Alatriste

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"Quien mucho abarca, poco aprieta"

Es lo primero que pensé cuando terminé de ver "Alatriste", hasta la fecha la película más ambiciosa del cine español. Lo segundo, fue lamentarme y pensar: "¡Dios, que buena saga sería si tuviera un buen productor!".

Basada en el personaje de ficción creado por Arturo Pérez-Reverte, la película comete el error garrafal de condensar en dos horas y media de rodaje, el contenido de al menos cinco libros de las aventuras del "capitán Alatriste". Hay tantos personajes y tramas que uno al final acaba completamente perdido y, lo que es peor, aburrido.

Tal y como reza la página web dedicada a Alatriste, éste representa al típico soldado de los Tercios que vive el comienzo del declive del Imperio Español. Sus aventuras comienzan en el Flandes de 1622 y terminan el 19 de mayo de 1643 en los campos de Francia. En los 21 años que abarca la cinta veremos desfilar desde personajes históricos; Francisco de Quevedo, el rey Felipe IV o el Conde-Duque de Olivares; a estereotipos anónimos; pícaros, prostitutas, ganapanes; de aquella España Imperial que comenzaba a derrumbarse.

Supongo que los productores y el director intentaron hacer un "Cyrano de Bergerac" a la española. Y no regatearon esfuerzos ni dinero en ello. Con un coste de 24 millones de euros es la película más cara del cine español. Añadamos que Perez-Reverte tiene bastante éxito internacional, pero por si acaso la película fue publicitada hasta en la sopa. Además se contrató a Viggo Mortensen, una estrella de reciente éxito mundial por la saga de "El Señor de los Anillos". Y finalmente se contó con una grandísima cantidad de actores españoles conocidos.

Y aquí empezaron los errores. En cuanto al reparto, Viggo no actúa mal y en inglés su voz suena bastante bien, pero su voz en español deja bastante que desear. Ya se que el tío se lo curro porque es un profesional y tiene su autoestima, pero en mi opinión, si una película no gusta en el país que la origina difícilmente va a gustar por otras partes del mundo. De todas formas lo peor es el resto del reparto. Porque Viggo tiene un pase, Echanove y Cámara no lo hacen mal pero lo que no es de recibo es poner a Blanca Portillo en el papel del inquisidor Bocanegra.

Desde el punto de vista artístico lo más destacable es la ambientación y el vestuario. Es de quitarse el sombrero y debe reconocerse que hicieron los deberes. En líneas generales los exteriores del Madrid de los Austrias están bien buscados. También se cuidaron mucho los detalles históricos. Así, los duelos a espada no son tan espectaculares y son mucho más sórdidos y rápidos de lo que uno está acostumbrado a ver en las películas. Pero una película no es un cuadro, es una historia.

Lo peor de la película ya lo he indicado. En lugar de hacer dos o tres películas, han querido meter mucho en muy poco espacio. Hay tramas y subtramas que incluso si has leído los libros de la serie, cuesta seguir. Pero lo que más la perjudica es que el desfile de personajes es incesante. Parece que todos los actores españoles actuales con algo de fama han querido salir en la película haciendo un cameo. Y eso si que es un handicap de los gordos, porque los actuales ¿actores? españoles son bastante malos en sus actuaciones e incluso en cameos lo hacen mal. Sólo hay que ver a Ariadna Gil y a Eduardo Noriega para comprobarlo.

En el aspecto histórico y bélico la película está ambientada en plena Guerra de los Treinta Años y hay al menos tres pasajes que merecen la pena destacarse:

La "encamisada" inicial. Los españoles realizan un asalto nocturno sobre una posición holandesa para "picar" los cañones enemigos e inutilizarlos. Esos golpes de mano fueron las acciones bélicas más frecuentes durante las guerras de Flandes, y no las batallas campales. El comienzo de la película con la escena de Alatriste saliendo de la niebla sosteniendo el arcabuz y la mecha enrollada en su muñeca es bastante buena. En esa incursión muere el padre de Iñigo Balboa, por lo que se trata del asedio de Jülich.

El asedio y posterior toma de Breda. Es el año 1625. Se nos muestra como se realizaban los largos y costosos asedios de aquella época, sobretodo la excavación de minas para destruir la fortificación enemiga. Y asimismo vemos las contraminas para intentar desbaratar dichos trabajos. También nos habla de los motines que a veces se producían por la falta de la soldada. Cuando la ciudad capitula veremos la composición del famoso cuadro de Velazquez.

Finalmente la celebre y triste batalla de Rocroi. En dicha batalla se perdió el núcleo central de los afamados Tercios Españoles y marcó el punto de inflexión en la decadencia del Imperio Español. Se supone que es el climax de la película, pero desgraciadamente para mi fue una pequeña decepción.

Primero comentaré lo bueno. Quizás sea la mejor representación histórica y auténtica de un Tercio Español en combate. Al contrario del estético y cinematográfico Tercio que se ve en "Cyrano de Bergerac" aquí los soldados están más o menos uniformados y además están sucios debido al combate. Nada de armaduras brillantes. Parecen soldados reales y no figurines. Adicionalmente podemos ver los diferentes tipos de tropa que componían los Tercios: piqueros, arcabuceros y rodeleros. Sobretodo vemos a estos últimos, esquivando las picas por abajo y cortando tendones de los franceses. Y es que la guerra es así de sucia, entonces y ahora.

Ahora lo malo. Inicialmente la acción se centra en el ficticio Tercio de Cartagena, que todavía aguanta a los franceses (el último que aguantó fue el Tercio de Mercader). Uno supone que el resto de los tercios que aguantaron en Rocroi estarán cerca y que para aumentar el dramatismo sólo estamos viendo planos cortos. Pero cuando en la pantalla se abre el plano y se nos ofrece una panorámica del campo de batalla a mi se me cayo el alma a los pies. Uno se imagina Rocroi con 5.000 españoles rodeados por el doble de franceses en medio de los campos del norte de Francia. En su lugar lo que vemos parece un grupo de amiguetes aficionados a la recreación histórica que se han juntado en medio de la Mancha con el monasterio de Uclés al fondo. No se puede pretender que 500 extras en medio de un campo agostado y amarillo representen lo que era un Tercio en los campos franceses de Rocroi por mucho que el Perez-Reverte nos quiera vender la moto. Y lo que es peor, entre toma y toma los muertos están cambiados de lugar. Si usaron 10.000 extras en toda la película, ¿por qué sólo 500 en Rocroi? ¿Por qué no han utilizado efectos digitales para simular las masas de infantería y caballería en esas panorámicas? Que oportunidad perdida.

De todas formas creo que la película merece un notable sobretodo por el esfuerzo de representar dignamente una época de nuestra historia. Esperemos que cunda el ejemplo porque está a años luz de bodrios como la última versión de "Juana la Loca" en la que el director dijo que no quería poner el yugo y las flechas de los Reyes Católicos porque era un símbolo franquista. Y no digamos de otras cintas que deberían ser declaradas crímenes contra la humanidad como "Tirante el Blanco".

No es la película más maravillosa ni la más emocionante, pero es una buena historia...

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Cyrano de Bergerac

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Cyrano de Bergerac fue un personaje real que vivió en la Francia del siglo XVII y que combatió en la Guerra de los Treinta Años. Sin embargo es mucho más conocido como personaje de ficción por la obra de Edmond Rostand escrita en 1897. Es un personaje típicamente romántico que ha conocido hasta seis adaptaciones cinematográficas si contamos el bodrio protagonizado por Steve Martin. Las más famosas son la estadounidense de 1950 y la francesa de 1990.

La película norteamericana de los años 50 es famosa porque a pesar de ser una producción de bajo presupuesto fue un éxito total. Concebida para seguir la estela del éxito de "Los tres mosqueteros", se considera que es el mejor trabajo del actor José Ferrer, por el cual ganó el oscar a la mejor interpretación. Y lo cierto es que como típica película de aventuras y espadachines de los años 50 está bastante lograda. Sin embargo la escena del combate entre los españoles y los franceses deja bastante que desear tanto desde el punto de vista histórico como cinematográfico. Se trata de un combate nocturno y el director debió de suponer que poner a cada soldado español con una antorcha debería de crear un efecto lumínico sorprendente. Lo cierto es que no lo consigue, en parte porque la coreografía no es muy allá y los decorados de cartón piedra son bastante evidentes.

Cuarenta años después llegó a las pantallas la película francesa "Cyrano de Bergerac". Era la producción francesa más cara hasta ese momento y fue un auténtico taquillazo. Lanzó a la fama mundial a su protagonista, el actor Gerard Depardieu, que llegó a ser nominado a mejor actor en los Oscars (algo rarísimo para una producción no estadounidense). La película también estuvo nominada en las categorías de mejor dirección artística, mejor maquillaje, mejor película extranjera y mejor vestuario. Sólo se llevó el oscar a la última de esas categorías y no es de extrañar si tenemos en cuenta que se confeccionaron más de 2000 trajes de época.

Una anécdota curiosa es que el productor parece ser que esperó hasta que los derechos de propiedad intelectual expirasen para así no tener que gastar ni un céntimo en ellos. Eso permitió que el presupuesto se gastara sobretodo en decorados, vestuarios y localizaciones. Y por el resultado es evidente que se aprovechó correctamente.

Como el argumento creo que es bastante conocido voy a ir directamente al aspecto histórico. Ya he señalado antes que está ambientada en la Guerra de los Treinta Años. Durante esa guerra, Francia intentó evitar el enfrentamiento con España hasta estar suficientemente preparada. En el 1636 el famoso cardenal Richelieu consideró que ese momento había llegado. Inicialmente pareció que se habían precipitado pues los franceses fueron derrotados al ser tomada la fortaleza de Corbies. Sin embargo, los franceses aprendieron rápido y en 1639 contraatacaron sobre las posesiones en Flandes tomando la fortaleza de Hesdin. El siguiente paso fue el sitio de Arras en 1640.

La estrategia francesa consistió en confundir a los españoles haciéndoles creer que atacarían la fortaleza de Aire. Los españoles picaron y debilitaron la guarnición de Arras quedando reducida a unos 3.000 que inmediatamente fueron sitiados por 23.000 infantes y 9.000 jinetes. Comenzando el 13 de junio, se construyeron líneas de circunvalación y contravalación e incluso fortines. Al mando de la guarnición estaba el coronel irlandés Owen Roe O'neill. Los españoles trataron de cortar las líneas de suministros a los franceses para así sitiar a los sitiadores, pero no fue posible. Ese episodio es representado en la película por el carromato conducido por el panadero y Roxanne, aunque en realidad se trato de un convoy de varios miles de carretas y escoltado por unos 2.000 soldados. El 8 de agosto O´neill lanzó un desesperado ataque para romper las líneas francesas y destruir las minas que amenazaban las murallas, pero fracasó. Fue durante esta lucha cuando Cyrano fue herido en el cuello. Al día siguiente la fortaleza se rindió.

En la película vemos precisamente dicho episodio como el ataque de un Tercio Español sobre las posiciones defendidas por los cadetes. En mi opinión es la representación más cuidada que se ha hecho en pantalla de como debía de ser el ataque de un Tercio. No me refiero a la exactitud histórica, sino al aspecto estético. No sólo se ha cuidado el aspecto de los uniformes y armas de ambos bandos (se realizaron 1000 réplicas de armas), sino también el de las formaciones de piqueros y de mosqueteros. Además, mientras que los franceses están hambrientos y sucios, los españoles aparecen con sus uniformes limpios y perfectos lo que incrementa el dramatismo pues parece que los cadetes franceses son atacados por una fuerza de élite. Otra cosa a destacar es que el director Jean Paul Rappenau tuvo la maestría de realizar la escena en una zona boscosa y confinada, por lo que el número de extras parece mayor de lo que realmente es. Y finalmente, cuando acaba la escena con la secuencia de las posiciones francesas en llamas da la sensación de que estos han perdido, aunque en realidad fue una victoria francesa.

En definitiva, una de las mejores películas sobre dicha época.

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Cromwell

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Mientras en el continente europeo se estaban tirando los trastos a la cabeza en la Guerra de los Treinta Años, las islas británicas parecían disfrutar de algo parecido a la paz. En 1603 Isabel I muere sin descendencia y la corona inglesa pasa a Jacobo VI, rey de Escocia. Se produce por vez primera la unificación de todos los reinos de las Islas Británicas. Cuando muere en 1625, el país es prospero y no parece haber problemas en el horizonte. Sin embargo, la torpeza de Carlos I al querer involucrar a su reino en la guerra antes indicada consiguió que diecisiete años después todo estuviera patas arriba y el país envuelto en una serie de Guerras Civiles.

En el año 1642 dio comienzo la Primera Guerra Civil Inglesa. Cuando terminó en 1646, el rey había sido tomado prisionero. En 1648 estallaría la Segunda Guerra Civil Inglesa y un año después el resultado era que Inglaterra había dejado de ser una monarquía y se había convertido en una república. En 1649, estalló la Tercera Guerra Civil Inglesa y a su finalización en 1651, una gran parte de la población católica de Irlanda había sido masacrada, pero un hombre estaba en su camino de llegar por fin al poder absoluto: Oliver Cromwell.

"Cromwell" fue estrenada en 1970. Está protagonizada por Richard Harris, mientras que su antagonista, el rey Carlos I, es interpretado por Alec Guiness. Las actuaciones de ambos son bastante buenas y creíbles en sus papeles. Harris borda a un colérico Cromwell y Guiness a un flemático Carlos. En líneas generales la película es bastante interesante, pero si uno conoce algo de dicha guerra civil notará enseguida que la producción se toma muchas licencias históricas, cuando no descaradas invenciones.

La película se centra en la Primera Guerra Civil Inglesa, e inicialmente nos muestra el origen de la misma cuando el Rey decide saltarse a la torera el mandato del Parlamento y recaudar más impuestos. Los parlamentaristas temen que eso pueda indicar que el Rey se está convirtiendo en un monarca absoluto y de que pueda volver a abrazar el catolicismo por influencia de la reina. Así que la guerra estalla.

El primer enfrentamiento que sale es la batalla de Edgehill. En esta batalla se ve como algunos de los líderes parlamentarios quieren llegar a un acuerdo antes de comenzar a pelear (algo parecido a lo que se ve en "Braveheart"). En el lado realista, los mandos están confiados, y destaca entre ellos el Príncipe Rupert (Timothy Dalton) con su perrito . Pero evidentemente Cromwell no está por la labor de dialogar y arenga a sus tropas para la lucha. Lo malo es que la batalla acaba en derrota aplastante para los parlamentarios. Históricamente fue un empate pues si los parlamentarios hubieran sido derrotados la Guerra Civil habría terminado allí mismo.

Después de eso, los parlamentarios se retiran a lamerse sus heridas. Cromwell se da cuenta de que la solución consiste en que los parlamentarios tengan su propio y disciplinado ejército. Así que forma lo que se conocerá como el New Model Army. Aquí la película desbarra con respecto a la historia. El New Model Army lo crearon Cromwell y sir Thomas Fairfax. De hecho, éste último fue el comandante en jefe del ejército parlamentario, y no Cromwell como se ve en la película. Y otra error de la cinta es que los soldados realistas van de rojo, cuando historicamente era el New Model Army el que iba de rojo y sus oponentes de azul. El color rojo fue elegido porque era el más barato en el tinte y porque tenía la ventaja de disimular la sangre. Es el origen de la típica casaca roja del ejército inglés que será usado en campaña hasta el siglo XIX.

En la película no se explica muy bien el porqué, pero a pesar del éxito inicial de Edgehill la guerra comienza a ir mal para los realistas. Eso se resume en una escena en la que vemos a un agitado y descompuesto Principe Rupert explicar al rey Carlos que han sido derrotados en Marston Moor. Fue una de las mayores meteduras de pata cometidas por un general en un campo de batalla. Y fue el punto de inflexión en dicha guerra. Sólo era cuestión de tiempo el que fueran derrotados.

La última carta que jugó Carlos se perdió en la batalla de Naseby. Fue una jugada desesperada y como tal falló. En esta batalla vemos a un colérico Cromwell liderando a los parlamentaristas contra los realistas. Como he indicado antes, el general en jefe era Fairfax y Cromwell sólo era un comandante de caballería. Además, en Naseby el ejército realista era la mitad de grande que el ejército parlamentario. Todo lo contrario que vemos en la pantalla. Aun así, impresiona bastante las formaciones de piqueros y las cargas de caballería. Una curiosidad. Las escenas de batalla están rodadas en Navarra y los soldados que hacen de extras son en su mayor parte soldados españoles.

Después de Naseby aun queda una hora de película. Esta discurre mostrándonos la estancia de Carlos I como prisionero del parlamento, de sus intrigas para levantar un nuevo ejército (la Segunda Guerra Civil Inglesa) y finalmente como momento culminante, su juicio donde se produce el enfrentamiento crucial entre los dos hombres y se discute si un soberano tiene derecho divino o no sobre sus súbditos. Carlos es declarado culpable de traición y condenado a ser decapitado. Tras un excelente secuencia que nos muestra la ejecución pública de Carlos, Cromwell decide retirarse (en realidad se fue a combatir a Irlanda) pero la situación política aún está lejos de estabilizarse por la ineficacia de los parlamentarios. Cromwell es urgido por sus partidarios a volver a Londres y con un discurso ante el Parlamento exalta los valores del pueblo al mismo tiempo que les echa en cara el que no han podido gobernar correctamente. Así que da un golpe de estado y disuelve el Parlamento. De esta forma vemos que Cromwell se ha convertido en aquello contra lo que luchó. La película termina con Cromwell sentado en el trono del Parlamento y luego un plano de su tumba en la que yace investido como Lord Protector mientras un narrador nos describe que gobernó como tal durante cinco años.

Quizás la mayor virtud que tiene esta obra también sea su principal defecto. Como he indicado Harris hace un buen papel como Cromwell, y lo malo es que la película se centra y glorifica tanto dicha figura histórica que parece que la Guerra Civil Inglesa la gana él solito. El grado de glorificación es tal que al personaje de Cromwell no sólo le quitan las verrugas, sino que le hacen un demócrata de toda la vida. Aunque es entendible si tenemos en cuenta que le tiene que dar la réplica a un absolutista Alec Guiness.

Personalmente creo que Ken hughes, el director, trato de emular los enfrentamientos dialécticos de otra película anterior que tuvo bastante éxito. Se trata de "Un hombre para la eternidad" en el que Tomas Moro (Paul Scofield) se enfrentaba a Enrique VIII (Robert Shaw). Por ello Hughes hace que Cromwell sea un líder parlamentario desde el principio, para así mostrar cuanto antes las discusiones con el rey. Evidentemente, al ser Cromwell el bueno de la película no vemos casi nada de su lado oscuro. Cromwell era un fanático religioso que incluso llevo a cabo una guerra de exterminio contra la población católica de Irlanda. Y los británicos no debieron de acabar muy convencidos de su forma de gobernar, porque el Reino Unido no ha vuelto a ser una república desde entonces.

En resumen, una interesante película que te anima a leer algo sobre ese período de la historia.

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El último valle (The Last Valley)

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"El último valle" es la antitesis de "La Kermesse heroica". Estrenada en 1970, esta película intenta reflejar todas las miserias y desgracias que sucedieron durante la Guerra de los Treinta Años, y lo hace a través de la historia de un pequeño pueblo escondido en un valle que aun no ha sido tocado por la contienda.


A ese pequeño y pacifico pueblo llega un grupo de salvajes mercenarios cuando el otoño está a punto de terminar. Cuando se disponen a arrasarlo, "El Capitán" al mando (Michael Caine) es convencido por otro recién llegado llamado Vogel (Omar Shariff), de que no lo haga. La peste esta diezmando los alrededores y si no lo destruyen será un magnifico refugio para pasar el invierno. Dicho pueblo queda completamente aislado por la nieve. Una parte de los mercenarios se opone, pero el Capitán los elimina sin ningún miramiento.


El Capitán impone una serie de condiciones al pueblo para mantener contenta a su tropa. No sólo necesitan alojamiento y comida. Una serie de mujeres elegidas por el pueblo deben de ser usadas como prostitutas por la tropa. Pero el pueblo ha de comprometerse que nunca se reprochará a dichas mujeres su situación. El Capitán a su vez establece una relación con la amante del alcalde, una bella mujer que es acusada constantemente de brujería por el fanático sacerdote del lugar.


En principio todo parece desarrollarse bien, sobretodo por los buenos haceres de Vogel. Poco a poco vamos conociendo a los personajes y entendemos porque han llegado a su terrible situación actual. Pero las tensiones van creciendo paulatinamente. No sólo están los problemas causados por el fanático sacerdote. También está el hecho de que algunos mercenarios quieren eliminar al Capitán para así tener ellos el mando. Cuando con el deshielo los pasos se hacen practicables, una parte de ellos se escapa para volver con tropas y así saquear el lugar.


El Capitán y Vogel organizan a los campesinos y consiguen rechazar a los incursores. El asalto al poblado esta eficazmente rodado, sobretodo la secuencia en que defienden un puente. Pero con el fin del deshielo llegan las noticias de que el Ejército Imperial está tomando posiciones y de que los protestantes deben de hacerles frente. El Capitán, a estas alturas ha visto tantas miserias que ha perdido cualquier atisbo de fe o creencia. Sin embargo toma partido por los protestantes y deja el pueblo. Vogel y unos pocos hombres que se han acostumbrado a la vida en paz permanecen. En ausencia del Capitán, al alcalde y el sacerdote no les cuesta mucho volver a tomar el control del poblado.

Hay unas breves, pero impactantes escenas del ataque a la ciudad de Rheinfelden. En dicha batalla sucedida en marzo de 1638, las fuerzas protestantes estaban obligadas a tomar el puente que hay en dicha ciudad para cruzar el Rin. En principio fueron detenidas por los imperiales, pero un contingente consiguió cruzar el río más abajo y luego volver y tomar por sorpresa a los imperiales. En ese combate, el Capitán resulta herido y su unidad aniquilada. Con los pocos hombres que le quedan intenta volver al poblado. Pero lo que antes era un paraíso ya no lo es. Al menos para él.


Sorprende que esta película estuviera dirigida por el escritor James Clavell, el autor de "Shogun" . Pero quizás por ello se explique que haya adaptado tan bien la novela de JB Pick y que aparezcan escenas tan crudas y a la vez tan reales como los niños soldado, las ejecuciones por fanatismos religiosos, la peste, etc. Otra cosa a destacar de la película es la banda sonora, sobretodo cuando la oímos mientras vemos unos originales y espeluznantes títulos de crédito que parecen sacados del famoso Triunfo de la Muerte de Brueghel.

Una joya del cine histórico injustamente olvidada.

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La Kermesse Heroica (La Kermesse Héroïque)

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Cambiando de Tercio, voy a dedicar los siguientes post al cine histórico ambientado en los siglos XVI y XVII, es decir lo que se conoce como el Renacimiento y el Barroco (me parece confuso denominar a dicho período como Edad Moderna como hacen los manuales).


"La Kermesse heroica" es una pequeña obra maestra realizada en 1935. Está ambientada en una pequeña villa del Flandes de inicios del XVII, cuando dichos territorios y España estaban unidos bajo la misma corona. En el 1568 una parte de dichos territorios se sublevó por diversos motivos religiosos, políticos y económicos. Así comenzó una larga y sangrienta guerra conocida como Guerra de Flandes o Guerra de los Ochenta Años (1568-1648), aunque la parte final de esta contienda se extendió por toda Europa Central y es más conocida por Guerra de los Treinta Años (1618-1648). Al finalizar dicha guerra, las provincias rebeldes consiguieron su independencia y se formó lo que hoy conocemos como Holanda. Otras provincias siguieron siendo fieles a la corona, y lo siguieron siendo hasta el siglo XVIII. Actualmente conocemos dicha parte como Bélgica.

En la cinta, la pequeña villa holandesa de Boom se está preparando para sus festejos anuales o Kermesse. Al poco vemos a un grupo de notables del pueblo posando en actitud heroica para un cuadro. La pose recuerda algo a "La Ronda Nocturna" de Rembrandt. Mientras en las calles vemos como se intenta instruir, con bastante poco éxito, a un grupo de hombres en el difícil manejo del arcabuz. Pero todos alardean de que combatirán con valor y ferozmente en caso de que pasen por allí los españoles.

Y sus deseos se hacen realidad. Un Tercio Español va a pasar por su villa y se alojará durante unos días. Se suceden unas terribles secuencias en las que los lugareños se imaginan a los españoles arrasando la villa, ahorcando al alcalde, masacrando a los hombres, violando a las mujeres y ensartando niños en las picas. Así que para evitar problemas, el alcalde decide fingir que se ha muerto, y siguiendo su ejemplo, toda la población masculina o hace lo mismo o decide esconderse y dejar a la población femenina sola e inerme ante los soldados españoles. Confían en que estos, al ver al pueblo en luto por la muerte de su alcalde, se conformen con violar a las mujeres y no arrasen la villa. Sólo Julien Breughel, el pintor enamorado de la hija del alcalde, decide no esconderse.

Las mujeres en lugar de achantarse lo que hacen es continuar con los preparativos de la Kermesse. Así que reciben a los españoles y su sorpresa es mayúscula cuando descubren que lejos de ser unos bárbaros sanguinarios, en realidad son bastante atentos y disciplinados. La escena de la entrada de las tropas españolas desfilando y formando en la plaza de la villa es bastante buena. Evidentemente se entabla una serie de relaciones entre las "viudas" y los españoles. El pintor aprovecha además para conseguir la mano de la hija del alcalde, con la bendición del general español y de su "viuda". Tras unos días de fiesta, los españoles deben de continuar y a su marcha los hombres de la villa vuelven a reaparecer y a volver a la vida anterior. Pero a sus mujeres siempre les quedará un buen recuerdo.

Sorprende realmente que una película francesa haga un retrato tan bondadoso de los españoles. Quizás sea debido a que Feyder, su director, era belga. Incluso el fraile que acompaña a las tropas sale bien parado, a pesar de tener aspecto de inquisidor. Destacaría la escena en la cual los oficiales españoles junto con el fraile, llegan al lugar donde está el lienzo del pintor al que me he referido al inicio. En lugar de destruirlo, lo que hacen es discutir de estilos pictóricos, incluido el fraile.

A nivel técnico la película destacó por ser la producción más cara del cine francés hasta ese momento. La villa flamenca de Bloom es un decorado, y se cuidó con bastante detalle el vestuario de los personajes, sobretodo el de las mujeres. Es lógico si tenemos en cuenta que ellas son las protagonistas de la cinta. Adicionalmente Feyder intentó reflejar el aspecto de la Holanda Barroca basándose en las descripciones pictóricas de la misma. Así, las secuencias dedicadas a la Kermesse recuerdan bastante a los cuadros de Brueghel (y es evidente que el nombre del pintor protagonista es un guiño a dicho artista).

Aparte del mensaje de igualdad para la mujer, también hay una referencia a la homosexualidad. En una divertida escena en la que los soldados españoles se están corriendo la juerga con las holandesas, uno de los oficiales se retira a una habitación a hacer punto y encaje. Y allí descubre al dueño escondido. Pero éste también resulta que tiene la misma pasión con lo que comienzan a discutir sobre que tipo de agujas usar y como sienta mejor las medias en las piernas.

Pero lo que más sorprende de esta película son las vicisitudes que tuvo que soportar. En España por ejemplo, aunque estrenada en enero de 1936, fue posteriormente prohibida durante la dictadura. En Alemania inicialmente fue un éxito y hasta fue bien vista por los nazis, pero luego dicho regimen la prohibió también. Y a pesar de que ganó numerosos premios, entre ellos el Grand Prix du Cinema, en Francia llegó a prohibirse su exhibición por un tiempo. Por un lado por el mensaje de igualdad de sexos que proclamaba, por otro por sus burlas a la autoridad y a los "héroes", y por otro porque se decía que fomentaba el colaboracionismo con un invasor. Paradójicamente, en eso la película resultó algo profética reflejando el comportamiento de parte de los franceses durante la ocupación alemana.

Una excelente sátira que demuestra que es mejor hacer el amor y no la guerra.

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• Llegada de los Tercios a Boom

Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)

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"Cartas desde Iwo Jima" es la otra cara de la batalla de Iwo Jima del díptico cinematográfico realizado por Clint Eastwood. Creo que es mejor que "Banderas de nuestros padres", pero también creo que no es una obra maestra. Aunque me ha demostrado que Clint Eastwood es un gran y astuto director de cine.

Explicaré la paradoja, pero para ello debo hacer primero una sinopsis de la película.

Un contingente de soldados desmoralizados se fortifica en una isla maloliente y perdida en medio del Pacífico. Aunque es un trozo de su patria, no entienden porque hay que defenderla con tanto ahínco. Un nuevo comandante en jefe llega a la isla con ideas innovadoras y opuestas a las del resto de los altos mandos. Éste consigue transmitir a sus soldados la idea de que esa pequeña isla es un bastión que debe de ser defendido hasta el último hombre pues es la última barrera que impedirá que los niños y mujeres de su nación no sufran la invasión del poderosísimo y mucho mejor armado ejército enemigo. Los hombres luchan con valentía contra un enemigo despiadado que no dudará en matar a sangre fría a aquellos que se rindan. Pero sus esfuerzos son inútiles frente a tan poderoso enemigo. Aunque la isla finalmente caerá en manos enemigas, lo hará a un alto precio. Tras liderar una última y desesperada carga, el valiente y noble general será enterrado por un fiel soldado en un lugar de la isla no conquistado y su tumba nunca será encontrada.

Con este TÍPICO guión de película bélica, "Cartas desde Iwo Jima" consiguió ser un gran éxito de público y crítica. Por eso opino que Clint Eastwood vuelve a demostrar que es un viejo zorro y un gran director. Ha tomado en sus manos una historia estilo "Wake Island", cambiando a los marines yanquis por soldados japoneses. Ha metido alguna que otra secuencia políticamente correcta y antibelicista. Y en lugar de una americanada nos ha servido una "japonesada".

El planteamiento de mostrar la guerra desde el otro lado y humanizar al enemigo no es nuevo. Ya lo hizo Sam Peckinpah con los alemanes en su famosa película bélica "La Cruz de Hierro" de 1977. Y tampoco es la primera vez que se nos muestra el lado nipón en una cinta pues tenemos precedentes en "Infierno en el Pacífico" o en "Playa Roja". Pero esta película cuenta con una ventaja que no tienen las anteriores. Generalmente el público tiene cierta simpatía por los perdedores, y si estos además lucharon contra los norteamericanos, la simpatía se convierte en empatía.

En su anterior película, Clint nos muestra a un poderosísimo gobierno y ejército norteamericano que no tiene piedad de los hombres que lo componen y los utiliza sin ningún miramiento mientras le sean útiles. Los manda a luchar por un pedazo de tierra inhóspita y maloliente en medio del Pacífico. Al final de la película comprenderemos que su importancia radica en que servirá como base de apoyo para los B-29 que bombardean Japón. Sin embargo la película fallaba por su abuso de flash-backs que creaban una gran confusión, y por el plantel de actores.

En "Cartas desde Iwo Jima" Clint no se arriesga nada. Es lo opuesto a la anterior película. En mi opinión, la película está diseñada para ser un éxito, tanto para el público norteamericano como para el japonés. Emulando a la exitosa "Pasión" de Mel Gibson, la historia está rodada en idioma japonés y con subtítulos. Además, la historia es bastante lineal y sólo hay tres flash-backs para explicar los sentimientos de los tres protagonistas principales: el desencantado soldado Saigo, el ex-Kempeitai Shimizu y el honorable y valiente general Kuribayashi. Gracias a esos personajes vamos a ver la batalla desde el punto de vista del soldado de a pie y desde el punto de vista del alto mando.

Como las grandes películas de guerra, "Cartas" también tiene un marcado tono antibelicista. También se ve aquí la locura y las hipocresías de la guerra, pero en mucho menor grado que en "Banderas". La única "atrocidad" japonesa que se nos muestra es cuando un americano se rinde en medio de un combate y es cosido a bayonetazos por los soldados japoneses. No importa, posteriormente veremos que esos soldados japoneses son seres humanos que capturan a un americano herido y que se emocionan cuando uno de sus mandos les lee en voz alta la carta de su madre (una escena bastante patética). Para igualar más a ambos contendientes, al poco vemos la "atrocidad" yanqui en una escena en que dos marines matan a sangre fría a dos prisioneros a los que debían custodiar. Teniendo en cuenta el comportamiento japonés para con los prisioneros de guerra (sólo hay que leer el comentario de Grognard en el anterior post), creo que la "igualdad" que establece Clint es bastante tramposa.

En cuanto a lo que ocurre en la sociedad civil japonesa, lo que nos muestra Clint es que los políticos japoneses hasta mentían a sus altos mandos. También que el pueblo japonés vivía amedrentado por los Kempeitai, cuya función principal parece ser que era la de ejecutar perros ladradores (violencia contra los animales ¡que desalmados!). Y finalmente la acción de las brigadas de vecinas envidiosas que iban de casa en casa alistando gente. Por lo demás parece que Japón no había roto un plato en lo que llevaba de Segunda Guerra Mundial y que no era la potencia imperialista y genocida, que incluso provocó que en algunos lados se echase de menos a los colonialistas europeos.

Otro truco que utiliza Clint es que el trío de protagonistas caiga bien al público, sobre todo al público norteamericano. Así que Kuribayashi no sólo es un noble y valiente oficial, además ha visitado Norteamérica (como el otro noble y valiente oficial, el barón Nishi) y le gustaba un montón. Saigo es un panadero con mujer e hijo. Shimuzu es una persona incapaz de matar a un perro amigo de unos niños. Y para rematar, ni Saigo, ni Shimizu, ni por supuesto Kuribayashi, matan a un sólo norteamericano en toda la película.

Vayamos ahora a otros aspectos destacables sobretodo desde el punto de vista histórico. A pesar de que no hay muchas escenas de combate y de que casi toda la película se desarrolla en un ambiente claustrofóbico, la película parece mucho más viva que "Banderas". Algunas de esas escenas son el nexo de unión entre ambas películas. Por ejemplo la secuencia del desembarco inicial ahora mostrada desde el lado japonés. Otra es la secuencia del "cumplimiento del deber" a base de granadas, en mi opinión la mejor de la película, cuyos resultados también se ven en "Banderas".

Iwo Jima significa Isla del Azufre. Y realmente era una mina de azufre, por lo que ya estaba llena de túneles y galerías mucho antes de que la fortificaran los japoneses. Simplemente aprovecharon las minas para su sistema de fortificaciones. La isla no estaba tan desguarnecida como se nos da a entender a la llegada de Kuribayashi. Pero claro, entonces no entenderíamos el ánimo que pone para elaborar sus planes de defensa y así comprender la estrategia de Kuribayashi de intentar derrotar a los americanos una vez hubieron desembarcado en la isla causándoles el mayor número posible de bajas. Otra cosa que destacaría es como se nos muestra las luchas internas entre los altos mandos japoneses. Cada uno tiene su propia estrategia defensiva y no duda en intentar zancadillear a su superior. Al final la estrategia elegida es producto de una especie de negociación entre todos.

Pero hay algo que creo que la película no consigue responder correctamente. El retrato del ejército japonés que se hace en la película es el de un ejército formado por soldados mal entrenados y equipados, desencantados e incluso asustados, con mandos ineptos y fanatizados. A este ejército, Kuribayashi les exige el máximo sacrificio y que "maten a 10 americanos antes de morir" (frase histórica). En la película no se entiende como dicho ejército desencantado de 20.000 hombres aguanta durante 34 días combatiendo hasta que sólo quedan 200 prisioneros. Y estos se rendían cuando ya no podían luchar más.

Mediante la ficción, Clint consigue en "Cartas" que nos olvidemos del estereotipo del sanguinario y fanático soldado japonés y que nos identifiquemos con unos seres humanos mostrándonos sus miedos, flaquezas y por supuesto sus esperanzas ante una situación desesperada. Y lo increíble es que lo consigue contándonos una típica película de guerra.

La crítica de Von Kleist

La crítica de Yuste

Banderas de nuestros padres (Flags of Our Fathers)

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La batalla de Iwo Jima ha sido llevada nuevamente al cine por uno de los más conocidos de los grandes directores: Clint Eastwood. Y no ha tenido bastante con una película. Ha realizado dos, una desde el lado norteamericano y otra desde el lado japonés.

En "Banderas de nuestros padres" Clint se nos apunta a la moda de criticar el patrioterismo yanqui para aumentar su cuenta corriente (crítica que no hace al patrioterismo nipón en "Cartas desde Iwo Jima"). Y lo hace usando precisamente al icono principal de los norteamericanos durante la Segunda Guerra Mundial: El izado de la bandera norteamericana sobre el Monte Suribachi. Así que realiza una especie de versión oscura de "Arenas Sangrientas" pero sin olvidar que la idea principal es recurrente en el cine bélico: A la hora de la verdad, sólo luchas por tus compañeros. Muchos de los aspectos reflejados en esta película o en "Cartas desde Iwo Jima" ya han sido tratados en películas clásicas del género bélico como "El sexto héroe", "Casco de acero", "Los mejores años de nuestra vida", "La colina de los diablos de acero" e incluso algunas más modernas como "El regreso" o "Black Hawk derribado".

El libro en el que se basa la película nos cuenta de manera más detallada la vida de los seis hombres involucrados en el famoso izado de la bandera, comenzando con su entrenamiento y siguiendo con sus bautismos de fuego, la batalla de Iwo Jima y la vida posterior de los tres famosos supervivientes tras alcanzar la fama. Evidentemente, toda esa larga historia debe de ser reducida para poder plasmarla en una película, y Clint decide quedarse fundamentalmente con dos cosas: la dureza de los combates y el regreso a casa de los supervivientes. Quizás con otro director, este batiburrillo de ideas habría quedado reflejado como un gran pastel y seguramente se le criticaría su falta de originalidad por los temas tratados. Afortunadamente Clint es un perro viejo y en líneas generales consigue una buena película, pero no una obra maestra. Principalmente porque abusa de los flashbacks y hace que la historia sea bastante confusa y difícil de seguir.

Empecemos con lo que no me gustó de la película. Además del abuso de "flashbacks", como ya indiqué en el post precedente creo que la historia de Ira Hayes creo que está mejor reflejada en la película "El sexto héroe". En esta película me ha parecido que Clint ha querido elevar a Ira Hayes a una especie de altar del santo-héroe-caído-en-desgracia y sinceramente me ha costado tragarme la historia de porqué el "pobrecito indio" cae en la bebida. Para colmo, el actor que interpreta a Hayes puede que tenga un gran parecido con el personaje histórico pero sus dotes interpretativas son muy limitadas.

Hay bastantes errores de principiante sobretodo si uno se vanagloria de realizar una reconstrucción fiel de lo que fue la batalla de Iwo Jima y su posterior aprovechamiento propagandístico. Dos ejemplos. Cuando visitan al presidente Truman, "Doc" (el enfermero John Bradley) no lleva muletas y sin embargo en las fotografías que salen durante los títulos de créditos aparece la fotografía de dicho suceso. "Doc" lleva las muletas debido a que estaba herido como se ve en la película. Por cierto, en "El sexto héroe" sale con muletas. Otro error es en la escena final cuando los protagonistas se toman un baño en el mar. Los marines que llevaban luchando sin descanso durante cinco días en Iwo Jima estaban sucios y con barba. Entonces: ¿¿¿¿de donde ha sacado Clint Eastwood que los calcetines de los marines eran blancos???? Primero, que eran caquis, y segundo, ¿no se supone que llevaban luchando sin parar varios días seguidos?, ¡pues los calcetines están impolutos!

Se supone que el film trata de denunciar la hipocresía del gobierno, las multinacionales y otros famosos "poderes fácticos" al aprovecharse de la sangre de los caídos. Así que los guionistas se dejan llevar por dicho entusiasmo y desarrollan un diaólogo en el cual no tienen empacho en afirmar que los pozos de petróleo estadounidenses están secos y que los “amigos árabes” sólo aceptan dinero contante y sonante. Lo malo es que durante toda la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos fue autosuficiente, la mayor parte de los pozos petrolíferos árabes aún no se habían descubierto y por supuesto, no se importaba petróleo desde allí. Todo lo contrario, era Estados Unidos el que lo exportaba. Adicionalmente, todavía no eran los “amigos árabes” eso es un burdo anacronismo. Pero como he comentado al principio, el antipatrioterismo vende (y el antiamericanismo no digamos).

Para terminar, un error de doblaje en español que no es culpa de Clint. Nada más empezar sale una escena en que la madre del soldado Harlon Block reconoce a su hijo en la fotografía: (¡le he cambiado tantos pañales que reconozco su trasero!). En la radio de fondo se escucha que los Estados Unidos acaban de lanzar la Bomba Atómica sobre Japón. Es un error de doblaje, en la versión inglesa no hablan de eso.

Y ahora lo que me gustó:

La escena del sirope de fresa sobre el postre es realmente impactante. Una forma magistral de mostrar como se trivializan las muertes de aquellos que mueren combatiendo. Representa perfecta y brevemente todo aquello que se critica en la película.

Hay que reconocer que saben usar los ordenadores y los efectos digitales para crear escenas parecidas a las históricas. La escena del convoy con los barcos en formación de "caja" es bastante buena. Lo mismo las escenas del desembarco y el despliegue marino para bombardear Iwo Jima. Todo digital, pero bien hecho y usado cuando corresponde. Bueno, siendo sinceros no tan bien hecho, los acorazados clase Iowa no se dispusieron tan cerca de la isla y ninguno de ellos fue alcanzado por la artillería japonesa, pero eso sí, en la pantalla queda bastante espectacular.

También hay muchos guiños históricos como la aparición de marines negros realizando labores de apoyo o la escena de las unidades caninas de dobermans. Estas unidades eran usadas para detectar japoneses emboscados y tuvieron bastante éxito. Además, la escena del hombre que cae por la borda y no es rescatado también es auténtica

No se si es un guiño o una copia a otra famosa película bélica anterior. Cuando "Doc" entra en la cabaña a ver lo que ha quedado de su amigo Iggy y lo ilumina, me recordó a una escena de la película "Objetivo Birmania". Es aquella en la que Errol Flynn descubre el cuerpo torturado de su segundo al mando. No vemos lo que han hecho los japoneses, y eso permite que nuestra imaginación rellene ese hueco con lo más espantoso que imaginemos. De hecho, los crímenes de guerra japoneses realizados con los prisioneros aliados se muestran de una forma metafórica a través de la famosa fotografía en la que el soldado japonés Yasuno Chikao se dispone a cortar la cabeza del sargento australiano Leonard Siffleet.

Resumiendo. Aunque es una notable película, también es una decepción. Pero aun así, es recomendable para los amantes de la historia de la 2GM.

La crítica de Von Kleist.

La crítica de Robgordon.

La crítica de Yuste

El sexto héroe (The Outsider)

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En 1961 llegó a las pantallas "El sexto héroe". Estados Unidos se encontraba en un período de entreguerras. Acababa de salir de la Guerra de Corea y la participación en Guerra del Vietnam estaba en sus balbuceos. La película se basaba en la biografía novelada de Ira Hayes publicada en 1959. Era la otra cara de "Arenas sangrientas".

Ira Hayes era un indio Pima, que se alistó en los marines durante la Segunda Guerra Mundial. Fue entrenado como paracaidista-marine (esas tropas salen en la película "Primera Victoria" aunque nunca combatieron durante la IIGM). Su bautismo de fuego fue durante la campaña de Bouganvilla. Su siguiente combate fue en la Batalla de Iwo Jima. Allí alcanzó la fama junto con Rene Gagnon, John Bradley, Harlon Block (confundido con el sargento Hank Hansen), Franklin Sousley y Mike Strank, al levantar por segunda vez la bandera norteamericana sobre el monte Suribachi y ser inmortalizados en la famosa fotografía de Roshental. De la noche a la mañana, los hombres que levantaron esa bandera se convirtieron en unos héroes por lo que rápidamente fueron repatriados. Sin embargo, para cuando llegó la orden sólo tres de los seis aun vivían: Gagnon, Bradley y él. El trío se dedicó a una gira por todos los USA para recaudar fondos para la guerra, con un notable éxito.

Sin embargo, Ira Hayes no podía soportar la idea de que los verdaderos héroes eran aquellos que habían caído o que seguían luchando contra Japón. Se dio a la bebida y comenzó a tener problemas con la ley. En 1955, tras una partida de cartas en la que bebió y discutió, murió de congelación en el camino a su casa en la Reserva India del Río Gila.

En "El sexto héroe" Ira Hayes es interpretado por Tony Curtis. Teniendo en cuenta que Curtis tenía unos 35 años cuando interpretó dicho papel, y Hayes combatió con 21 y murió con 32, en mi opinión creo que realiza una de sus mejores actuaciones, y quizás ayudo el hecho de que Curtis combatió en la 2GM como tripulante del submarino USS Proteus (estuvo presente en la rendición en la bahía de Tokio). No era la primera vez que Ira Hayes era llevado a la pantalla. En 1960 fue interpretado por Lee Marvin en un serial televisivo titulado "The american".

“El sexto héroe” en principio parece la típica producción bélica. Comienza con el alistamiento de Hayes y su vida en el campo de entrenamiento de marines donde conocerá a sus otros camaradas y comenzará su amistad con Sorenson (Tony Franciosa). Sorenson no existió y simplemente representará a los camaradas que cayeron. Una vez acabado dicho entrenamiento se embarcarán para el combate. En la cinta no encontraremos espectaculares escenas de combate como en su predecesora. Todas ellas son bastante simples y se reducen a unos planos sobre lo que se supone que es la cima del Suribachi y el izado de la bandera. Posteriormente hay otras escenas más en las que vemos morir a los compañeros de Ira Hayes, entre ellos a Sorenson, y que servirán para introducirnos en la psicología de éste y entender porque comienza a romperse.

El resto de la cinta nos mostrará como mientras la fama de los tres supervivientes va creciendo, la personalidad de Hayes se va destruyendo hasta acabar como un alcohólico y un juguete roto cuando los héroes ya no son necesarios. Hay momentos bastante dramáticos como cuando estando bebido se encuentra de frente a la madre de su amigo Sorenson, o cuando trabajando como barrendero se encuentra con un antiguo camarada. El título en inglés hace referencia a que la persona que era Hayes antes de la guerra ha desaparecido y ahora es un extraño el que ha vuelto. Y ese extraño siente que no tiene derecho a estar allí.

Entre las debilidades de la película, en lo que respecta a la trama argumental se encuentra el que la historia se centra demasiado en el héroe caído y no se dice nada de los otros dos supervivientes; Gagnon y Bradley. Y en cuanto a la realización, el principal problema es que el reparto es bastante flojo. Quizás si hubiera habido alguna estrella más, el film habría sido algo más conocido.

En la película el final de Ira Hayes está suavizado un poco. No se ve la partida de cartas, sino que Hayes vuelve a beber tras sentirse defraudado por el resultado de unas elecciones locales. Sin embargo la secuencia final es realmente impactante. Vemos la mano congelada de Tony Curtis y entonces sobreimpresionado en la imagen vemos que esa mano tiene la misma postura que la mano esculpida en el monumento de los marines que recrea la famosa foto.

Una pequeña joya injustamente olvidada. Personalmente creo que la historia de Ira Hayes está mucho mejor contada en esta película que en la moderna versión de Clint Eastwood "Banderas de nuestros padres".

Arenas sangrientas (Sands of Iwo Jima)

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La película "Arenas Sangrientas" es el mejor ejemplo de lo que eran las películas de propaganda realizadas tras la Segunda Guerra Mundial. La película fue un encargo del propio Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Al parecer el nivel de reclutamiento había bajado alarmantemente y se habló de disolverlo. Así que sus propagandistas se pusieron manos a la obra, se buscó a un buen director, la estrella más famosa del momento y se describió la batalla más famosa en la que habían participado los marines. Estrenada en 1949, fue un completo éxito de público. Las oficinas de reclutamiento de los marines se llenaron.

El guión es completamente simple y está hecho a la medida de la estrella principal: John Wayne. Nos van a contar las vicisitudes de un pelotón de marines en pleno frente del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. Wayne interpreta al sargento Stryker (en español "golpeador", que otro nombre podría ser) veterano de Guadalcanal, bastante antipático y alcoholizado que no duda en machacar a sus hombres en los entrenamientos. Todo tiene una explicación, Wayne es así porque su mujer le abandonó llevándose a su hijo. Por ello se entrega en cuerpo y alma al entrenamiento de sus muchachos, lo que ocurre es que ellos no entienden aun que su duro entrenamiento les salvará la vida.

Cuando entran en combate por primera vez comprenden la máxima de "lo que no pierdes en sudor, lo perderás en sangre". Se trata de la conquista de Tarawa, un pequeño atolón en el cual los japoneses fortificaron la isla Betio. Esta isla de unos 3 kilómetros de largo tenía un aeródromo, una guarnición de 2.600 japoneses acompañados de 1.000 trabajadores japoneses y 1.200 trabajadores coreanos. Se necesitaron a 35.000 combatientes yanquis y cuatro días de duros combates para conseguir tomarla. Los japoneses lucharon prácticamente hasta el último hombre (sólo se tomaron 17 prisioneros japoneses y un centenar de coreanos). En la película intercalan tramos documentales de la toma de Tarawa con las escenas rodadas. Como la película es en blanco y negro, la intercalación es bastante buena. Sin embargo aun estamos lejos del realismo de Peckinpah, y de películas como "Playa Roja" o "Salvar al Soldado Ryan". Los muertos son "estilo años 40", es decir, se ponen la mano en el pecho, crispan ligeramente el rostro y caen de forma suave y elegante.

Después de dicha batalla y tras su merecido descanso en Honolulu, los marines se preparan para la siguiente batalla. Se trata de la conquista de Iwo Jima. Y entre la negra arena de la isla descubrirán que Tarawa fue un simple paseo. Nuevamente se intercalan imágenes documentales con las escenas filmadas, y nuevamente lo hacen de forma bastante eficaz. Incluso hay un cameo para los tres supervivientes del famoso segundo izado de la bandera norteamericana sobre el Suribachi. En la película representan que este famoso izado fue el primero y que Wayne da la famosa bandera al grupo de hombres donde se encuentran Gagnon, Hayes y Bradley. Una curiosidad, la bandera izada en la película es la misma bandera que se izó sobre el Suribachi. El cuerpo de marines la cedió para la película. Sin embargo en los títulos de crédito iniciales se avisa que la primera bandera fue izada por el fallecido sargento Ernest I. Thomas. Mientras los marines suben a la cima, Wayne se toma un descanso con sus muchachos y es entonces cuando es abatido por un francotirador (por cierto, es la única escena en la que se ve una herida sangrante en toda la película). Estos encuentran entre sus pertenencias una carta dirigida a su hijo y descubren que en el fondo, Wayne era un padrazo. La muerte de su líder les enerva y les anima a seguir avanzando mientras el himno de los marines suena de fondo.

La cinta consagró a John Wayne como el prototipo del militar norteamericano de la IIGM. Algo paradójico si tenemos en cuenta que John Wayne nunca sirvió en el ejército, al contrario que otras estrellas como Clark Gable o James Stewart. Aunque ya se le consideraba una estrella, esta película consiguió para él la primera nominación a los oscars. Personalmente creo que su mejor interpretación es la que hace en "El hombre tranquilo", pero aquí tampoco lo hace mal.

En la película, además del cameo de los tres supervivientes del izado de la bandera, también salen otros personajes históricos interpretando su propio papel. Por ejemplo el teniente Schrier fue el que lideró al destacamento que izaría la bandera. También salen el coronel D. Shoup y el teniente coronel H. Crowe que fueron condecorados por sus acciones en Tarawa. Shoup fue condecorado con la Medalla de Honor porque a pesar de haber sido herido en la pierna nada más desembarcar, se puso al mando de los hombres que habían desembarcado en Tarawa y durante los dos primeros días estuvo recorriendo las posiciones norteamericanas sin descanso, a pesar de que la herida en la pierna se le infectó.

Las escenas de la playa de Iwo Jima están rodadas en Camp Pendleton la base de Marines cercana a San Diego en las costas de California. Y evidentemente dispusieron de todos los marines y equipamiento necesario, por lo que la exactitud histórica de los equipos es bastante buena. Incluso sale un Sherman M4A3R3 con su doble cañón: uno es el cañón normal, el otro es un cañón lanzallamas. Y en cuanto a los japoneses, aparte de los escasos soldados que siempre están emboscados esperando al incauto americano para clavarle la bayoneta, también puede verse a un par de tanques Tipo 97. En líneas generales, las escenas de combate están muy logradas y en mi opinión no serían superadas hasta que se estrenó "El día más largo", trece años después. De hecho y teniendo en cuenta el tiempo pasado y la disponibilidad de medios y efectos especiales, creo que no tienen tanto que envidiar a las de la versión moderna dirigida por Clint Eastwood: "Banderas de nuestros padres".

Evidentemente, al ser una película de propaganda con un guión tan simple ha envejecido bastante mal. Sin embargo es una película que cualquier aficionado al cine bélico o histórico está obligado a ver.

la crítica de Von Kleist

Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind)

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No, no se ha confundido de blog. He creído conveniente dedicar el comentario número 100 a otra de las obras cumbres del cine y que en mi opinión es parte de la HISTORIA. Es un película que fue definida por Juan Tejero en su libro "Este rodaje es la guerra", como la película que pretendía ser la primera obra de una nueva era y que sin embargo marcó el fin de la época clásica de Hoollywood. Y además, es una película bélica.

"Lo que el viento se llevó" está basado en el best-seller del mismo nombre escrito por Margaret Mitchell. Fue el único libro que publicó y lo escribió mientras convalecía de un accidente. En el libro intentó recoger todas las historias que había oído a sus abuelos y parientes sobre el antes, el durante y el después de la Guerra Civil Americana en el estado de Georgia. Fue un éxito arrollador, sobretodo entre el público femenino, pero sin embargo las productoras no mostraron mucho interés en comprar los derechos pues un dicho de Hollywood afirmaba que no se podía hacer dinero con películas sobre la Guerra Civil Americana.

Pero el productor David O. Selznick pensó de manera distinta y se propuso llevar a cabo dicha tarea sin reparar en gastos. Varios adelantos técnicos se utilizaron en el rodaje. Unos cuantos ejemplos: se decidió usar el novedoso y caro Technicolor y para ello se utilizaron las siete cámaras existentes capaces de rodar con esa técnica; el famoso travelling sobre el mar de heridos requirió una grúa especial; nunca antes se filmó un incendio de tan grandes proporciones. Además para completar el reparto se necesitaron dos años, y tres directores (cuatro si contamos la contribución del propio Selznick) intervinieron en el rodaje. No debe olvidarse que hay cincuenta personajes importantes con diálogos. En cuanto al trasfondo histórico, se entrevistó a diversos ancianos para recoger sus recuerdos de niñez de dicha época, o se solicitó la ayuda de varias mujeres para que permitiesen copiar los diseños de los vestidos de sus abuelas que guardaban en viejos arcones. Incluso se llegó a transportar tierra roja desde Atlanta hasta el set de rodaje en California para dar autenticidad a la hacienda de Tara.

La película no sólo fue un éxito. Fue un acontecimiento social de primera magnitud. Cada vez que se reestrenaba las salas volvían a llenarse y la gente volvía a entusiasmarse. Un crítico llegó a decir que era necesario ver dos veces la cinta para ver realmente la película. Hasta el año 1976 no se cedieron los derechos a la televisión y cuando se emitió consiguió la más alta audiencia (47,5%) hasta el momento. Irónicamente, fue superada al año siguiente por la emisión de Raíces.

En cuanto al aspecto histórico. "Lo que el viento se llevó" hace un retrato del "Viejo Sur" tal y como se veía éste a mediados de los años 30. Está llena de estereotipos: los caballeros y damas refinados del Sur; los esclavos fuertes y torpes pero de gran corazón que cuando son libres realmente echan de menos los viejos tiempos de la esclavitud; los yanquis, maleducados y avariciosos que sólo piensan en su beneficio... A mi personalmente me transmite una sensación parecida a la que tengo cuando veo el cuadro de "La rendición de Breda". Sabes que contemplas una obra maestra, independientemente de que te guste el autor o ese estilo de pintura. Sabes también que está mostrando un acontecimiento histórico de una forma magistral pero totalmente idealizada. Sabes que no fue real, y sin embargo sientes que te gustaría que hubiera sido así.

Como creo que todo aficionado al cine la habrá visto por lo menos una vez este melodrama que nos relata las vicisitudes de una niña bien de Atlanta, su caída durante la guerra, su supervivencia en la posguerra y su ascenso y recuperación final. Sólo voy a comentar algunas de las escenas con trasfondo histórico.

La espectacular escena del incendio de los arsenales de Atlanta fue la primera que se rodó. Para ello se utilizaron los antiguos decorados de la película "King Kong" y se diseñó un nuevo tipo de efecto especial. En el reparto principal sólo se había asegurado el contrato de Clark Gable pero esa misma noche Selznick conoció personalmente a Vivien Leigh, que le fue presentada con la siguiente frase: "Aquí tienes a tu Scarlett O'Hara".

Otra escena impactante es la del largo travelling de Scartlett entre los heridos, que acaba con un plano de la bandera confederada completamente desgarrada. Parece ser que dicha escena fue dirigida por el propio Selznick y se tuvo que contratar y luego modificar una grúa para la construcción de grandes obras de ingeniería.

En toda la película no hay ninguna escena de batallas y luchas. Se rodaron algunas, pero se decidió que era mejor eliminarlas en el montaje final. La película debía de gustar principalmente al público femenino y estaba comprobado que las batallas aburrían a las mujeres. La película tenía sin embargo suficientes escenas de acción para que resultara atractiva para los hombres. La Guerra Civil es sólo un trasfondo. Por ello la película se convierte en un retrato de lo que debía de ser la vida en la retaguardia Confederada.

En el comienzo se nos muestra la alegría que tienen todos porque van a la guerra. Luego vemos como los ánimos van cambiando según avanza la guerra y las cosas no van tan bien como se esperaba. El punto de inflexión que significó la Batalla de Gettysburg se nos muestra con una escena en la que se publica en la ciudad la lista de bajas. Luego vemos como la guerra poco a poco se va acercando. Primero es el incendio de los arsenales de Atlanta, luego viene la famosa Marcha del General Sherman que arrasará gran parte de la Confederación. Finalmente la derrota de la Confederación tras la rendición del general Lee el 9 de abril de 1865. Pero en esto último hay un error. Lee era responsable del Ejército Confederado del Norte de Virginia. El estado de Georgia no dependía de Lee sino del General Johnston. Y este no se rindió hasta el 26 de abril de 1865. Aunque evidentemente era el ejército de Lee el que importaba.

A pesar del retrato tan idílico que hace de la situación esclavista en la que incluso los negros van a ayudar a levantar las fortificaciones de Atlanta, paradójicamente la película significó un hito en la lucha por la igualdad de derechos. Hattie McDaniel ganó el oscar por su interpretación de Mammy. Era la primera vez que una persona de raza negra ganaba dicha estatuilla. Desgraciadamente, no pudo asistir a la premiere en Atlanta, porque al ser un estado que reconocía la segregación, se le comunicó que debería sentarse en la zona reservada para la gente de color. Esta claro que aun quedaba mucho camino para la igualdad.

Para terminar, un ejemplo más de como cambian los tiempos. En la película hay una escena que a la sociedad actual le parecería totalmente censurable. Es la escena en la que un Butler bebido coge a Scartlett y se la lleva a la habitación para forzarla sexualmente (en el libro ella consiente finalmente). Y sin embargo, el mayor problema con la censura que tuvo Selznick fue con la famosa frase de Butler: "Frankly, my dear, I don't give a damn" (Francamente querida, me importa un bledo) que no aparece así en la novela original . Selznick añadió el "Frankly" además de reconstruir la escena totalmente. Lo curioso es que tuvo que lidiar con la censura por la palabra "damn" pues en esa época no se podían decir palabras malsonantes. Actualmente se considera que dicha frase es la primera de las 100 citas más memorables del cine.

Bueno, como diría Scartlett: Mañana será otro día.

Blog dedicado a la película: Viento Escarlata

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