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El blog no está muerto pero como podéis comprobar no puedo dedicarle el tiempo que necesita. Si alguien quiere una breve explicación del parón la encontrará aquí. Iré publicando películas y contestando a los comentarios poco a poco. Gracias por vuestra paciencia, atención e interés.

Actualmente hay 269 películas comentadas

En los siguientes links puedes encontrar todas las películas comentadas, bien ordenadas alfabéticamente o bien clasificadas por períodos históricos.

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Si te interesan otros aspectos de las películas de guerra puedes visitar Cine de Guerra.

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jueves, agosto 23, 2007

El sexto héroe (The Outsider)




En 1961 llegó a las pantallas "El sexto héroe". Estados Unidos se encontraba en un período de entreguerras. Acababa de salir de la Guerra de Corea y la participación en Guerra del Vietnam estaba en sus balbuceos. La película se basaba en la biografía novelada de Ira Hayes publicada en 1959. Era la otra cara de "Arenas sangrientas".

Ira Hayes era un indio Pima, que se alistó en los marines durante la Segunda Guerra Mundial. Fue entrenado como paracaidista-marine (esas tropas salen en la película "Primera Victoria" aunque nunca combatieron durante la IIGM). Su bautismo de fuego fue durante la campaña de Bouganvilla. Su siguiente combate fue en la Batalla de Iwo Jima. Allí alcanzó la fama junto con Rene Gagnon, John Bradley, Harlon Block (confundido con el sargento Hank Hansen), Franklin Sousley y Mike Strank, al levantar por segunda vez la bandera norteamericana sobre el monte Suribachi y ser inmortalizados en la famosa fotografía de Roshental. De la noche a la mañana, los hombres que levantaron esa bandera se convirtieron en unos héroes por lo que rápidamente fueron repatriados. Sin embargo, para cuando llegó la orden sólo tres de los seis aun vivían: Gagnon, Bradley y él. El trío se dedicó a una gira por todos los USA para recaudar fondos para la guerra, con un notable éxito.

Sin embargo, Ira Hayes no podía soportar la idea de que los verdaderos héroes eran aquellos que habían caído o que seguían luchando contra Japón. Se dio a la bebida y comenzó a tener problemas con la ley. En 1955, tras una partida de cartas en la que bebió y discutió, murió de congelación en el camino a su casa en la Reserva India del Río Gila.

En "El sexto héroe" Ira Hayes es interpretado por Tony Curtis. Teniendo en cuenta que Curtis tenía unos 35 años cuando interpretó dicho papel, y Hayes combatió con 21 y murió con 32, en mi opinión creo que realiza una de sus mejores actuaciones, y quizás ayudo el hecho de que Curtis combatió en la 2GM como tripulante del submarino USS Proteus (estuvo presente en la rendición en la bahía de Tokio). No era la primera vez que Ira Hayes era llevado a la pantalla. En 1960 fue interpretado por Lee Marvin en un serial televisivo titulado "The american".

“El sexto héroe” en principio parece la típica producción bélica. Comienza con el alistamiento de Hayes y su vida en el campo de entrenamiento de marines donde conocerá a sus otros camaradas y comenzará su amistad con Sorenson (Tony Franciosa). Sorenson no existió y simplemente representará a los camaradas que cayeron. Una vez acabado dicho entrenamiento se embarcarán para el combate. En la cinta no encontraremos espectaculares escenas de combate como en su predecesora. Todas ellas son bastante simples y se reducen a unos planos sobre lo que se supone que es la cima del Suribachi y el izado de la bandera. Posteriormente hay otras escenas más en las que vemos morir a los compañeros de Ira Hayes, entre ellos a Sorenson, y que servirán para introducirnos en la psicología de éste y entender porque comienza a romperse.

El resto de la cinta nos mostrará como mientras la fama de los tres supervivientes va creciendo, la personalidad de Hayes se va destruyendo hasta acabar como un alcohólico y un juguete roto cuando los héroes ya no son necesarios. Hay momentos bastante dramáticos como cuando estando bebido se encuentra de frente a la madre de su amigo Sorenson, o cuando trabajando como barrendero se encuentra con un antiguo camarada. El título en inglés hace referencia a que la persona que era Hayes antes de la guerra ha desaparecido y ahora es un extraño el que ha vuelto. Y ese extraño siente que no tiene derecho a estar allí.

Entre las debilidades de la película, en lo que respecta a la trama argumental se encuentra el que la historia se centra demasiado en el héroe caído y no se dice nada de los otros dos supervivientes; Gagnon y Bradley. Y en cuanto a la realización, el principal problema es que el reparto es bastante flojo. Quizás si hubiera habido alguna estrella más, el film habría sido algo más conocido.

En la película el final de Ira Hayes está suavizado un poco. No se ve la partida de cartas, sino que Hayes vuelve a beber tras sentirse defraudado por el resultado de unas elecciones locales. Sin embargo la secuencia final es realmente impactante. Vemos la mano congelada de Tony Curtis y entonces sobreimpresionado en la imagen vemos que esa mano tiene la misma postura que la mano esculpida en el monumento de los marines que recrea la famosa foto.

Una pequeña joya injustamente olvidada. Personalmente creo que la historia de Ira Hayes está mucho mejor contada en esta película que en la moderna versión de Clint Eastwood "Banderas de nuestros padres".

viernes, agosto 17, 2007

Arenas sangrientas (Sands of Iwo Jima)



La película "Arenas Sangrientas" es el mejor ejemplo de lo que eran las películas de propaganda realizadas tras la Segunda Guerra Mundial. La película fue un encargo del propio Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Al parecer el nivel de reclutamiento había bajado alarmantemente y se habló de disolverlo. Así que sus propagandistas se pusieron manos a la obra, se buscó a un buen director, la estrella más famosa del momento y se describió la batalla más famosa en la que habían participado los marines. Estrenada en 1949, fue un completo éxito de público. Las oficinas de reclutamiento de los marines se llenaron.

El guión es completamente simple y está hecho a la medida de la estrella principal: John Wayne. Nos van a contar las vicisitudes de un pelotón de marines en pleno frente del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. Wayne interpreta al sargento Stryker (en español "golpeador", que otro nombre podría ser) veterano de Guadalcanal, bastante antipático y alcoholizado que no duda en machacar a sus hombres en los entrenamientos. Todo tiene una explicación, Wayne es así porque su mujer le abandonó llevándose a su hijo. Por ello se entrega en cuerpo y alma al entrenamiento de sus muchachos, lo que ocurre es que ellos no entienden aun que su duro entrenamiento les salvará la vida.

Cuando entran en combate por primera vez comprenden la máxima de "lo que no pierdes en sudor, lo perderás en sangre". Se trata de la conquista de Tarawa, un pequeño atolón en el cual los japoneses fortificaron la isla Betio. Esta isla de unos 3 kilómetros de largo tenía un aeródromo, una guarnición de 2.600 japoneses acompañados de 1.000 trabajadores japoneses y 1.200 trabajadores coreanos. Se necesitaron a 35.000 combatientes yanquis y cuatro días de duros combates para conseguir tomarla. Los japoneses lucharon prácticamente hasta el último hombre (sólo se tomaron 17 prisioneros japoneses y un centenar de coreanos). En la película intercalan tramos documentales de la toma de Tarawa con las escenas rodadas. Como la película es en blanco y negro, la intercalación es bastante buena. Sin embargo aun estamos lejos del realismo de Peckinpah, y de películas como "Playa Roja" o "Salvar al Soldado Ryan". Los muertos son "estilo años 40", es decir, se ponen la mano en el pecho, crispan ligeramente el rostro y caen de forma suave y elegante.

Después de dicha batalla y tras su merecido descanso en Honolulu, los marines se preparan para la siguiente batalla. Se trata de la conquista de Iwo Jima. Y entre la negra arena de la isla descubrirán que Tarawa fue un simple paseo. Nuevamente se intercalan imágenes documentales con las escenas filmadas, y nuevamente lo hacen de forma bastante eficaz. Incluso hay un cameo para los tres supervivientes del famoso segundo izado de la bandera norteamericana sobre el Suribachi. En la película representan que este famoso izado fue el primero y que Wayne da la famosa bandera al grupo de hombres donde se encuentran Gagnon, Hayes y Bradley. Una curiosidad, la bandera izada en la película es la misma bandera que se izó sobre el Suribachi. El cuerpo de marines la cedió para la película. Sin embargo en los títulos de crédito iniciales se avisa que la primera bandera fue izada por el fallecido sargento Ernest I. Thomas. Mientras los marines suben a la cima, Wayne se toma un descanso con sus muchachos y es entonces cuando es abatido por un francotirador (por cierto, es la única escena en la que se ve una herida sangrante en toda la película). Estos encuentran entre sus pertenencias una carta dirigida a su hijo y descubren que en el fondo, Wayne era un padrazo. La muerte de su líder les enerva y les anima a seguir avanzando mientras el himno de los marines suena de fondo.

La cinta consagró a John Wayne como el prototipo del militar norteamericano de la IIGM. Algo paradójico si tenemos en cuenta que John Wayne nunca sirvió en el ejército, al contrario que otras estrellas como Clark Gable o James Stewart. Aunque ya se le consideraba una estrella, esta película consiguió para él la primera nominación a los oscars. Personalmente creo que su mejor interpretación es la que hace en "El hombre tranquilo", pero aquí tampoco lo hace mal.

En la película, además del cameo de los tres supervivientes del izado de la bandera, también salen otros personajes históricos interpretando su propio papel. Por ejemplo el teniente Schrier fue el que lideró al destacamento que izaría la bandera. También salen el coronel D. Shoup y el teniente coronel H. Crowe que fueron condecorados por sus acciones en Tarawa. Shoup fue condecorado con la Medalla de Honor porque a pesar de haber sido herido en la pierna nada más desembarcar, se puso al mando de los hombres que habían desembarcado en Tarawa y durante los dos primeros días estuvo recorriendo las posiciones norteamericanas sin descanso, a pesar de que la herida en la pierna se le infectó.

Las escenas de la playa de Iwo Jima están rodadas en Camp Pendleton la base de Marines cercana a San Diego en las costas de California. Y evidentemente dispusieron de todos los marines y equipamiento necesario, por lo que la exactitud histórica de los equipos es bastante buena. Incluso sale un Sherman M4A3R3 con su doble cañón: uno es el cañón normal, el otro es un cañón lanzallamas. Y en cuanto a los japoneses, aparte de los escasos soldados que siempre están emboscados esperando al incauto americano para clavarle la bayoneta, también puede verse a un par de tanques Tipo 97. En líneas generales, las escenas de combate están muy logradas y en mi opinión no serían superadas hasta que se estrenó "El día más largo", trece años después. De hecho y teniendo en cuenta el tiempo pasado y la disponibilidad de medios y efectos especiales, creo que no tienen tanto que envidiar a las de la versión moderna dirigida por Clint Eastwood: "Banderas de nuestros padres".

Evidentemente, al ser una película de propaganda con un guión tan simple ha envejecido bastante mal. Sin embargo es una película que cualquier aficionado al cine bélico o histórico está obligado a ver.

miércoles, agosto 15, 2007

Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind)






No, no se ha confundido de blog. He creído conveniente dedicar el comentario número 100 a otra de las obras cumbres del cine y que en mi opinión es parte de la HISTORIA. Es un película que fue definida por Juan Tejero en su libro "Este rodaje es la guerra", como la película que pretendía ser la primera obra de una nueva era y que sin embargo marcó el fin de la época clásica de Hoollywood. Y además, es una película bélica.

"Lo que el viento se llevó" está basado en el best-seller del mismo nombre escrito por Margaret Mitchell. Fue el único libro que publicó y lo escribió mientras convalecía de un accidente. En el libro intentó recoger todas las historias que había oído a sus abuelos y parientes sobre el antes, el durante y el después de la Guerra Civil Americana en el estado de Georgia. Fue un éxito arrollador, sobretodo entre el público femenino, pero sin embargo las productoras no mostraron mucho interés en comprar los derechos pues un dicho de Hollywood afirmaba que no se podía hacer dinero con películas sobre la Guerra Civil Americana.

Pero el productor David O. Selznick pensó de manera distinta y se propuso llevar a cabo dicha tarea sin reparar en gastos. Varios adelantos técnicos se utilizaron en el rodaje. Unos cuantos ejemplos: se decidió usar el novedoso y caro Technicolor y para ello se utilizaron las siete cámaras existentes capaces de rodar con esa técnica; el famoso travelling sobre el mar de heridos requirió una grúa especial; nunca antes se filmó un incendio de tan grandes proporciones. Además para completar el reparto se necesitaron dos años, y tres directores (cuatro si contamos la contribución del propio Selznick) intervinieron en el rodaje. No debe olvidarse que hay cincuenta personajes importantes con diálogos. En cuanto al trasfondo histórico, se entrevistó a diversos ancianos para recoger sus recuerdos de niñez de dicha época, o se solicitó la ayuda de varias mujeres para que permitiesen copiar los diseños de los vestidos de sus abuelas que guardaban en viejos arcones. Incluso se llegó a transportar tierra roja desde Atlanta hasta el set de rodaje en California para dar autenticidad a la hacienda de Tara.

La película no sólo fue un éxito. Fue un acontecimiento social de primera magnitud. Cada vez que se reestrenaba las salas volvían a llenarse y la gente volvía a entusiasmarse. Un crítico llegó a decir que era necesario ver dos veces la cinta para ver realmente la película. Hasta el año 1976 no se cedieron los derechos a la televisión y cuando se emitió consiguió la más alta audiencia (47,5%) hasta el momento. Irónicamente, fue superada al año siguiente por la emisión de Raíces.

En cuanto al aspecto histórico. "Lo que el viento se llevó" hace un retrato del "Viejo Sur" tal y como se veía éste a mediados de los años 30. Está llena de estereotipos: los caballeros y damas refinados del Sur; los esclavos fuertes y torpes pero de gran corazón que cuando son libres realmente echan de menos los viejos tiempos de la esclavitud; los yanquis, maleducados y avariciosos que sólo piensan en su beneficio... A mi personalmente me transmite una sensación parecida a la que tengo cuando veo el cuadro de "La rendición de Breda". Sabes que contemplas una obra maestra, independientemente de que te guste el autor o ese estilo de pintura. Sabes también que está mostrando un acontecimiento histórico de una forma magistral pero totalmente idealizada. Sabes que no fue real, y sin embargo sientes que te gustaría que hubiera sido así.

Como creo que todo aficionado al cine la habrá visto por lo menos una vez este melodrama que nos relata las vicisitudes de una niña bien de Atlanta, su caída durante la guerra, su supervivencia en la posguerra y su ascenso y recuperación final. Sólo voy a comentar algunas de las escenas con trasfondo histórico.

La espectacular escena del incendio de los arsenales de Atlanta fue la primera que se rodó. Para ello se utilizaron los antiguos decorados de la película "King Kong" y se diseñó un nuevo tipo de efecto especial. En el reparto principal sólo se había asegurado el contrato de Clark Gable pero esa misma noche Selznick conoció personalmente a Vivien Leigh, que le fue presentada con la siguiente frase: "Aquí tienes a tu Scarlett O'Hara".

Otra escena impactante es la del largo travelling de Scartlett entre los heridos, que acaba con un plano de la bandera confederada completamente desgarrada. Parece ser que dicha escena fue dirigida por el propio Selznick y se tuvo que contratar y luego modificar una grúa para la construcción de grandes obras de ingeniería.

En toda la película no hay ninguna escena de batallas y luchas. Se rodaron algunas, pero se decidió que era mejor eliminarlas en el montaje final. La película debía de gustar principalmente al público femenino y estaba comprobado que las batallas aburrían a las mujeres. La película tenía sin embargo suficientes escenas de acción para que resultara atractiva para los hombres. La Guerra Civil es sólo un trasfondo. Por ello la película se convierte en un retrato de lo que debía de ser la vida en la retaguardia Confederada.

En el comienzo se nos muestra la alegría que tienen todos porque van a la guerra. Luego vemos como los ánimos van cambiando según avanza la guerra y las cosas no van tan bien como se esperaba. El punto de inflexión que significó la Batalla de Gettysburg se nos muestra con una escena en la que se publica en la ciudad la lista de bajas. Luego vemos como la guerra poco a poco se va acercando. Primero es el incendio de los arsenales de Atlanta, luego viene la famosa Marcha del General Sherman que arrasará gran parte de la Confederación. Finalmente la derrota de la Confederación tras la rendición del general Lee el 9 de abril de 1865. Pero en esto último hay un error. Lee era responsable del Ejército Confederado del Norte de Virginia. El estado de Georgia no dependía de Lee sino del General Johnston. Y este no se rindió hasta el 26 de abril de 1865. Aunque evidentemente era el ejército de Lee el que importaba.

A pesar del retrato tan idílico que hace de la situación esclavista en la que incluso los negros van a ayudar a levantar las fortificaciones de Atlanta, paradójicamente la película significó un hito en la lucha por la igualdad de derechos. Hattie McDaniel ganó el oscar por su interpretación de Mammy. Era la primera vez que una persona de raza negra ganaba dicha estatuilla. Desgraciadamente, no pudo asistir a la premiere en Atlanta, porque al ser un estado que reconocía la segregación, se le comunicó que debería sentarse en la zona reservada para la gente de color. Esta claro que aun quedaba mucho camino para la igualdad.

Para terminar, un ejemplo más de como cambian los tiempos. En la película hay una escena que a la sociedad actual le parecería totalmente censurable. Es la escena en la que un Butler bebido coge a Scartlett y se la lleva a la habitación para forzarla sexualmente (en el libro ella consiente finalmente). Y sin embargo, el mayor problema con la censura que tuvo Selznick fue con la famosa frase de Butler: "Frankly, my dear, I don't give a damn" (Francamente querida, me importa un bledo) que no aparece así en la novela original . Selznick añadió el "Frankly" además de reconstruir la escena totalmente. Lo curioso es que tuvo que lidiar con la censura por la palabra "damn" pues en esa época no se podían decir palabras malsonantes. Actualmente se considera que dicha frase es la primera de las 100 citas más memorables del cine.

Bueno, como diría Scartlett: Mañana será otro día.
Blog dedicado a la película: Viento Escarlata
Comentario en Cine de guerra

lunes, agosto 06, 2007

Apocalypse Now



"My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam"

Esta frase de Coppola dicha en el festival de Cannes es la mejor sinopsis de "Apocalypse Now", la película más famosa sobre la Guerra del Vietnam. Y probablemente la película bélica más famosa hasta que se estrenó "Salvar al soldado Ryan".

La he visto en varias ocasiones, la primera vez siendo un adolescente. Cuando termina siempre acabo con la misma sensación. Una sensación que me hace coincidir con la frase de Coppola. Es como el Vietnam. Comienza de forma extraña, en el medio parece que todo va estupendamente y acaba insoportablemente.

De hecho, más de una vez la he dejado de ver en el momento en que llegan al refugio de Kurtz. No aguanto al Marlon Brando. Mejor dicho, no aguanto a "ese" Marlon Brando. En ese época no era el actorazo de "La ley del silencio" o de "¡Viva Zapata!". Ni siquiera era el actor de "El padrino". En ese momento era un divo que se creía que había que reverenciar cada gesto o palabra que dijera. Cobró tres millones de dólares (de 1976) por tres semanas de rodaje. Y sin embargo debemos a Marlon Brando el que exista esta obra cumbre del séptimo arte. Porque ciertamente "Apocalypse Now" es CINE.

El guión es una adaptación de la novela de Joseph Conrad "El corazón de las tinieblas" mezclada con otras obras como "La Odisea" de Homero. La novela de Conrad está ambientada en el Congo Belga del siglo XIX. Orson Welles realizó una adaptación para la radio e incluso quiso llevarla al cine, pero debido al presupuesto que requería al final acabó dirigiendo "Ciudadano Kane". La idea de llevar la novela al cine resurgió en pleno conflicto del Vietnam. El primer borrador fue realizado por John Millius en 1967. Millius era y sigue siendo un militarista convencido y a él le debemos el título; es una contrapropuesta al grito pacifista del movimiento hippy: "Nirvana Now!". Además del título, incluía un final mucho más belicista y en cierta forma parecido al que luego se vería en "La cruz de Hierro". En este primer final, Willard se une a Kurtz en una última batalla contra el Viet-Cong. Mientras Kurtz filosofa sobre las bondades de la violencia entre las explosiones y disparos, le pregunta a Willard porque lucha. Willard responde: "Porque me gusta esto". George Lucas era quien debía dirigir la cinta y la idea era realizarla en medio de la propia guerra del Vietnam para conseguir todo el realismo posible. La Warner Bros se negó en redondo pues estaba segura que iban a matar a esa panda de locos. El proyecto quedó archivado.

En 1975 el proyecto fue retomado. Pero muchas cosas habían cambiado. La primera de todas es que la Guerra del Vietnam se había acabado. La segunda es que el director no iba a ser George Lucas porque este se encontraba metido en la realización de una película de Ciencia-Ficción llamada "La Guerra de las Galaxias". La tercera es que Coppola era multimillonario y tenía unos cuantos Oscars gracias a la saga de "El padrino" por lo que dirigiría y produciría con parte de su patrimonio la película.

El plan era rodar la película en Filipinas durante unas 6 semanas y el presupuesto inicial sería de unos 12 millones de dólares. Pero lo primero era buscar a un actor de primera fila como reclamo y para asegurar el dinero de la producción. Se pensó en Steve McQueen para el papel de Kurtz o de Willard, pero debido a su enfermedad lo rechazó. Seguidamente se le propuso a Brando que también declinó la oferta. Se ofreció el papel de Willard a de Niro y a Al Pacino. Incluso se llegó a pensar en Jack Nicholson y en Robert Redford. Nadie aceptó y Coppola se agarró un cabreo monumental (llegó a arrojar sus Oscars por la ventana) pues sin una gran estrella en el reparto, la United Artist no adelantaría los doce millones de dólares necesarios. Cuando todo parecía perdido, Brando aceptó la oferta de rodar durante tres semanas por tres millones de dólares. Con Brando en el reparto, el dinero para la producción estaba asegurado. "Apocalypse Now" estaba en marcha.

Lo siguiente fue buscar al resto de actores. Debido al presupuesto de Brando los demás deberían de ser conocidos pero de segunda fila. Robert Duvall encarnaría al teniente coronel Kilgore, Denis Hopper a un periodista y Harvey Keitel a Willard. En febrero de 1976 comenzó el rodaje en Filipinas. Y a las dos semanas surgió el primer problema. Keitel lo hacía tan rematadamente mal que fue despedido. En su lugar se contrató a Martin Sheen. Pero las dificultades no habían hecho más que empezar.

Coppola explicó que durante el rodaje de esta película su equipo se comportó como el ejército norteamericano en Vietnam: eran muchos, estaban en medio de la jungla, con enormes cantidades de material y de dinero, y poco a poco se fueron volviendo locos. La mujer de Coppola, Eleanor, fue filmando las diferentes fases del rodaje. Dicho material fue luego usado para la realización del excelente documental "Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse". Y en esa producción podemos ver perfectamente todas las etapas de esa locura. Aquí sólo voy a bosquejar algunas:







Origen de la imagen



En la mítica escena del ataque de los helicópteros se usaron aeronaves del ejército filipino que habían sido utilizadas durante la guerra de Vietnam. Coppola llegó a un acuerdo personal con el dictador Ferdinand Marcos. Esta famosa escena se rodó a pocos kilómetros de Baler lugar de la famosa gesta recogida en la película "Los últimos de Filipinas". La primera vez que se rodó uno de los almacenes de producción fue destruido por error. En otra ocasión, cinco helicópteros fueron retirados para ser utilizados contra la guerrilla comunista. En palabras de Millius, el personaje de Kilgore estaba basado en el cíclope de "La Odisea". Adicionalmente, las chicas "Playboy" están inspiradas en las sirenas del relato homérico.

Coppola se inspiró en la película "Aguirre, la cólera de Dios" para la escenografía de la subida por el río. Simultáneamente quiso representar un viaje en el tiempo, y por ello rodó la escena de la plantación francesa. Dicha escena fue eliminada en la versión estrenada en 1979 y reincorporada en la versión "Redux".

Durante el rodaje, el tifón Olga destruyó gran parte de los decorados. Coppola aprovechó para filmar algunas escenas, pero durante la peor parte del tifón Coppola se puso a preparar un plato de pasta fresca italiana (le costaba 8.000 dólares el vuelo que la transportaba) mientras escuchaba "La Boheme".

Martin Sheen está realmente borracho y drogado durante el rodaje de la escena que abre la película. Ese día cumplía 36 años y Coppola le manipuló para que sacase sus demonios interiores. La escena en la que rompe el espejo es auténtica y a pesar del corte en la mano, Martin insistió en continuar rodando. A los pocos días sufriría un infarto que Coppola ocultó para evitar que United Artist se retirara del proyecto. Se requirió a su hermano, el actor Joe Estevez, que le doblase en algunas escenas. Incluso llegaría a doblarle en el montaje. Tras unas cuantas semanas, Martin se reincorporó.

Parece ser que todo el mundo se drogó en algún momento del rodaje, pero el que se llevó la palma fue Dennis Hopper. Según parece en todas sus escenas estaba totalmente flipado y ni se molestaba en aprenderse su guión. Llegó a ser un autentico incordio para todos.

Coppola introdujo cambios en el guión sobre la marcha. Esto causó más y más retrasos en el rodaje, tantos que la película llegó a conocerse como "Apocalypse When?". Millius fue enviado para intentar poner orden. En sus propias palabras se sintió como Von Rundstedt ante Hitler en 1944 . Iba para decirle "Mi führer, sin gasolina todo está perdido en Rusia" y tras dos horas de conversación salió pensando: "Al diablo con la gasolina. La victoria final es posible". El rodaje continuó.

Brando ni se molestó en leer el libro y ni siquiera se llegó a aprender una sola línea del guión. Coppola comprendió que lo que debía de rodar eran improvisaciones y luego dar un final a la película. Así que se dedicó a conversar con él y rodarle mientras tanto.

Jimmy Carter llegó a ordenar la censura de la película. Para saltarse la censura en su país, Coppola estrenó una versión en el festival de Cannes en la que ni siquiera había títulos de crédito y en la que al final no se destruye el santuario de Kurtz. Al ganar la palma de oro y la fama, la película pudo ser estrenada en los USA.

En la película aparecen actores en papeles secundarios que luego llegarían a ser grandes estrellas como Harrison Ford o Laurence Fishburne. Este último tenía 14 años cuando comenzó el rodaje.

Varias escenas están inspiradas en acontecimientos reales como por ejemplo la escena de la cantimplora. Aunque la más famosa es la matanza de la barca, inspirada en la masacre de Mi-Lai. De hecho, los vietnamitas son en realidad auténticos refugiados vietnamitas establecidos en Filipinas.

La tribu de montagnard que venera a Kurtz fue una tribu filipina contratada al completo por Coppola. El sacrificio de la vaca es real. De hecho la idea de incluirlo fue porque Coppola asistió previamente a uno en su honor. Al finalizar, el sacerdote del pueblo le ofreció el corazón del animal diciendo que se lo merecía porque había demostrado tener un gran corazón. Y ciertamente lo había hecho. Al parecer tuvo tentaciones de suicidarse al menos en tres ocasiones.

Tras 238 días de rodaje en Filipinas, Coppola terminó su particular descenso a los infiernos, pero no la película. La etapa de montaje y post-producción durarían casi dos años. El coste total alcanzaría los 31 millones de dólares incluyendo la fortuna personal de Coppola, pero recaudaría 150 millones en todo el mundo. Treinta y dos años después, Coppola realizó un nuevo montaje con escenas añadidas al que denominó "Apocalypse Now. Redux". En mi opinión alarga innecesariamente la obra y no añade gran cosa

Una película que debe de ser vista obligatoriamente por cualquiera que muestre algo de interés por el CINE.


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