Paisà

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"Paisà" es la segunda película de la trilogía neorrealista de Rossellini. Se trata de una película atípica en el cine bélico pues está compuesta de diversos historias sobre las relaciones entre los seres humanos envueltos en una guerra con el nexo común de que están ambientadas en la Italia de la Segunda Guerra Mundial. Entre episodio y episodio, Rossellini aprovecha para situarnos en el contexto histórico utilizando material de noticiarios y documentales.

Lo más destacable de esta cinta es que los seis capítulos componen un buen cuadro de casi toda la campaña italiana, desde 1943 hasta el invierno de 1944. Pero, al igual que en "Roma, ciudad abierta", Rossellini prefiere mostrar los terribles acontecimientos que se dieron en dicha campaña a través de historias centradas en diversos individuos anónimos que participaron en las mismas. Asimismo, vuelve a usar las devastadas ciudades como escenarios de la acción y a utilizar un reparto completo de actores no profesionales. En muchos casos, dichos actores representaban los mismos papeles que habían interpretado en la vida real, es decir, eran civiles italianos, soldados americanos o soldados alemanes.

La primera historia está ambientada en el desembarco en Sicilia ocurrido en julio de 1943. Una patrulla americana llega a un pueblo y solicita que la ayuda de los paisanos para descubrir las posiciones alemanas. Una chica les ayudará y establecerá una amistad con uno de los soldados. A pesar de la diferencia de idioma entre ellos surgirá un atisbo de romance.

La segunda historia transcurre en el Nápoles ocupado tras la operación Avalancha. Un pequeño truhán ayuda a un soldado negro totalmente borracho y evita que sea desvalijado (una historia parecida también está recogida en la novela "La piel" de Curzio Malaparte), pero por su ayuda decide "tomar prestadas" las botas del soldado. El soldado negro es un policía militar y al día siguiente se encontrará con el pilluelo. Al tratar de recuperar su calzado descubrirá las condiciones de miseria en las que vivían los civiles napolitanos. Personalmente este es el episodio que más me gusta.

La tercera historia nos muestra la ciudad de Roma seis meses después de su liberación. Las calles están llenas de prostitutas y soldados aliados borrachos. Al escapar de una redada una de estas se junta con un soldado ebrio y se lo lleva a su habitación. Allí descubrirá que ambos se conocieron el 4 de junio de 1944, cuando Roma fue liberada y las cosas eran muy distintas.

La cuarta historia nos lleva a las luchas entre partisanos ocurridas en la ciudad de Florencia. Una enfermera americana tratará de encontrar a su amante, un líder partisano, en medio de dicho combate. Ante el avance aliado los partisanos se levantaron y los combates se iniciaron el 5 de agosto. El 11 de agosto de 1944, los alemanes evacuaron Florencia tras declararla "ciudad abierta". Destruyeron todos los puentes sobre el Arno pero respetaron el Ponte Vecchio por orden del propio Hitler. En el episodio se hace referencia a la línea telefónica dispuesta por los partisanos entre las riberas del Arno y que permitió mantener las comunicaciones. Tras la retirada alemana, algunos francotiradores fascistas intentaron una resistencia desesperada.

La quinta nos traslada a un monasterio franciscano en medio de los Apeninos. Este monasterio no ha sufrido ningún daño pues afortunadamente no dominaba ningún punto estratégico y los contendientes no se lo han disputado. A dicho monasterio llegarán tres capellanes castrenses norteamericanos: un sacerdote católico, un pastor protestante y un rabino judío. Una curiosidad de este episodio es que los frailes eran frailes franciscanos auténticos.

Finalmente, la sexta historia se desarrolla en el invierno de 1944 en las marismas del Po cercanas a Venecia. Miembros de la OSS entrenan a guerrillas partisanas para combatir a los alemanes e intentar rescatar a pilotos aliados derribados. Se nos muestran las terribles represalias de los alemanes contra los partisanos y contra los civiles que les apoyaban. Hay una escena que resaltar hacia el final cuando un fanático oficial alemán todavía está convencido de la victoria final y suelta el discurso del "Reich de los mil años", aunque para eso haya que destruirlo todo. Justo antes de proceder a la ejecución de los partisanos.

En el aspecto histórico la película tiene sus fallos aunque menores. Por ejemplo, el soldado negro de la tercera historia no podía ser un policía militar. Si no estoy equivocado la única unidad de infantería de combate con soldados negros era la División 92 (los famosos Buffalo Soldiers), y esta no llegó a Italia hasta el 30 de julio de 1944. Esta división si tenía su propio destacamento de policía militar. El resto de soldados negros que había en Italia eran utilizados en servicios como suministros o construcciones, pero no en labores de policía militar.

Pero creo que tiene más aciertos que fallos. El episodio de Florencia está basado en la muerte de Aligi Balducci, el jefe de la agrupación partisana "Arno" y se critica la pasividad aliada en ayudar a los partisanos que combatían en la ciudad. Así vemos a dos oficiales británicos que parecen estar tomando el té y disfrutando de las vistas de la ciudad. No está muy claro porque los británicos esperaron hasta el 13 de agosto para entrar en Florencia, cruzar el Arno y atacar a los alemanes en retirada. Pero hay que recordar que los británicos eran en extremo cautelosos. En ese episodio hay que destacar la escena de la ejecución de los francotiradores fascistas por su crudeza.

Personalmente creo que es una buena película. Quizás si hubiera tenido a grandes actores en el reparto habría sido más famosa. Siendo sinceros, las interpretaciones dejan bastante que desear, y eso daña el aspecto dramático de las historias. Asimismo, algunas de dichas historias no terminan de tener un argumento redondo, parecen inacabadas. Un poco más de pulido en el guión habría estado muy bien. Pero yo la destacaría porque Rossellini consigue transmitir ese "realismo" mucho mejor que en otras de sus producciones más famosas.

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The Battle of San Pietro

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Tras el ataque de Pearl Harbour, la sociedad norteamericana al completo se involucró en el esfuerzo bélico. Una de las contribuciones más significativas fue la de Hollywood. Algunos siguieron haciendo películas pero no participaron en los combates como Errol Flynn o John Wayne. Otros dejaron de hacer películas y combatieron como James Stewart o Clark Gable. Y otros consiguieron hacer ambas cosas, como los directores John Ford y John Huston.

En 1942, Huston no era más que un director prometedor famoso por su primera película. "El halcón maltés". Tras estallar la guerra, se alistó en el Signal Corps, se le concedió el grado de Major y se le puso al frente de un equipo de hombres para realizar películas de propaganda. Consiguió realizar una trilogía. Al Ejército Norteamericano el primero les gustó, el segundo les disgustó y el tercero se censuró.

"The battle of San Pietro" es el segundo documental de dicha trilogía y en mi opinión es uno de los mejores documentales realizados sobre la Segunda Guerra Mundial. Lleva el mismo nombre de la batalla sucedida en el frente italiano durante la segunda semana de diciembre de 1943. En agosto de 1944 se proyectó la primera versión con una duración de 90 minutos en un pase privado para altos mandos del ejército. John Huston era el narrador de la acción. Quedaron tan horrorizados que se prohibió su estreno porque se temía su efecto desmoralizador sobre las tropas y la opinión pública. El ejército acusó a Hustón de haber realizado una película antibélica. Huston respondió que cualquiera que hubiera hecho una película pro-bélica merecería ser fusilado. Sin embargo Huston recibió ayuda de quien menos esperaba. El propio George C. Marshall vió la película y decidió que la misma debía de mostrarse a los soldados como parte de su entrenamiento debido a su realismo y crudeza. Fue estrenada en mayo de 1945, sin embargo se acortó la cinta hasta los 32 minutos y se incluyó un prologo del general Clark.

Lo cierto es que a pesar de los esfuerzos del ejército, la película es más un documental sobre el horror de la guerra que una película de propaganda para animar al esfuerzo bélico. Me pregunto que es lo que contendrían los 60 minutos perdidos, pero Huston supo condensar el mensaje principal en los 32 minutos que le dejaron. En cuanto al prologo del general Clark, paradójicamente fue contraproducente. Hay que tener en cuenta que cuando esta película iba a ser estrenada, la opinión pública norteamericana comenzaba a tener claro que Clark era un incompetente debido a las chapuzas de Monte Cassino, Anzio y Roma. El tono autojustificativo y la forma de disimular que está leyendo un discurso hace que se transmita al espectador una sensación de desasosiego en lugar de seguridad y confianza en las fuerzas armadas.

Huston intentó "personalizar" la acción centrándose en las vicisitudes de un puñado de soldados del 143 regimiento de infantería. Para ello realizó varias entrevistas antes, durante y después de la batalla y así captar sus impresiones. Parece ser que también realizó entrevistas a los civiles italianos para mostrar el efecto de los combates en las personas inocentes. Sin embargo dicha idea fue abandonada durante el montaje de la versión definitiva y de ella tan sólo quedan los primeros planos de los soldados y de los civiles.

Históricamente, la batalla de San Pietro está englobada en lo que se llamó el asalto a la "Línea de Invierno", un precedente de lo que iban a encontrarse los aliados en Monte Cassino. Una de las curiosidades de este enfrentamiento es que participaron tropas italianas bajo el mando aliado en el fallido asalto al Monte Lungo. Se trataba del 1º Grupo Motorizado y al parecer fueron completamente diezmados.

Huston tuvo el acierto de insertar imágenes con los mapas y explicar al espectador la dificultad que suponía atacar la localidad de San Pietro mientras los alemanes dispusieran de las alturas que dominaban el pueblo. Pero la explicación está hecha como si el espectador fuera un soldado que va a participar en el asalto. Así nos introduce a la paciente labor de preparación al ataque con el envío de patrullas, el reconocimiento aéreo y la toma de prisioneros. De esa forma se descubre parte del sistema defensivo alemán como es la disposición de morteros, trincheras, campos minados y ametralladoras.

Pero después de explicarnos detalladamente el plan de ataque como si fuera a tener éxito, Huston pasa a mostrarnos las imágenes del mismo y nos da una demostración práctica del refrán que dice que del dicho al hecho... En la pantalla vemos caer a los infantes norteamericanos bajo el intenso fuego artillero. Aunque hay quien ha puesto en duda el que las imágenes sean reales, lo cierto es que estas son bastante similares a otras cuya autenticidad está comprobada. Hay temblequeo de la cámara por las explosiones, y los muertos no caen en plano, sino fuera de él. Y por supuesto son lo bastante impactantes como para que alguien que las vea considere que la guerra es de todo menos heroica y bonita. Ahora hemos visto imágenes mucho más crudas en la televisión, pero en 1944 eso no era así. Así que no es de extrañar que se intentara censurar a este documental. Un botón como muestra: No se dice que el ataque inicial fue un desastre. Tan sólo se dice que se ganaron 600 yardas mientras la cámara nos muestra como meten los cadáveres de los soldados americanos en sacos de tela.

Es cierto que algunas de las secuencias están realizadas posteriormente (y así se indica al final), pero aun así el documental mantiene en todo momento un tono bastante dramático y nada propagandístico. Vemos como los norteamericanos después de su fracaso inicial comienzan a montar un ataque a mayor escala utilizando tanques y apoyo artillero. Pero aún así los alemanes consiguen aguantar en sus posiciones e incluso lanzar contraataques. Se muestra también el fallido asalto de tanques al pueblo de San Pietro. Vemos imágenes de los vehículos destruidos mientras el narrador nos dice que de los 16 tanques enviados tan sólo 4 volvieron a las líneas norteamericanas. Y lo más impactante, se nos muestra el terrible coste que supuso la batalla con una panorámica a un cementerio con los enterradores en primer plano cumpliendo su desagradable función.

Y es aquí donde Huston da un golpe maestro. Uno ve la batalla, los muertos, la destrucción y se pregunta ¿Todo esto para qué? Entonces se nos muestra unos planos de niños surgiendo de entre las ruinas con alegría en sus rostros mientras que oímos a Huston decir - ayer lloraban, hoy sonríen.

Esencial.

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Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta)

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Haciendo de la necesidad, virtud, Roberto Rossellini consiguió rodar "Roma, ciudad abierta" y dar nacimiento a un nuevo estilo cinematográfico conocido como Neorrealismo Italiano. En agosto de 1944, Rossellini, Fellini y el guionista Amidei comenzaron a trabajar en el guión. El rodaje se inició en enero de 1945, seis meses después de la ocupación de la ciudad por los aliados. Es decir, la producción se llevó a cabo en una Italia completamente devastada por la guerra, y con una carencia absoluta de dinero, materiales, decorados y actores. Es por ello por lo que se realizó una gran parte del rodaje en exteriores y con luz natural consiguiéndose el toque de documental y la fotografía de las grandes masas de civiles tan características del neorrealismo. Tan sólo se construyeron cuatro decorados para el rodaje de interiores. En la producción sólo hay dos actores profesionales, Aldo Fabrizi interpretando al cura Don Pietro y la temperamental Anna Magnani en el papel de Pina. El resto son aficionados que nunca se habían puesto delante de una cámara. Rossellini llegó a utilizar a prisioneros de guerra alemanes para el papel de soldados nazis.

La historia está basada en diversos acontecimientos que ocurrieron en la Roma ocupada por los alemanes antes de su evacuación. En concreto el asesinato de Teresa Gullace por los alemanes y el fusilamiento del sacerdote Giuseppe Morosini por colaborar con los partisanos. Con un evidente maniqueísmo, Rossellini nos muestra por un lado a los buenos: -la Resistencia Italiana y los civiles romanos -, y a los malos: -los alemanes y los colaboradores-.

La leyenda dice que la filmación comenzó antes de que los alemanes evacuaran Roma y que la resistencia italiana robaba la película para Rossellini. Como los rollos de película eran diferentes entre sí, esto explicaría el aspecto de que la película parezca estar hecha a trozos de diferente brillo y contraste. Pero eso es sólo una leyenda. El negativo original está compuesto por tres tipos de película y todos los exteriores están filmados con el mismo tipo. Los cambios de brillo y contraste tan sólo se debieron a que el revelado fue deficiente.

A pesar de que se la considera una de las obras míticas del séptimo arte, yo creo que esta película no está envejeciendo bien y está quedando más como una obra sobre como creía verse a si misma la Italia de 1945, que como era la Italia de 1943-44. Una de las cosas que menos me gustan es el retrato tan benevolente de los propios italianos como si no hubieran sido aliados de los alemanes y no hubieran nunca roto un plato. De hecho los colaboracionistas que salen parecen de otro país. Y si ya nos fijamos en el retrato de los alemanes ni te cuento. Para mi el peor error de la película es el estereotipo del nazi malo malísimo y además maricón. Prefiero ese término a afeminado porque creo que es el que intenta transmitir la película, el de que los alemanes además de ser unos sádicos eran unos degenerados. Desgraciadamente, los italianos mientras iban ganando no cuestionaron el fascismo. De hecho, Italia fue fascista antes que el nazismo llegara a Alemania. El propio Rossellini realizó entre 1941 y 1943 una trilogía de películas de propaganda bélica fascista: "La nave bianca", "Un pilota ritorna", "L'Uomo della croce". Un poco de autocrítica no habría venido mal.

Un punto interesante de esta cinta es que es una de las primeras en que nos muestra el efecto de la guerra sobre los niños como una metáfora de lo males causados. En este caso es el hijo de Pina quien representará ese dolor. Los niños también participan activamente en el conflicto como miembros de la resistencia. Rossellini volverá a utilizar a los niños en posteriores producciones dándoles un mayor protagonismo. No en vano, uno de los fotogramas más famosos de la película es la fila de niños con Roma al fondo.

Lo mejor de la película son las interpretaciones de Fabrizi y de la Magnani. Como ya han señalado los blogs de Steiner y Kleist, esta película contiene una de las secuencias más memorables, trágicas y poderosas del cine. Se trata de la muerte de Pina cuando corre desesperada tras los alemanes que se llevan a Francesco, su prometido. Con dicha secuencia y con el martirio de Don Pietro, "Roma, ciudad abierta" puede considerarse como un auténtico canto al amor y el valor humano frente a una opresión despiadada. Pero a pesar de su trágico final, de toda esa destrucción y horror, se nos muestra que todavía puede haber una esperanza.

Quizás la frase que mejor resume el espíritu de la película es la de Don Prieto: No es difícil morir bien. Es difícil vivir bien.

La crítica de Steiner

La crítica de Von Kleist

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Por quién doblan las campanas (For Whom the Bells Tolls)

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Sin duda alguna "Por quién doblan las campanas" es la película más famosa sobre la Guerra Civil Española. Fue el gran éxito de 1943 obteniendo 9 nominaciones a los oscars, superando incluso a "Casablanca" (8 nominaciones). En mi opinión es un auténtico pestiño.

La dictadura de Franco convirtió a esta película en un mito al prohibirla. En represalia, la productora Paramount no estrenó ninguna película suya hasta 1953, cuando Ike visitó España. La película también fue prohibida en Argentina. Hasta la muerte de Franco no fue estrenada en nuestro país. Dicho evento fue un 18 de julio de 1978 en el cine madrileño Bulevar, exactamente 42 años después del inicio de la GCE, siendo vista por 1 millón y medio de espectadores. En ese mismo año, "El cazador" alcanzó los 2 millones doscientos mil personas, lo que muestra que había una gran expectación por ver dicha película. Yo la ví siendo un adolescente por la televisión cuando la echaron en "sábado cine" y reconozco que me dormí en un par de ocasiones. El romance entre Ingrid Bergman y Gary Cooper es uno de los más empalagosos que he visto. En cuanto al resto de la película hubo tres cosas que me llamaron la atención. Ingrid Bergman como prototipo de mujer española, los "guerrilleros" y la "Guardia Civil Montada con ametralladoras". Al cabo de los años la alquilé para comprobar si mi primera impresión de adolescente era errónea. Comprobé que no. La película siguió pareciéndome un folletín aburrido.

La famosa novela de Hemingway fue publicada en 1940 y enseguida vendió los derechos a la Paramount por 100.000 dólares. Rodada en 1942, cuando ya los Estados Unidos estaban metidos en la Segunda Guerra Mundial, la película se centró más en el melodrama que en el aspecto de propaganda de la lucha contra el fascismo. Inicialmente se pensó en Cecil B. de Mille como director, pero Hemingway lo vetó. Ernest impuso también a la pareja protagonista: Gary Cooper e Ingrid Bergman. Cooper va perfectamente para el papel de Robert, el idealista yanqui luchando por la democracia mundial contra el fascismo, pero la elección de la Bergman como María en el papel de "española de pura raza", da mucho que pensar sobre lo que realmente estuvo haciendo Hemingway como corresponsal de guerra en la GCE.

Y la verdad es que las dudas aumentan cuando uno lee la novela. En el sentido literario a mi me pareció entretenidilla aunque algo larga y enrevesada. En el sentido histórico... Se supone que estamos en junio de 1937 y Cooper debe de destruir un puente, vital para evitar la contraofensiva del bando Nacional durante la Batalla de la Granja en mayor de 1937. Como ha indicado el comentarista Bazán, Hemingway never was there, por lo que hizo una especie de potpurrí entre la Batalla de Guadalajara de marzo de 1937 y la Batalla de Brunete ocurrida en julio de 1937. El paso de Sonora, donde fue rodada la película, se parece bastante a las montañas de Navacerrada. Pero el clima, aunque en mayo todavía hay neveros, más bien no. El personaje de Robert Jordan parece estar inspirado en el guerrillero norteamericano de ascendencia judía Irving Goff. Éste fue el líder del famoso golpe de mano contra el fuerte de Carchuna liberando a unos 300 oficiales republicanos. Aunque también parece que hay otros candidatos como Robert Merriman, comandante de las Brigadas Internacionales.

En la obra escrita hay muchas referencias a la situación política y a distintos personajes históricos como la Pasionaria o Prieto. Sin embargo estos detalles fueron eliminados en el guión de la película lo que molestó bastante a Hemingway, pero no pudo cambiarlo. Quizás si se hubieran mantenido la película no habría parecido tan "Guerra Civil made in Hollywood". Otra de los aspectos que no gustó mucho fue el "folklore" de los personajes. La verdad es que contemplar a Ingrid Bergman rubia en medio de una banda de guerrilleros agitanados representando a los luchadores por la "democracia" frente al fascismo es algo que como poco puede calificarse de chocante.

De todas formas, la idea principal de esta obra es el efecto que causan las guerras en las vidas de los seres humanos: María ha visto morir a sus padres y posteriormente ha sido violada, el antes valiente Pablo (Akim Tamiroff) se ha convertido en un cobarde criminal de guerra. En determinado momento, su esposa Pilar (Katina Paxinou, gano el único oscar de la película) narra el suceso que cambió tan profundamente a Pablo. Se trata de la ejecución a sangre fría de varios simpatizantes fascistas de su pueblo cuando estos ya se habían rendido. Dicha ejecución está basada en hechos acaecidos en Ronda en 1936. Aunque años más tarde Hemingway declaró haberla inventado, todo parece indicar que se basó en ella: en Ronda, unos 500 simpatizantes del bando sublevado fueron despeñados por el cañón que la rodea desde una casa situada en su borde.

La película fue realizada en Technicolor pero Sam Wood cometió un error. En lugar de aprovechar el rodaje en exteriores o en diferentes localidades, decidió que una gran parte de las tres horas que dura la película transcurriese dentro de la oscura cueva donde se esconden los guerrilleros. Y para colmo la mayor parte de las escenas exteriores son con paisajes nevados o escenas nocturnas. Así que consiguió que una película en color pareciera hecha en blanco y negro. Lo único salvable son los veinte minutos finales, que de repente cobran un ritmo que ha brillado en el resto de la película. Un interesante ejercicio es comparar los rostros de los guerrilleros resignados a su destino con los rostros de los combatientes de películas como "Sin novedad en el Alcazar" o "Raza". Encontraremos más de una similitud gestual entre los mismos.

Personalmente creo que lo único que hay que agradecer a esta película es que gracias a ella el tema "As times goes by" permanece en la historia del cine. Tras finalizar "Casablanca", Ingrid Bergman se cortó el pelo para interpretar a María. Entonces la Warner Brothers pensó en sustituir la famosa canción por otra. Para ello rodando nuevamente las escenas poniendo una peluca a Ingrid. Pero el resultado fue desastroso y el proyecto se abandonó.

"Por quién doblan las campanas" ganó tan sólo un oscar a la mejor actriz secundaria. "Casablanca" ganó tres: Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión.

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Raza

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Una cosa realmente llamativa de las biografías de los distintos dictadores del siglo XX es que se sentían atraídos por el cine en mayor o menor grado. A Hitler por ejemplo le encantaban los melodramas, y tenía una copia privada de "Lo que el viento se llevó" conseguida durante la ocupación de Francia. Stalin se pirraba por los musicales. Mussolini impulsó el famoso Festival de Venecia. Pero probablemente Franco se lleva la palma. Llegó a ser guionista de cine.

"Raza" fue la primera gran superproducción cinematográfica producida por la Dictadura de y supone una síntesis del pensamiento nacional-catolicista de Franco sobre España y su historia reciente. El origen de la película es la novela homónima escrita entre 1940 y 1941. Franco escribió dicha obra bajo el pseudónimo de Jaime de Andrade pero enseguida se supo quien era el verdadero autor. Parece ser que la idea de hacer una película ya estaba en su origen pues la novela está estructurada en torno a los diálogos de los personajes. La película se realizó en 1941 y se estrenó el 5 de enero de 1942 en Madrid. Europa estaba casi completamente dominada por el III Reich, por lo que una película propagandística parecía una opción bastante apropiada para afianzar un régimen que tenía tan sólo poco más de dos años de existencia. Evidentemente la película contó con todo el apoyo material que el régimen pudo darle. Basta un ejemplo, la banda sonora era interpretada por «las orquestas Nacional, Sinfónica, Filarmónica coaligadas» .

Franco hizo que los protagonistas de "Raza" estuvieran emparentados con el marino español Cosme Damián Churruca, el héroe de Trafalgar. Precisamente vemos en la pantalla la épica muerte del marino. Y eso da pie a que se nos proponga un paralelismo con la situación de España en 1898. El padre de los protagonistas también morirá de forma similar combatiendo en el "Vizcaya" durante el desastre de Santiago. Es en estos momentos iniciales cuando se exponen claramente algunas de las ideas principales del régimen y de lo que debía de significar ser un militar. Ante todo el honor, nada de dinero y lujos, recuerdo de las glorias pasadas (hay muchas referencias a los almogávares) y sobre todo, sacrificio.

Durante la Dictadura de Primo de Rivera se nos perfila a los dos principales personajes antagónicos: José y Pedro, interpretados respectivamente por Alfredo Mayo y José Nieto. José es un digno hijo de la estirpe Churruca mientras que Pedro simbolizará a la corrupción política. Al estallar la Guerra Civil tendremos a ambos en lados distintos en una obvia metáfora de que en las guerras civiles luchan hermanos contra hermanos. Adicionalmente, el otro hermano y la hermana representan otros aspectos importantes de la ideología del franquismo temprano: Isabel en el papel de la mujer como madre y Jaime, el fraile que cuida a los niños desvalidos, a la iglesia.

En el aspecto histórico la película estará ambientada en tres frentes distintos: el aplastamiento de la sublevación en Madrid, la batalla por Bilbao y el retaguardia de Barcelona en 1938. Se aprovechan secuencias de documentales y noticiarios imitando a las producciones norteamericanas. La secuencia de este tipo más famosa quizás sea el desfile de los vencedores en Madrid que da fin a la película.

En el aspecto propagandístico la cinta es demasiado burda. Evidentemente se nos mostraran los diferentes aspectos de la represión republicana, sobre todo las ejecuciones de religiosos. Volvemos a encontrarnos con la típica caricatura de los milicianos como auténticos borrachines pendencieros que ya se nos mostraba en "Sin novedad en el Alcázar". Uno de ellos, el que sospecha de Pedro, parece basado en el personaje de El Campesino. Junto a él y como contrapunto vuelve a salir el general Rojo, y llama la atención porque no se le intenta ridiculizar, y podría decirse que es tratado con respeto. Según el estudio de Juan Miguel Campanario en la película se nos muestra una situación sucedida en el 22 de octubre de 1937, tras la caída del Frente Norte. En cuanto a los "buenos" no solo son estereotipos de abnegación y sacrificio, es que estos no paran de decir frases glorificantes y grandilocuentes típicas de una arenga mitinera: - Son ellos, los que sienten en el fondo de su espíritu la semilla superior de la raza, los elegidos para la gran empresa de devolver a España a su destino-. Supongo que debían de conmover al espectador pero lo que se consigue es deshumanizarlos y hacer que uno no pueda creérselos.

Tras la IIGM, la película fue archivada. En 1950 fue reestrenada bajo el título "Espíritu de una raza". El régimen justificó dicho cambio en base a una «resincronización técnica de diálogos y efectos» doblándose de nuevo toda la cinta. Ciertamente el sonido mejoró, pero se aprovechó para eliminar o modificar algunas secuencias actualizando la película a los tiempos de la Guerra Fría. Las copias no modificadas y el negativo original fueron destruidos. Hay un artículo en la revista digital Catoblepas que describe dichos cambios en profundidad, por lo que aquí tan sólo expondré un resumen. Fundamentalmente se suavizaron las referencias a los Estados Unidos y se eliminaron las referencias a la Falange incluyendo los planos con el saludo fascista. También se eliminaron las portadas de los periódicos que mostraban la evolución de los acontecimientos. Asimismo se puso más hincapié en resaltar la lucha frente al comunismo sugiriendo que España se alineaba con el resto de Occidente. No en vano, Ike visitó España en 1953, legitimando definitivamente al régimen franquista ante la comunidad internacional.

En 1964, Franco solicitó su ingreso en la SGAE por la obra "Raza" poniendo fin oficialmente al secreto a voces de la identidad del autor. Tras la muerte del dictador, en 1977 apareció un estudio de Roman Gubern sobre la película en la que se afirmaba que Franco superaba simbólicamente lo que consideraba como deficiencias y defectos propios y de su familia. Así el personaje del republicano de Pedro se basaba en Ramón Franco. En 1993, se localizó una copia de "Raza" en un cine ambulante. La copia estaba en muy mal estado pero permitió comprobar las diferencias entre las dos versiones. En 1995 apareció una copia integra en la Filmoteca de Berlin procedente de los archivos de la UFA que habían permanecido en la Alemania del Este. En el año 2002 se publicó un DVD con ambas versiones.

Interesante como curiosidad histórica y propagandística. Aburrida para el resto.

Comentarios de la película en Cine Político Hispano:

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Sin novedad en el Alcázar (L'Assedio dell'Alcazar)

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Quizás haya sorprendido a más de uno, pero la película que narra el asedio del Alcázar, - el evento propagandístico más importante del bando rebelde o nacional -, no es española, es italiana.

Si uno mira la lista de películas producidas por ambos bandos durante la Guerra Civil Española notará que la mayor parte de la producción cinematográfica fue llevada a cabo por el bando gubernamental. El bando vencedor tuvo que esperar a la finalización del conflicto para producir el grueso de las películas que mostrasen su versión de los hechos. "Sin novedad en el Alcázar" fue una de las primeras. Al no poder realizarse en la devastada España, los italianos vieron la oportunidad de reflejar uno de los hechos más famosos de la GCE y así usarlo también como arma propagandística de la ideología fascista (El propio Hitler dijo "¡Haremos de Stalingrado el Alcazar alemán!"). Por ello esta película es una coproducción italo-española, dirigida por un italiano, con guionistas italianos, con actores italianos, producida principalmente por ellos y realizada en los estudios de Cinecittá. La participación española se redujo a un puñado de actores españoles: María Denis, Rafael Calvo y Carlos Muñoz ; a dos consejeros militares y al rodaje de los exteriores del Alcázar y de la ciudad de Toledo.

La película de 2 horas de duración fue presentada en el Festival de Venecia de 1940 y gano la Copa Mussolini al mejor film italiano. Y parece que lo merecía porque la crítica la ensalzó. Un jovencísimo (y simpatizante fascista) Michelangelo Antonioni escribió: "es un film rugoso, un film de guerra que tiene sus raíces escrupulosamente hundidas en la historia y en la historia reciente". En octubre de 1940 fue estrenada en España con moderado éxito.

Tras la victoria aliada en la IIGM la película desapareció en los archivos. En Italia soplaban otros aires y evidentemente una película que llegó a ser denominada como el Acorazado Potemkin fascista no era precisamente algo que quisiera ver la gente. En España sucedió algo similar, a pesar de que gobernaban los vencedores. No era el mejor momento para enemistarse con los nuevos amos de Europa. Pasado el tiempo, la productora italiana reestrenó la película en 1960 con el nuevo título de "Alcázar" y eliminando 19 minutos del negativo. En España se reestrenó en 1966 conservando su anterior título pasando con más pena que gloria. Tan sólo fue vista por 260.000 espectadores (El gran éxito de ese año fue "La ciudad no es para mí" con más de 4 millones de espectadores). Las escenas eliminadas son varias, sobre todo desaparece cualquier referencia a la participación italiana en la GCE, pero destacaría la sustitución del prólogo por otro más "neutral", la parte en que se insulta y amenaza en Calvo Sotelo en el parlamento español, la arenga inicial del coronel Moscardó, los turistas que iban a ver el asedio y ¡todas las frases en las que se pronuncia el nombre de "Franco"!

En el aspecto cinematográfico es una típica película de propaganda, con canto del "Cara al sol" incluido (aunque dudo mucho que en el inicio de la GCE se cantase por la gente). Los diálogos son excesivamente grandilocuentes y patrioteros. Los buenos son muy buenos y los malos muy malos. Moscardó y sus oficiales mantienen la dignidad a pesar de las deplorables condiciones en las que se encuentran a causa del asedio. En comparación, los mandos gubernamentales o "rojos" aparecen como auténticos patanes a pesar de estar aseados a los que les encanta beber (siempre que salen hay botellas por medio). No digamos ya los milicianos, una autentica oda al mal gusto y la chabacanería que podrían hacer que el ejército de Pancho Villa pareciera uniformado de smoking. Sin embargo hay que reconocer que está bien hecha en cuanto a decorados y efectos especiales. Si tenemos en cuenta que es de 1940 las maquetas del Alcázar son bastante buenas. También se ve que los italianos aprendieron las lecciones de Einsestein y utilizaron a las masas, sobre todo a las mujeres y los niños, para expresar los diversos estados de ánimo que suceden durante el sitio. Eso se nota especialmente en la escena de la celebración de la misa en los sotanos. Incluso hay un fotograma con una madre dando el pecho. Pero además tiene el acierto de introducir elementos cómicos, como la pareja de cadetes, que aligeran un poco el dramatismo, al menos al inicio. La parte más floja es el romance metido con calzador al más puro estilo de Hollywood entre el estoico capitán Vela y Carmen, la típica niña rica y alocada que se redimirá gracias a su abnegación y sacrificio.

Como es de esperar, en el aspecto histórico sólo veremos la versión del bando ganador. Se omite por ejemplo el hecho de que Moscardó se llevase a unos 50 rehenes republicanos al interior del Alcázar y por supuesto no saldrá nada de la posterior represión llevada a cabo por los rebeldes tras la toma de Toledo. Evidentemente los sitiados son un compendio de buenas y cristianas virtudes mientras que los sitiadores encarnan a la traición y la degeneración. Además del famoso episodio del hijo de Moscardó, también se insinúa el destino de la mujer de uno de los guardias civiles sitiados. Pero si dejamos aparte ese maniqueísmo insolente común a todas las películas de propaganda, lo cierto es que "Sin novedad en El Alcázar" no está tan mal desde el punto de vista histórico. El armamento, nótense las ametralladoras Hotckiss, y los uniformes son auténticos así como muchas de las situaciones que se nos presentan. En la cinta veremos los momentos más importantes del asedio del Alcazar y porqué se convirtió en un mito de los nacionales. Entre esos momentos destacaría la famosa conversación entre Moscardó y su hijo, la entrevista con el comandante Rojo, y por supuesto la explosión de la mina.

Paradójicamente el mito lo originó y alimentó el propio gobierno republicano. Las historias de asedios tienen un componente bastante común. Generalmente se tiene simpatía por el asediado y ésta se incrementa según se alarga el asedio. Es lógico que los republicanos quisieran acabar cuanto antes con el sitio empleando todos los medios a su alcance, incluyendo la emisión de noticias falsas de la rendición por parte de Radio Madrid. La mayor pifia sin embargo fue el hecho de convocar a la prensa internacional para asistir a la voladura de la mina y el posterior asalto al Alcázar el día 18 de septiembre. Según Geoffrey Moss, parece ser que fue el propio Largo Caballero el que accionó el detonador de las minas. Su fracaso fue transmitido al mundo y elevó al cuadrado la simpatía hacia los sublevados. El 19 de septiembre la cámara de diputados de Brasil manifiesta su apoyo a los sitiados. No es de extrañar que el 21 de septiembre Franco tomase la decisión de desviar sus columnas hacia Toledo. La liberación de los asediados suponía una victoria propagandística de primer orden, mientras que el avance hacia Madrid no significaba necesariamente una victoria decisiva. Dos días después del fin del asedio, Franco es nombrado generalísimo.

Si ya dice el dicho que más vale pájaro en mano...

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Bloqueo (Blockade)

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Desde el comienzo de la Guerra Civil Española las simpatías del mundo de la cultura de los diferentes países democráticos se decantaron hacia el bando republicano. Hollywood no fue una excepción. Inmediatamente se pensó en realizar una película para apoyar la causa republicana. Pero tanto la postura oficial del gobierno estadounidense, como la de la sociedad norteamericana, eran hacia la neutralidad y el no intervencionismo en los conflictos europeos. No sólo eso, la deriva hacia la extrema izquierda de la República Española tampoco es que suscitara muchas simpatías. Así que muy pocas de las grandes productoras estaban interesadas en financiar una película a la que no le veían un posible beneficio económico y si futuros problemas.

El productor independiente Walter Wanger fue uno de los pocos que se arriesgaron a financiar una película sobre dicho conflicto. Para ello contó con el guionista John Howard Lawson, quien era considerado el comisario cultural del PCUSA. Inicialmente el director iba a ser Lewis Milestone (el director de "Sin novedad en el frente") pero al final se contrató a William Dieterle. En mi opinión, para el resultado mejor que cada uno se hubiera quedado en su casa. "Bloqueo" es un auténtico fiasco. Aunque quizás el fracaso le sirvió de experiencia, porque un año después produciría una de las grandes películas de todos los tiempos: "La diligencia".

"Bloqueo" es una película mala en todos los sentidos. Su principal defecto es que intenta ser "neutral" (hoy lo llamaríamos políticamente correcto). Es tan "neutral" que en lugar de una guerra civil lo que contemplamos es una invasión de una provincia de España por parte de "ellos". Y que nadie me pregunte quienes son "ellos" porque honéstamente no lo se. En ningún momento se habla de una sublevación militar, los uniformes son totalmente ambiguos para no identificar a los bandos o países involucrados, no se ve a un solo sacerdote pero la gente reza apasionadamente a la Virgen, y el fotograma que inicia y termina la película es una estatua de un águila que probablemente será un guiño a la american eagle, pero tiene un aire de aquila fascista que tira de espaldas. La película podría valer para propaganda tanto de un lado como del otro.

Sabemos que la acción se sitúa en la España de 1936 porque lo pone la película. Pero en el resto, cualquier parecido es pura coincidencia. Para empezar el pueblo se llama Castelmare, se supone que está cerca de Granada y es un ejemplo de paraíso agrícola-pesquero en la tierra. Henry Fonda es Marco, un agricultor que conoce a Norma (Madeleine Carroll), la típica niña rica mona cuyo padre tiene turbios negocios con los futuros invasores. Pero entonces viene la invasión de "ellos" y Marco se convierte en un líder de la resistencia frente al invasor. Sin embargo la provincia queda aislada y el bloqueo enemigo parece que va a provocar la caída en manos de los invasores. Castelmare es el único puerto por donde pueden entrar barcos con alimentos.

El guión de Howard Lawson es un plagio descarado de Las mocedades del Cid. En la asediada Castelmare, hay una quinta columna y el padre de Norma es en realidad un espía traidor al que Marco mata cuando lo descubre. Así que Norma jura venganza. Consigue contactar con el jefe de los espías, un francés llamado Andre Gallinet, y se compromete a trabajar para ellos pasando información sobre la ruta del próximo carguero que debe de arribar a Castelmare para que pueda ser atacado por un submarino. Pero tras entregar el mensaje se da cuenta del sufrimiento que está causando la carencia de alimentos entre las mujeres y los niños por lo que arrepentida se confiesa a Marco. Como uno puede imaginar los espías son descubiertos, el carguero llega, los buenos ganan y "ellos" pierden.

La cinta es famosa por haber sido estrenada en plena Guerra Civil Española y por el discurso final de Henry Fonda. En el más puro estilo propagandístico se enfoca a su rostro mientras declama: - Esto no es una guerra entre soldados. Es una matanza. ¿Por qué no la detiene este mundo? ¿Dónde está la conciencia de este mundo?

Hay una secuencia de la película en la que casi se me caen los ojos de las órbitas. Debido a un bombardeo sobre Castelmare, el edificio donde están Marco y Norma se derrumba y quedan atrapados por los escombros en un sótano. En un determinado momento oyen a los equipos de rescate así que para llamar su atención a Marco se le ocurre ¡lanzar una granada!

Creo que es tan mala que más que favorecer, perjudicó la causa republicana.

Espoir - Sierra de Teruel

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Personalmente creo que el cine bélico ambientado en la Guerra Civil Española es bastante mediocre en líneas generales, salvo excepciones. Hasta ahora en el blog sólo había dedicada una entrada a una película ambientada en dicha guerra. Se trata de "Posición avanzada" y tuvo el honor de ser el comentario Nº 50. Reconozco que me daba mucha pereza dedicar un ciclo a la Guerra Civil por dos motivos. Uno es el arriba indicado, la calidad media es mediocre (por no decir baja). El segundo es que no me gusta despertar troles. Pero también es cierto que es un parte de la historia que ha tenido una amplia recreación cinematográfica. Para bien o para mal, aquí comienzo un ciclo sobre películas ambientadas en la Guerra Civil Española.

Y voy a comenzar por "Sierra de Teruel". La razón: esta película es un mito. Pero es un mito en el sentido de la cuarta acepción del diccionario de la RAE: Persona o cosa a las que se atribuyen cualidades o excelencias que no tienen, o bien una realidad de la que carecen. Algo bastante similar a la visión que tienen muchas personas sobre la GCE.

La historia de la gestación y peripecias de la película es mucho más interesante que la película en si. De hecho, recuerda bastante a lo que le pasó al negativo de la película "La gran ilusión" aunque en este caso tiene un final distinto. Voy a intentar resumirlo. En agosto de 1936 André Malraux forma en Francia la "Escuadrilla España". Los primeros aviones que llegaron fueron 12 cazas Dewoitine y 6 bombarderos Potez 54. A lo largo de la actuación de la escuadrilla llegarían unos 50 aviones de distintos tipos y la compondrían unos 300 efectivos entre tripulaciones y personal de tierra.

Sobre el papel esta era una unidad de "voluntarios antifascistas" en la que Malraux tenía el grado de teniente coronel. Pero actuaba de forma independiente y solo respondía ante el general Hidalgo de Cisneros, jefe de Estado Mayor de las Fuerzas Aéreas del Ministerio de Marina y Aire. Otra diferencia fundamental es que era una unidad mercenaria en el sentido estricto del término. Las tripulaciones firmaban contratos en los cuales se les asignaban a algunos un sueldo de 50.000 francos por un mes, pagaderos en dinero español y un seguro de vida y accidente por 500.000 pesetas (equivaldría a unos 750.000 euros actuales).

Cisneros opinaba de la unidad de Malraux lo siguiente: Yo no puedo decir que Malraux en aquella época no fuese, a su manera, un hombre progresista, ni que no viniese a España de buena fe para ayudar a los republicanos, tal vez ilusionado con el pensamiento de hacer en nuestro país el papel de lord Byron en Grecia. Lo que sí puedo y debo decir es que Malraux, que por su personalidad como escritor podía habernos sido útil, se anuló él mismo al pretender hacerse jefe de una escuadrilla, sin haber visto en su vida un avión, sin tener la menor idea de lo que es la aviación, y sin darse cuenta de que no se puede jugar a los aviadores sin serlo, y mucho menos en una guerra... Más que una ayuda, fueron para nosotros una carga. En varias ocasiones intenté licenciarlos, pero el gobierno se oponía, alegando la mala impresión que produciría en Francia cuando se supiese que habíamos tenido que echar de España, por inútiles y sinvergüenzas, a estos aviadores que una falsa propaganda había convertido en "heroicos defensores de la libertad". No es la única crítica que puede leerse sobre Malraux. Según Anthony Beevor era un mitómano que explotó cínicamente la oportunidad de crearse una fama de héroe legendario en España.

La Escuadrilla España tuvo su bautismo de fuego durante la Campaña de Extremadura y el avance rebelde sobre Madrid. En esa época la superioridad aérea republicana era aplastante pero fue completamente desaprovechada. Una de las acciones más famosas de la escuadrilla fue realizada el 1 de septiembre de 1936 cuando consiguieron atacar por sorpresa y destruir un aeródromo rebelde en la localidad de Olmedo. Ese episodio es la base de un capítulo de la novela L'Espoir y del guión cinematográfico de "Sierra de Teruel". En ese ataque fue esencial la participación de un campesino para localizar el lugar del aeródromo. El segundo hecho más famoso fue realizado el 27 de octubre, cuando tres Potez consiguieron bombardear el aeródromo de Talavera de la Reina.

Pero en líneas generales, la actuación de la escuadrilla dejó bastante de desear. Hubo varios casos de indisciplina y en noviembre de 1936 se rescindieron los contratos. Los pocos que se quedaron fueron integrados en la aviación republicana bajo el nombre de "Escuadrilla Antifascista Malraux". El resto se fue con los bolsillos llenos. En diciembre de 1937 la escuadrilla fue utilizada en la zona de Teruel, pero perdió varios de sus aviones. La escuadrilla fue disuelta en febrero de 1937 después de realizar veintitrés misiones en siete meses.

Malraux pasó entonces a realizar el papel que según Cisneros debería de haber realizado desde el principio. Sirvió a la propaganda a favor de la República Española. En 1938 publica L'Espoir relatando sus experiencias en España. En ella describe a la "Escuadrilla España" como si fuera parte de las Brigadas Internacionales y no una unidad mercenaria. La novela termina con la victoria republicana de Guadalajara.

La Subsecretaría de Propaganda del Gobierno Republicano español pensó que la novela podría ser la base de una película de propaganda que pudiese influir en la posición de las democracias occidentales. Inmediatamente dotó de fondos a Malraux para su producción. Max Aub colaboró como guionista. Como no podía adaptarse el libro entero se decidió rodar una fusión de dos episodios adaptándolos a la situación de la República en 1938: la acción se sitúa en plena Batalla de Teruel en lugar de en la campaña de Extremadura de 1936. El guión básico es el ataque por sorpresa de los Potez al aeródromo de los nacionales combinado con el bombardeo de un puente y la caída de uno de los aviones incursores en plena Sierra de Teruel. Al no ser la misma historia de la novela, Malraux decidió titular a la película "Sierra de Teruel".

Cinematográficamente hablando la película es bastante floja. Como es una película de propaganda realizada en 1938 se insiste mucho en las pésimas condiciones en las que se encontraban las fuerzas republicanas: falta de armas, las que tiene son obsoletas o inadecuadas, aviones sin motores ni armamento,... Pero lo que no faltan son ánimos para enfrentarse a las fuerzas de los nacionales. Aquí Malraux utiliza un recurso que volverá a utilizar Ken Loach en su "Tierra y Libertad" de 1995. Gran parte de los actores son gente del pueblo y realmente resulta gracioso escuchar "mesmamente" el acento mañico. Ahora, las dotes interpretativas brillan por su ausencia. La película también recoge la muerte de un personaje basado en el piloto alemán Hantz que parece que luchó en la escuadrilla de von Richthofen. Y es realmente llamativa la secuencia final del rescate de los pilotos por parte de la gente del pueblo. Clavadita a una procesión de Semana Santa en la que en lugar de pasos con Cristos yacentes tenemos a los pilotos republicanos heridos en camillas.

Los negativos eran revelados en los laboratorios Pathé de París y luego vueltos a Barcelona para ser montados. Pero el 26 de enero cae dicha ciudad y el equipo de producción huye a Francia con el material cinematográfico. Cuatro meses después del fin de la guerra, en julio de 1939, se termina de montar la película en Francia. Pero Malraux no consigue estrenarla. En ese momento se ha firmado el pacto Ribbentrop-Molotov y los fascistas ya no son enemigos de los comunistas. El gobierno francés vetó la distribución de la película. En mayo de 1940 los alemanes invaden Francia y cuando llegan a los archivos de los estudios Pathé localizan el negativo original y lo destruyen. Sin embargo una copia consigue salvarse porque es escondida en una caja de otra película. En 1945 la copia es redescubierta y será utilizada para realizar nuevas copias. Sin embargo su estado no es óptimo y para colmo el distribuidor francés manipuló la copia salvada, cambiando el título de "Sierra de Teruel" a "Espoir" y añadiendo unos rótulos intercalados, modificando los títulos de crédito y, lo más grave, cortó 100 metros de la escena final.

Pero resultó que no era la única copia. En Agosto de 1940 la sociedad norteamericana American Aid Center mandó una serie de agentes para ayudar a los refugiados cuyas vidas podían correr peligro por la ocupación nazi. Uno de estos agentes, Varian Fry, se encontró con Malraux. Éste le hizo saber que guardaba una copia de la película y planearon como sacarla del país a través del consulado norteamericano. Cuando todo estaba a punto, un burócrata exigió un certificado del gobierno francés de Vichy indicando que la película no era material inflamable. Afortunadamente el propio director de la Biblioteca del Congreso se involucró en el asunto. La película fue enviada a los USA donde llegó el 2 de junio de 1942. Sin embargo Malraux no supo que la entrega había tenido éxito y pensó que la copia se había perdido en el camino y nadie le hizo caso a la misma hasta 1984. Esta copia es la que se utilizó para hacer la contracopia que se conserva en la Filmoteca Española pues es la menos alterada con respecto al negativo original. De hecho conserva su título original: "Sierra de Teruel".

Es decir, un mercenario francés realiza la película sobre la Guerra Civil Española pagado por el gobierno español. La termina después de haber perdido la guerra. El gobierno francés la prohíbe, los alemanes la destruyen, los franceses la recuperan, le cambian el título y la comercializan mientras que los americanos también la salvan. Definitivamente Spain is different!

Invasión en Birmania (Merrill's Marauders)

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Probablemente "Invasión en Birmania" es la película más histórica dedicada a la campaña de Birmania. El título anglosajón de "Merrill's Marauders" hace referencia al nombre por el que era conocida la 5307th Composite Unit, una unidad norteamericana de penetración profunda en territorio enemigo diseñada a partir del modelo de las unidades Chindit británicas.

Su comienzo es bastante parecido al de "Objetivo: Birmania". Se nos muestra una serie de filmaciones en blanco y negro de la época al mismo tiempo que se nos explica la situación de la campaña birmana. Pero esta vez se insiste en el papel desempeñado por las fuerzas británicas para no cometer el mismo error de su antecesora. A quien no se nombra para nada es al ejército chino, aunque no es de extrañar. No hacía ni cuatro años que se había llegado al alto el fuego en Corea. Una cosa que me gustó es que a lo largo de la película se nos explica la misión de dicha unidad mostrándonos el avance de las columnas en territorio controlado por los japoneses.

El trasfondo histórico es bastante preciso porque el guión se basó principalmente en una obra que relataba la epopeya de la unidad durante lo que posteriormente se conoció como batalla de Myitkyina y contó entre sus asesores con veteranos de dicha unidad. Incluso uno de ellos intervino como actor, se trata del Teniente Coronel Samuel Wilson que interpreta a Bannister. Es el que dice que cuando acabe la guerra se casará, tendrá un montón de hijos, les contará sus experiencias durante la guerra y les pegará una paliza si no aprenden lo que fue la guerra en Birmania.

Cuando uno ve la película enseguida le viene a la cabeza otra producción anterior bastante similar. Se trata de "Más allá de las lágrimas". Y lo cierto es que no debe extrañarle. "Invasión en Birmania" era una película de muy bajo presupuesto así que no sólo utilizaron rodaje de noticiarios de la época, también utilizaron escenas de otras películas anteriores, entre ellas la anteriormente nombrada. Asimismo se rodó en Filipinas y para contar con el apoyo del gobierno la productora utilizó el rimbombante nombre de United States Pictures Production. Pensaron que era el propio gobierno estadounidense el que realizaba la película y con ello consiguieron una total colaboración del ejército filipino para interpretar el papel de japoneses. En cuanto a los soldados norteamericanos, nada mejor que utilizar al grupo de combate que estaba estacionado en Okinawa y que periódicamente realizaban maniobras en Filipinas. ¿Y los actores? la mayor parte de ellos eran actores de series de televisión ansiosos por dar el salto al celuloide y que trabajaron por sueldos mínimos. Quizás por ello lo hicieron lo mejor que pudieron y eso se nota.

Los únicos famosos eran el director Samuel Fuller y Jeff Chandler que interpretaba al general Frank Merrill. En esa época Fuller estaba peregrinando de estudio en estudio con su idea de realizar "Uno Rojo, División de Choque", pero no estaba considerado como un gran director por lo que sistemáticamente se le rechazaba y acababa realizando películas de bajo presupuesto. En un principio no quiso realizar esta producción pero la productora le prometió a Gary Cooper para el papel principal. Si la película se convertía en un éxito quizás podría recaudar suficiente dinero y fama para realizar su sueño. Desafortunadamente Gary Cooper tuvo que rechazar el papel por su mala salud y Fuller contrató a Chandler, un actor que parecía que iba para nuevo galán de Hollywood pero al que la crítica había destrozado por su anterior interpretación. En esta ocasión no lo hace mal, y hay que decir que cuando aparece cojeante y dolorido no interpretaba. Resulta que se lesionó la espalda durante el rodaje y se negó a que le evacuaran y le trataran. Al volver a los USA tuvieron que operarle porque tenía una hernia discal. Pero hubo complicaciones en el post-operatorio y murió. "Invasión en Birmania" fue su última película.

A mi esta película me gusta mucho como empieza, pero según va avanzando me parece que va volviéndose rutinaria hasta que acaba desinflándose. Lo más destacable es que refleja bastante bien lo que debió de significar para aquellos hombres el infierno de marchar por más de 1.000 kilómetros de jungla y realizar cinco enfrentamientos mayores con tropas japonesas. Personalmente me gusta la escena en la que van marchando entre la jungla y no saben si es de día o de noche debido a lo tupida que es la vegetación. Hay que tener en cuenta que la mayor parte de las bajas de dicha acción fueron debidas fundamentalmente a la fatiga y a las enfermedades tropicales, no a los combates. El propio general Merrill fue una de esas bajas. Sufrió un segundo ataque al corazón seguido de un acceso de malaria.

Lo peor que tiene la producción es que sus escenas de combate son bastante flojas y el tono final patriotero. Aunque eso parece que no es culpa del director, sino de la productora. Fuller quería terminar con un plano de la pista de Myitkyina cubierta de cadáveres y el médico diciéndole a Merryll que habían conseguido su objetivo pero a un alto precio. Evidentemente eso disgustó al Ejército Norteamericano y presionó a la productora y a la distribuidora (la Warner Bros) que cambiaron el final reemplazándolo por un desfile de la 101ª división paracaidista. El enfado de Fuller fue monumental y llegó a amenazar con demandar al estudio. Como represalia la Warner se retiró del proyecto "Uno rojo". Fuller tuvo que esperar 20 años para poder cumplir su sueño, y encima lo tuvo que hacer nuevamente con un presupuesto bajo. Paradojicamente, la Warner Bros es la actual distribuidora del DVD de "Uno Rojo, División de Choque".

Típica película bélica estilo años 50, pero realizada en los 60.

La crítica de Von Kleist

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• Plan de batalla
• Descanso

Documental sobre los "Merrill's Marauders" (en inglés)

• Parte 1
• Parte 2
• Parte 3
• Parte 4
• Parte 5

Cuando hierve la sangre (Never so few)

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Esta es una de esas raras ocasiones en que el título en español es mucho más adecuado que el título original en inglés (veasé el poster simplemente). Supongo que el autor de la novela en la que está basada la película buscó un título que fuera reconocido por el lector de novelas de guerra y para ello nada mejor que hacer referencia a una de las más famosas citas de Winston Churchill (Never was so much owed by so many to so few), aunque la trama no tenga nada que ver con la Batalla de Inglaterra.

"Cuando hierve la sangre" es una película que realizó John Sturges entre dos de sus grandes éxitos: "El último tren a Gun Hill" y "Los siete magníficos". Y se ve que en el reparto de genialidad esta quedo muy por debajo de las otras dos. Personalmente la considero bastante floja. Sin embargo tiene un interesante trasfondo histórico. Tanto bélico como cinematográfico.

La historia está basada en un incidente ocurrido con el Destacamento 101 del OSS. Esta era una unidad formada en 1942 cuya misión consistió en reclutar guerrilleros entre las tribus Kachin del norte de Birmania para luchar contra los japoneses y sus aliados birmanos. En líneas generales tuvieron éxito en sus misiones y ayudaron en la famosa incursión de los Merrill's Marauders. La unidad fue disuelta en 1945.

El episodio que se refleja aquí es uno que demostraba la poca fiabilidad del Gobierno Nacionalista Chino. Muchas de sus "unidades de combate" eran más bien una panda de bandidos que atacaban por igual a los japoneses, a los birmanos, o a los aliados. En un determinado momento se organizó una incursión entre el Destacamento 101 y los Kachin Rangers para acabar con estas bandas. Los Kachin ejecutaron a un gran número de chinos y esto provocó un incidente diplomático que no llegó a mayores debido a que los nacionalistas chinos necesitaban a los aliados para sobrevivir.

En principio la película iba a ser una producción para mayor gloria de lo que se conoció como la Rat Pack. Así bautizó Lauren Bacall a este grupo de amiguetes de francachela que se originó alrededor de Humphrey Bogart. Tras la muerte de Bogart en 1957 el Rat Pack se organizó alrededor de Sinatra y comenzaron a rodar películas en las que los componentes eran los protagonistas (la más famosa es "Ocean's Eleven" 1960). El caso es que esta película debía de ser interpretada por Sinatra, Sammy Davis Jr. y Peter Lawford. Pero en una entrevista en la radio Sammy Davis Jr dijo que cantaba mejor que Sinatra. Esto enfureció tanto a "La voz" que exigió que se le retirara del reparto. En su lugar pusieron a un joven actor cuyo mejor trabajo hasta la fecha había sido un papel protagonista en "The Blob". Se trataba de Steve McQueen. "Cuando hierve la sangre" no sólo fue la película que lanzó al estrellato a McQueen, también lo hizo con Charles Bronson. Ambos repetirían con Sturges en "Los siete magníficos" y en "La gran evasión". Asimismo también aparecen una serie de secundarios notables, siendo el más famoso Paul Henreid (el Victor Lazslo de "Casablanca").

En el aspecto técnico destacar que la película se rodó en Birmania, Tailandia y Sri Lanka. Asimismo las escenas de acción están bastante bien rodadas. Sin embargo la película no funcionó todo lo bien que podía esperarse. El principal motivo: no es una película de guerra, es un melodrama, pero un melodrama de los malos. Por eso digo que el título español es mucho más descriptivo que el anglosajón. En este caso una exuberante Gina Lollobrigida, también en uno de sus primeros papeles importantes en Hollywood, será la pareja de Frankie en un tórrido romance (durante la dictadura franquista algunas escenas fueron censuradas). Pero dicho romance hace bajar el ritmo de la película a niveles subterráneos. El motivo secundario: es muy difícil creerse a Sinatra en el papel de comandante de un grupo de comandos en la selva birmana.

Bien para un sábado por la tarde y con el boton de fast forward en el dedo. De hecho, viendo el trailer uno puede imaginarse el resto.

Links relacionados

• Crítica en el Blog de von Kleist
  
  

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• Trailer de la película