ofrecimiento para involucrarse totalmente en la producción y dirección de esta película. El papel de Reisman recaería en Lee Marvin.

Lo más destacable de la obra es que como fue apoyada por el Pentágono, el material y los uniformes que aparecen en la película son totalmente auténticos, incluidos los uniformes del ejército de Vietnam del Sur. No se puede decir lo mismo de la representación de los combatientes del Viet-Cong interpretados por japoneses -americanos, entre ellos George Takei más conocido por "Señor Sulu" en Star Trek. En cuanto al aspecto histórico, la escena del ataque del Viet-Cong sobre la posición fortificada parece que está basada en el asalto a Nam Dong. Como era de esperar en una producción de Hollywood, la película no fue filmada en Vietnam sino en Fort Benning, Georgia. El lugar donde se entrenaban los auténticos Boinas Verdes.

Para incondicionales de John Wayne.

Braveheart

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En mi opinión, "Braveheart" es una película con una trama simple pero muy bien hecha y muy entretenida. Sin embargo lo más sorprendente de ella es que haya tenido efectos políticos a largo plazo, aunque en esta ocasión no fueron buscados durante su producción.

"Braveheart" fue la segunda ocasión en que Gibson hacia de director. Y uno de sus sueños era el poder realizar y protagonizar una película épica al viejo estilo. Como en "Alexander Nevsky" es la típica película de buenos y malos, que sigue la máxima: "No dejes que la fidelidad histórica te estropeé una gran película". En la obra hay varios ingredientes que se encuentran en otras películas. Por ejemplo, la cuestión del "derecho de pernada" que se describe en "El señor de la guerra", o la de la historia de amor que perdura a pesar de la muerte, o la búsqueda de venganza por el asesinato de un ser querido. Gibson supo engarzar muy bien la historia trágica del romance del protagonista con las espectaculares batallas, por lo que no es de extrañar que se convirtiera en un éxito arrollador. Gustaba tanto al público femenino como al masculino. Esa mezcla no es fácil de realizar, como puede comprobarse con películas tan fallidas como "Pearl Harbour". El éxito de "Braveheart" parece que hizo renacer el interés por el cine histórico, interés que continúa como puede verse tras el reciente estreno de "300".

Está basada en la vida de William Wallace, el más famoso de los líderes escoceses que lucharon en la Primera Guerra de Independencia de Escocia. Parece ser que a partir de esta película, Wallace se transformó en el principal héroe escocés. La película idealiza al personaje hasta extremos que rozan lo patético. Sus enemigos, o son unos desalmados como es el caso de los ingleses, unos depravados homosexuales como el hijo del rey inglés, o están podridos por la enfermedad como es el caso del padre de Bruce el futuro rey de Escocia. En realidad, más que de la historia de William Wallace el film trata de la mitología de William Wallace.

La película nos muestra tres batallas: Stirling, Falkirk y Bannockburn. La forma de rodarlas fue realmente espectacular y realista. Personalmente creo que la crudeza de las escenas incluso influyó en el rodaje de películas ambientadas en otras guerras como es el caso de "Salvar al soldado Ryan". Sin embargo, lo que cuentan dichas imágenes dista bastante de lo que fueron esas batallas en realidad.

La primera de dichas batallas es la batalla de Stirling Bridge. En la película vemos a ambos ejércitos enfrentados en un campo. Los ingleses perfectamente ordenados. Wallace y sus muchachos por el contrario están agrupados sin ningún orden aparente, pintados de azul y con sus tartanes (*) . Los ingleses cargan con su caballería pesada pero Wallace es más listo y forma a sus hombres en erizos con largas lanzas (al estilo de la falange macedonia o los tercios españoles pero más desorganizados). De esta forma no sólo consigue detener la carga, sino que destruye a la caballería pesada, desmoraliza al resto de tropas inglesas y gana la batalla. Pero la batalla histórica no fue así. Dicha batalla fue luchada en el 1297 sobre el puente de Stirling que cruza sobre el rio Forth. El ejército inglés era el doble que el escocés y ocupaba la orilla sur, mientras que los escoceses ocupaban la orilla norte. Wallace demostró en dicha batalla que era un buen táctico. Permitió que una cuarta parte del ejército inglés cruzase el puente y en ese momento lanzó un ataque para capturar el puente. De esa forma aisló a unos 5.000 hombres en la orilla norte, la mayor parte arqueros galeses, que fueron exterminados sin piedad. El resto del ejército inglés trató por todos los medios de cruzar el puente, pero fracasó. Al ver que sus compañeros eran masacrados, los ingleses optaron por destruir el lado sur del puente y retirarse. Parece ser que Wallace ordenó desollar a los caballeros ingleses capturados y con sus pieles se hizo un cinturón nuevo para su espada.

La siguiente batalla representada es la de Falkirk. En la misma los bravos escoceses son derrotados por la traición de los nobles, incluido el futuro rey Robert Bruce. La batalla histórica de Falkirk fue algo diferente de la que nos muestra la película. En el 1298 Eduardo I pensó no dejar nada al azar y organizó un ejército entre tres a cuatro veces más grande que el escocés. Sin embargo Wallace no se lo puso fácil a Eduardo. Utilizó una táctica de tierra quemada para evitar que el gigantesco ejército inglés pudiera aprovisionarse, algo parecido a lo que le ocurrió a Napoleón en Rusia. De hecho, Eduardo estaba a punto de abandonar cuando Wallace cometió un error. Parte del contingente galés se había sublevado y Wallace pensó que el ejército inglés comenzaba a desintegrarse por lo que decidió tomar posiciones para perseguir a los ingleses mientras se retiraban. Eduardo no era tonto y comprendió que era su oportunidad de acabar con Wallace. Los escoceses se organizaron nuevamente en erizos con sus largas lanzas para enfrentarse a la caballería inglesa. Los ingleses cargaron pero los erizos escoceses aguantaron. Eduardo entonces ordenó a su caballería que se retirase y mandó a sus arqueros que comenzaran a disparar sus flechas sobre los erizos escoceses. Estos eran un blanco fácil al estar apiñados, y poco a poco fueron cayendo los hombres. Al final, los erizos se desbandaron y la caballería pudo cargar contra los supervivientes. Wallace sobrevivió, pero el ejército escocés dejó de existir por un tiempo. Sin embargo Eduardo no pudo acabar con los escoceses debido al estado de agotamiento de su ejército. Sin embargo la causa escocesa se vio tan debilitada que el rey Roberto tuvo que rendir pleitesía a Eduardo.

Tras intentar continuar la lucha (en realidad se fue a hacer un tour por Francia y el papado para buscar apoyos para Escocia), Wallace será traicionado capturado y posteriormente ejecutado mediante su destripamiento mientras grita "Libertad". Pero un poco antes muere su archienemigo el rey ingles Eduardo I, no sin antes saber que la esposa de su hijo homosexual lleva en sus entrañas al hijo de Wallace. Pasando por alto que Eduardo I murió en 1307 dos años después de la ejecución, Wallace no sólo fue destripado, también castrado y posteriormente descuartizado.

La última batalla representada es Bannockburn que se luchó en el 1314, dieciséis años después de Falkirk . Los contendientes fueron Roberto como rey de Escocia y Eduardo II, rey de Inglaterra. En la película Eduardo II es retratado como un homosexual cobardica, sin embargo acompañó a su padre en varias campañas e incluso llegó a liderar contingentes importantes. Pero por desgracia para los ingleses no era tan buen líder como su padre. Bannockburn es la escena final de la película y sólo vemos la disposición de las tropas y el inicio de la carga escocesa. Es una pena, porque Bruce demostró que era un gran táctico y un gran líder. De nuevo el ejército inglés (unos 20.000 hombres) era tres veces superior al escocés y marchó hacia el norte para liberar el asedio del castillo de Stirling. Bruce dispuso su ejército formado por tres grandes erizos bloqueando el camino en una zona con las marismas del arroyo Bannock a su derecha y el río Forth a su izquierda. De esa forma evitaba ser flanqueado.

Adicionalmente, los nobles ingleses estaban ansiosos por cargar y repetir la victoria de Falkirk. De hecho, el caballero Henry de Bohun desafió a duelo personal al rey Roberto. El inglés cargó con su caballo de batalla contra el rey escocés que sólo estaba armado con su hacha de combate, una armadura ligera y montando un pequeño corcel. Cuando casi estaban a punto de entrar en contacto, el rey Roberto giró bruscamente su ágil corcel esquivando la lanza enemiga y asestando un golpe con su hacha consiguió partir en dos el casco y la cabeza de su oponente. Animados por la gesta, los escoceses cargaron. En el estrecho paso, los erizos escoceses fueron invencibles, consiguiendo hacer retroceder a los ingleses.

La batalla no terminó ahí. Los ingleses volvieron a atacar al día siguiente. Eduardo II cometió el error de intentar cruzar el Bannock con su ejército para flanquear a los escoceses. Roberto observó la maniobra y volvió a ordenar una carga contra el desorganizado ejército inglés. Gran parte de los caballeros huyeron y eso provocó la desbandada del ejército. Aproximadamente la mitad del ejército inglés fue exterminada. Diez años después Inglaterra reconocería la independencia de Escocia.

Sin embargo, lo más sorprendente de la película "Braveheart" no es lo que cuenta, o como lo cuenta. Lo más sorprendente es que influyó en el renacimiento del sentimiento nacionalista en Escocia. Tanto que últimamente el independentismo escocés es una considerable fuerza política y que incluso se llegó a erigir una estatua de Wallace caracterizado como Mel Gibson a las afueras del monumento oficial a William Wallace. No deja de ser gracioso que una película norteamericana, dirigida por un asutraliano y filmada principalmente en Irlanda haya sido la causa de problemas de nacionalismo escocés en Gran Bretaña.

Y es que a veces la realidad llega a superar a la ficción.


(*) Aquí hay dos anacronismos, la pintura azul de guerra la usaban los pictos y los celtas pero ya había caído en desuso en el siglo XIII. Adicionalmente, el uso del tartan se popularizo en el siglo XVI, trescientos años después de los hechos relatados. Y una cosa más, Wallace probablemente vestiría armadura como uno más de los nobles escoceses, no como el resto de la tropa. Pero reconozcamos que lucen bien en la película.

Alexander Nevsky (Александр Невский)

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Probablemente "Alexander Nevsky" no es la más famosa película de Sergei Eisenstein (ese honor le corresponde sin duda al "Acorazado Potemkin") , pero posiblemente sea una de sus mejores obras.

La película fue un encargo del propio Stalin para "calentar los ánimos" del pueblo ruso ante la posible agresión de la Alemania nazi. Los cascos de los caballeros teutones recuerdan sin duda al típico casco del soldado alemán de la IIGM, e incluso Eisenstein llegó a considerar el uso de la svastica en los estandartes teutones. La película fue estrenada en Diciembre de 1938 con gran éxito. Pero desapareció de los cines en agosto del 39 tras la firma del famoso pacto Molotov-Ribbentrop. Se reestreno en julio de 1941, tras la invasión nazi de la URSS.

La cinta es un eficaz instrumento de propaganda anti-alemana. La magnífica música de Sergei Prokofiev acompaña perfectamente a las poderosas imágenes de esta película. Se nos muestra la masacre de los habitantes de Pskov a manos de unos ominosos caballeros teutones. El pánico cunde en la cercana ciudad de Novgorod, pero allí las proclamas del príncipe Alexander Nevsky consiguen animar a sus habitantes para formar un ejército popular que expulse a los invasores del sagrado suelo ruso. Nadie sobra en dicho ejército y hasta las mujeres combatirán. El enfrentamiento entre el gran ejército de caballeros teutones y el no tan grande ejército popular ruso tiene lugar en las heladas aguas del lago Peipus. En una secuencia de batalla de una media hora, se muestra como Alexander Nevsky, gracias a su astucia y al valor de sus soldados, consigue aniquilar a los teutones pues éstos acaban ahogados tras romperse el hielo del lago debido al peso de sus armaduras. Alexander se convierte en el gran salvador de Rusia demostrando que la unidad del pueblo puede acabar con cualquier invasor.

Sin embargo, la historia en la que está basada esta película es "ligeramente" distinta. Es el punto de inflexión de lo que se conoció como las "Cruzadas del Norte".

Cuando uno oye el termino "Cruzada" inmediatamente piensa en las numerosas luchas por la Tierra Santa entre cristianos y musulmanes de la Edad Media, tal y como están reflejados en la película "El Reino de los Cielos". Sin embargo hubo otras cruzadas no tan conocidas, como por ejemplo la que se desarrolló en pleno siglo XIII en el norte de Europa. Fue contemporánea de la Cuarta Cruzada y en principió se dirigió contra los reinos paganos del Báltico. Pero acabo derivando en una lucha entre los cristianos católicos y los ortodoxos.

En 1224 los cruzados tomaron la fortaleza de Tartu, cuyos habitantes habían formado una alianza con los rusos. La guarnición fue masacrada. Un obispo se hizo cargo de la ciudad e intento ampliar las fronteras y el cristianismo católico gracias a la ayuda de unos recién llegados de Palestina, los Caballeros Teutónicos.

Hacia el norte se encontraba la gran ciudad de Novgorod. Era una de las diez principales ciudades rusas que dominaba el Norte del país cuya expansión hacia el sur se vio detenida por la irrupción de los teutones. En el 1237, las cosas se complicaron para los rusos. Las esporádicas incursiones mongolas se transformaron en una invasión en toda regla (La famosa Horda de Oro). Sin embargo Alexander Nevsky, el gobernador de Novgorod, consiguió que la ciudad fuera reconocida como vasalla y aseguró su existencia mediante el pago de tributos al Khan.

Los cruzados aprovecharon la debilidad de los rusos y en 1240 lanzaron una incursión que culminó con la toma de la ciudad de Pskov. Llegaron incluso a tomar los pueblos situados a 30 km de Novgorod. Alexander prefería luchar contra los católicos pero los comerciantes y nobles de Novgorod preferían un tratado de paz, así que consiguieron que éste fuera desterrado.

Sin embargo en 1241 los mongoles entraron en escena una vez más al iniciar la invasión de la Europa católica. Muchos de los cruzados volvieron a defender sus lugares de origen (Hungría, Polonía, este de Alemania) por lo que sus fuerzas en Rusia se vieron considerablemente mermadas. Alexander no desaprovechó esta oportunidad. Volvió a Novgorod, hizo colgar a aquellos que le habían desterrado y organizó un ejército que consiguió reconquistar Pskov.

En marzo de 1242, Alexander decidió lanzar una expedición de saqueo sobre las posesiones teutónicas. Dividió a sus fuerzas en tres columnas para intentar no ser localizado, pero fracasó. Una de sus columnas fue completamente exterminada. Alexander decidió retirarse lo más rápidamente posible y decidió hacerlo atravesando la zona más estrecha y poco profunda del lago Peipus (el máximo de profundidad es de 1 metro). Pero el ejército cruzado le perseguía de cerca, por lo que Alexander no tuvo más remedio que plantar cara. Era el 5 de abril de 1242.

Lo que posteriormente se conocería como la Batalla de los Hielos demostró que Alexander Nevsky era un gran táctico. El ejército de Novgorod era más numeroso que el cruzado (unos 5.000 hombres frente a unos 1.500 respectivamente), pero era muy inferior en calidad de combate. Sabía que en campo abierto no tenía ninguna posibilidad contra la carga de la caballería teutona. Así que dispuso sus tropas en la orilla del lago aprovechándola como si fuera una línea fortificada. Dispuso sus arqueros a pie en el centro junto con la milicia de Novgorod. Mientras que sus arqueros a caballo estarían en su flanco derecho. Alexander y sus nobles más allegados formaron en el centro y la retaguardia. En el flanco izquierdo parece ser que se dispusieron tropas auxiliares a caballo de tribus vasallas.

El ejercito cruzado parece ser que dispuso sus caballeros teutones en el centro y/o en el flanco derecho junto con los caballeros livones (cada caballero estaba acompañado de un sargento y un sirviente). La milicia de Tartu con el obispo Hermann se dispuso en el centro. Los caballeros vasallos daneses se encontraban en el ala izquierda. Los auxiliares estones en la retaguardia. A pesar de las escenas de la película, el núcleo de caballeros teutones y sus sirvientes no serían más de 100, pero eran una fuerza de élite.

La táctica cruzada era simple: cargar en cuña y romper la línea enemiga. Tremendamente efectiva en terreno llano, pero en el somero lago Peipus se convirtió en una desventaja. La carga de caballería a través del hielo y el fango helado fue completamente frenada y agotó por completo a las cabalgaduras cruzadas. Simultáneamente, los arqueros a caballo atacaron a la caballería danesa de flanco. Esto provocó su desbandada, y su pánico se transmitió a la milicia de Tartu y a los auxiliares estones. Los caballeros teutones y sus sirvientes quedaron completamente aislados y atrapados en el fango del lago. Evidentemente fueron rodeados y aunque algunos consiguieron huir, la mayor parte fueron aniquilados. Seis de ellos fueron tomados prisioneros y paseados por las calles de Novgorod.

Tras la victoria del lago Peipus las posesiones teutónicas no se colapsaron como sucedió al Reino de Jerusalen tras la Batalla de Hattin. La mayor parte de la orden seguía intacta. Sin embargo su prestigió había sufrido un duro golpe y su expansión fue frenada definitivamente. Alexander inmediatamente realizó una oferta de paz que fue aceptada y que perduró por veinte años. Ese tiempo le permitió a Alexander Nevsky estabilizar su dominio sobre Novgorod y sobretodo mediante una hábil labor política, impedir que los mongoles se la anexionaran. En 1547, Alexander Nevsky fue canonizado por la Iglesia Ortodoxa.

Clásica obra de propaganda que sigue la siguiente máxima: "No dejes que la fidelidad histórica te estropeé una gran película".

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