El León de Esparta (The 300 Spartans)

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Habitualmente la Semana Santa es el momento del año en el que la programación de las diferentes cadenas de televisión se llena de “películas de romanos” o “peplums”. Este año no ha sido la excepción, así que me parece un buen motivo para dedicar los próximos posts a dichas películas, una parte muy importante del cine histórico.

"El León de Esparta" es un clásico "peplum" de los años 60, pero que últimamente se ha hecho famoso por ser la inspiración de Frank Miller, el dibujante del cómic "300" en el que se basa el reciente estreno del mismo nombre.

La película se centra en la famosa Batalla de las Termópilas, pero también nos muestra como se forma la alianza entre las diferentes ciudades-estado griegas para combatir al ejército de Jerjes. La película se filmó en la localidad griega de Perachora, un lugar bastante parecido a lo que debió de ser las antiguas Termópilas (en una de las escenas sale una fuente termal). Llama la atención los numerosos extras con los que contó la producción, casi todos ellos soldados del ejército griego.

Lo que más destacaría de esta película es su rigor histórico en cuanto a los personajes que aparecen y a los uniformes de las distintas tropas, sobretodo de los persas. Para ser los años 60, en mi opinión se hizo un buen trabajo de documentación. Los diálogos están llenos de citas clásicas, incluso declamadas en griego como por ejemplo la entrega del escudo (el hoplon) al nuevo guerrero con la frase: "E tan, E epi tas" que se traduce por "Con él o sobre él" . Y en cuanto a personajes históricos no solo están Leónidas y Jerjes, también salen otros como Temístocles, el vencedor de Salamina; Demarato, el rey espartano exiliado en la corte de Jerjes y Mardonio, el comandante de los persas en Platea. Además, en los combates vemos que los espartanos no luchan solos, sus ilotas también están detrás de ellos con arcos y jabalinas o animando con flautas dobles (900 de ellos murieron en las Termópilas). Y también salen los guerreros tespios que combatieron junto con los espartanos luchando hasta el final. En esta película se sigue bastante fielmente la descripción de Heródoto; Leónidas muere cuando encabeza la carga suicida contra Jerjes y lo que queda del contingente espartano es saeteado mientras protege el cadáver.

Una constante en la película es la insistencia en la unidad y la libertad de las ciudades griegas frente al numeroso ejército de esclavos de Jerjes. Tengamos en cuenta que la película está rodad en plena Guerra Fría, así que no es de extrañar que muchos críticos trazasen un paralelismo en el que los griegos representarían las democracias occidentales, mientras que los persas serían los soviéticos. Personalmente creo que hay películas que hacen ese paralelismo de manera mucho más descarada (véase “Voyna i Mir” por ejemplo).

Lo más flojo de la película son los efectos especiales de las escenas de lucha. Se nota mucho que son espadas de goma y jabalinas sin punta, pero también es verdad que es el año 1962 por lo que no se puede esperar mucho de ellos. Hay una escena bastante llamativa en la que una jabalina da a un extra en la cara y rebota. Las formaciones de combate representadas (salvo la del ataque espartano final) tampoco son muy históricas que digamos. Otra cosa que flojea bastante es la historia romántica metida con calzador, pero es que eso era un aspecto obligado en las películas realizadas en esa época. En cuanto a la ambientación, el principal fallo de vestuario es el casco que luce Leónidas y otros protagonistas: son cascos al estilo romano que deja ver el rostro del actor. Lo soldados espartanos en cambio lucen el casco corintio correcto.

Resumiendo, una película muy correcta desde el punto de vista histórico, aunque un poco lenta en cuanto a su desarrollo.

Iluminados por el fuego

El 2 de abril de 1982, hace ahora 25 años, las fuerzas militares argentinas ocuparon las Islas Malvinas (Falklands Island para los británicos). Esta fecha se ha tomado como el inicio de lo que luego sería conocida como Guerra de las Malvinas o también Falklands War. Sin embargo, las tensiones entre Gran Bretaña y Reino Unido comenzaron el 19 de marzo de 1982, cuando unos trabajadores argentinos tomaron el control de las Islas Georgias.

Hay un dicho que dice que cuando un gobernante tiene un problema interno lo resuelve creando un problema externo. La invasión de las Malvinas fue un intento desesperado de la dictadura argentina para recuperar el crédito perdido tras los innumerables problemas económicos que sufría el país. Se contaba con que Gran Bretaña estaba demasiado lejos como para preocuparse de unas islas perdidas en el Atlántico Sur y que los USA no verían con buenos ojos que los británicos interfirieran con un gobierno amigo del cono sur. Al principio todo pareció ir como la seda pues la ocupación fue llevada a cabo por comandos y no hubo bajas británicas. El entusiasmo desbordó las calles de Buenos Aires y el apoyo a la Junta Militar fue enorme. Pero el dictador argentino Galtieri no contaba con el carácter de la gobernante británica: Margaret Thatcher. Ella también tenía problemas internos, sobretodo en cuanto a la baja popularidad de su gobierno en un año electoral. La invasión de las Malvinas también despertó el sentimiento patriótico británico y la Tatcher lo aprovechó. El día 3 de abril Gran Bretaña ganó la primera batalla diplomática consiguiendo la condena de la ONU. Para el 9 de abril se había asegurado el apoyo de la CEE y de la OTAN, incluyendo a los USA. Y a finales de abril la flota británica se dirigía hacia las Islas Malvinas. Las presunciones de la junta militar argentina sobre el comportamiento británico para afrontar la crisis habían sido completamente erróneas. Parece ser que se está produciendo una película sobre estos hechos con Merryl Streep en el papel de la Thatcher. Ya veremos si es verdad.

Mientras, los argentinos prepararon las defensas en las Islas Malvinas. Y ahí es cuando empezaron a demostrar su incompetencia. Retiraron las fuerzas de élite y las sustituyeron por unidades compuestas por soldados de reemplazo. Llegaron a estacionar cerca de 10.000 soldados, pero su entrenamiento de combate era “básico” por decirlo suavemente. Los argentinos confiaban en que podrían evitar el desembarco de unidades de infantería británica mediante el uso de la aviación. Y lo cierto es que casi lo consiguen, pues hundieron un gran número de barcos incluido un transporte con tropas y suministros. Pero una vez desembarcadas las tropas británicas, aunque inferiores en número, su entrenamiento y el apoyo inter-armas consiguió finalmente asegurar la victoria británica. La derrota argentina supuso la caída de la junta militar y la desaparición de la dictadura un año después.

“Iluminados por el fuego” nos narra precisamente la historia de esos soldados argentinos de reemplazo que lucharon en las Malvinas. Es poco original en cuanto a la forma de contar la historia. Como en otras películas bélicas la narración se inicia como un “flashback” tras el suicidio de un veterano de dicha guerra. La película nos muestra sobretodo las penalidades de dichos soldados, mal entrenados, peor equipados y pésimamente dirigidos. El retrato que hace de los mandos argentinos como unos cabrones incompetentes huele mucho a topicazo. No vamos a ver ninguna escena de los ataques aeronavales en los que los argentinos tuvieron más éxito. De combate, todo lo que vamos a ver son escenas de combate nocturno (bastante mal rodadas por cierto). También como en otras películas bélicas antiguas, se recurre a imágenes de archivo para mostrar algunos hechos. Lo peor que tiene la película es que hay demasiado dialogo trascendente (o verborrea psicológica estilo argentino ;-). Al final tanta cháchara te aburre. Y otro punto desfavorable es que se nota mucho que barre para casa. Yo creo que las Malvinas pertenecen a Argentina, pero algo de autocrítica se hubiera agradecido. Las manifestaciones de Buenos Aires apoyando a Galtieri no estaban compuestas sólo de los incondicionales al régimen.

Que yo sepa es la única película de cine dedicada a la Guerra de las Malvinas, porque los ingleses solo han hecho un par de producciones para la TV. Interesante como curiosidad, por lo demás es aburrida.

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Portero de Noche, (Il portiere di notte)

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Ya que llegamos a la película Nº 69 en el blog, me parece oportuno dedicar el comentario a "Portero de noche". Aunque es de 1974, esta película llegó a España en plena fiebre de erotismo despertada tras la muerte del dictador. Se hizo bastante famosa junto con otras películas eróticas de culto contemporáneas como "El último tango en París" o "Emmanuelle". De hecho, creo que "Portero de noche" fue el título más famoso de un subgénero que mezclaba el cine erótico de tinte sadomasoquista y el bélico, aunque de este último solía tomar solo la estética nazi o la fascista. No en vano, el cartel de la película con Charlotte Rampling vestida solo con gorra de plato, guantes negros y pantalones con tirantes se convirtió en un icono sadomaso.

"Portero de noche" narra la relación sadomasoquista entre una superviviente de un campo de concentración interpretada por Charlotte Rampling, y su antiguo torturador, un oficial de las SS interpretado por Dirk Bogarde (ambos también actuaron juntos en "La caída de los dioses"). La acción se desarrolla 13 años después de acabada la IIGM, y el título hace referencia al oficio que desempeña Dirk Bogarde en un hotel de Venecia, donde ha conseguido esconderse. Pero en el hotel encontramos a otros huéspedes bastante especiales, criminales de guerra escondidos que junto con Bogarde recrean juicios en los cuales diseñan una estrategia para su defensa. Esos falsos juicios son el vehículo para mostrarnos los horrendos crímenes cometidos por ellos. La relación entre la Rampling y Bogarde es cada vez más sórdida hasta que llegamos a preguntarnos quien es el torturado y el torturador.

Recuerdo que en su tiempo fue muy polémica porque parecía justificar o comprender los crímenes de guerra nazis, y como he indicado antes, fue el título más conocido de un subgénero sadomasoquista entre cuyos títulos podemos encontrar a "La caída de los dioses", "Saló o los 120 días de Sodoma", "Salón Kitty" o la saga de "Ilsa, la loba de las SS" que continuó con títulos como "Ilsa, la hiena del harén" e "Ilsa, la tigresa de Siberia". Una peculiaridad de ese subgénero es que casi todas sus películas han sido realizadas por directores italianos. ¿Por qué será?

Cuando al fin pude ver "Portero de noche" fue unos 10 años después de su estreno y me ocurrió lo mismo que cuando vi otros mitos eróticos de la época de los 70 como "Emmanuel" y "El último tango". Me defraudó y aburrió enormemente. La verdad es que la vi como la típica película escabrosa y oportunista que con la excusa de que los nazis eran malos, malísimos, se nos relata una relación sadomasoquista bastante cutrecilla y peor actuada.

En dos palabras: un gatillazo.

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Charlotte Rampling bailando

Primera Victoria (In Harm's Way)

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Si uno encuentra una película de 1965 ambientada en la IIGM dirigida por Otto Preminger e interpretada por John Wayne, Kirk Douglas, y Henry Fonda, podría pensarse que está por lo menos frente a un film decente con una buena historia detrás. Sin embargo "Primera Victoria" es una autentica desilusión.

Esta película está basada en un best-seller titulado "Harm's way" y nos relata dos tramas distintas pero entrelazadas. Por un lado la historia de la responsabilidad del mando y por otra, las relaciones afectivas entre los personajes.

Aunque se inicia con el ataque a Pearl Harbour, el resto de la historia es totalmente ficticio. John Wayne interpreta a un contralmirante responsable de la invasión de unas islas del Pacífico cercanas a las Fidji. Se supone que la campaña esta ocurriendo simultáneamente a la campaña de Guadalcanal en 1942, pero por los comentarios y explicaciones del Almirante Nimitz (interpretado por Henry Fonda), parece que es más importante y decisiva que la batalla de Midway y la campaña de Guadalcanal juntas. Como curiosidad, esta película muestra el uso de la unidad de los marines-paracaidistas. Esta unidad existió, pero nunca realizó ningún salto de combate.

Parece ser que la película tuvo cierto éxito en su tiempo porque fundamentalmente es un melodrama romántico de lágrima fácil. Un culebrón diríamos ahora. Un pequeño resumen de la trama. John Wayne tiene un hijo al que no ha visto en 20 años. El hijo está destinado en una torpedera y ambos están saliendo con unas enfermeras. Kirk Douglas es el segundo de Wayne. Un día, se va a la playa con la novia del hijo y la viola. La chica se suicida. Douglas arrepentido coge un avión y se va a hacer un vuelo de reconocimiento sin retorno para descubrir a la flota japonesa. Evidentemente la descubre y muere en el intento. Pero sorpresa, sorpresa en la flota japonesa tenemos nada más y nada menos que al superacorazado Yamato. Un fallo bastante gordo y gracioso en la película. Kirk Douglas observa el Yamato y dice que tiene "Twelve big guns", cuando en la imagen podemos ver perfectamente que tiene nueve. Wayne de todas formas está decidido a llevar a cabo la invasión de la isla. Dispone sus torpederas en un estrecho y estas atacan a los japoneses. Algo similar a la batalla del estrecho de Surigao en 1944. A pesar de las perdidas, entre las que se encuentra el hijo de Wayne, los japoneses consiguen pasar. No importa, papá John Wayne manda sus destructores y cruceros contra los japoneses. Evidentemente el Yamato acaba con ellos. Y como era de esperar, Wayne se salva, aunque pierde la pierna y todos sus amigos. Pero mientras se recupera en el barco hospital con su enfermera acompañándole, Nimitz le dice que el Yamato se retiró y que la operación ha sido una victoria decisiva. ¡Qué bonito!

Aparte de que el Yamato nunca entró en combate naval con otros barcos, la película está llena de otros errores. Por ejemplo, los peinados de las mujeres es estilo años 60. Otra ridiculez es cuando vemos a un gordo y viejo civil australiano guiar a los marines a través de las montañas o ejerciendo labores de espía en la isla ocupada por los japoneses. Pero lo peor sin duda son las escenas de combate. En los aviones se ven los hilos que sostienen a las maquetas. Y en cuanto a los barcos están tan mal hechos que se nota que son de madera de balsa y corcho y que se ha realizado en una bañera.

La verdad es que el título en inglés describe perfectamente esta película. Verla es una autentica "vía dolorosa".

La Batalla de Midway (Midway)

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Tengo un cierto cariño hacia la película "La Batalla de Midway" pues es uno de mis recuerdos de niñez (verla en pantalla grande con Sensorround fue espectacular). Se que es una película fallida en muchos aspectos, pero reconozco que de vez en cuando me gusta verla y si la echan en la tele procuro no perdérmela.

"La Batalla de Midway" relata bastante fielmente lo que significó dicho enfrentamiento en el escenario de la Guerra del Pacífico durante la IIGM. En dicha batalla, la flota americana consiguió emboscar a la flota japonesa gracias en parte a la descodificación de los mensajes en clave de la marina japonesa. Tras dicha batalla, los japoneses perdieron cuatro portaviones y los americanos solo uno. Pero lo peor fue que junto con los portaviones, los japoneses perdieron a la flor y nata de sus pilotos de combate y además perdieron completamente la iniciativa en la guerra. Los americanos podían reponer sus perdidas, los japoneses no.

La película nos muestra los diversos acontecimientos cruciales o anecdóticos que sucedieron como por ejemplo: el uso de los hidroaviones Catalina para observación, el fallo en el motor del hidroavión japonés que tenía que explorar precisamente la zona donde estaba la flota americana, la decisión japonesa de cambiar bombas por torpedos y almacenar las primeras en la cubierta para ahorrar tiempo, etc.

Como en otras películas bélicas se usó parte de material cinematográfico histórico. En este caso se uso el filmado por John Ford en su documental "The Battle of Midway". También se uso metraje de otras películas del género como "30 segundos sobre Tokio" para las escenas iniciales de la película que muestran el raid de Doolittle. O incluso de la película que muestra la versión japonesa de la batalla para mostrar el hundimiento de los portaviones japoneses. Sin embargo la película tiene bastantes "defectillos" que evitan que sea una de las grandes producciones bélicas del cine.

El principal en mi opinión es la historia romántica que hay entre el hijo del protagonista (Charlotn Heston) y una americano-japonesa. Creo que los productores intentaron que la película no supusiera un fracaso comercial como le ocurrió a "Tora!, Tora!, Tora!", así que no sólo llenaron la película de estrellas (Charlton Heston, Henry Fonda, Glen Ford, Toshiro Mifune, etc.), sino que en arras de atraer al público femenino metieron con calzador dicha historia romántica y bobalicona.

Otros errores famosos desde el punto de vista histórico es que al usar metraje de la IIGM no tuvieron en cuenta las fechas. Así aparecen aviones que no existían en 1942 como los F4U Corsair. También aparecen los F6F Hellcats en lugar de los F4F Wildcats, pero eso se nota menos porque son bastante parecidos. Y en cuanto a utilizar metraje de otras películas, se llegó a utilizar parte de "La Batalla de Inglaterra", por lo que en una de las escenas podemos ver como derriban a ¡un Messermicht Bf109!.

Como anécdota curiosa está el hecho de que Henry Fonda interpreta por segunda vez en una película al almirante Chester Nimitz. La primera vez fue en la película "Primera Victoria" de 1965.

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• Banda sonora
• Nimitz y Halsey
• Escenas de la película

The Battle of Midway

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El 4 de Junio de 1942, John Ford se encontraba en la Isla de Midway con su equipo. Parece ser que estaba en tránsito y se encontraba allí por casualidad. El caso es que hacia las 6:30 de la mañana se despertó bruscamente de sus sueño por el ruido de la sirena de alerta. Sin pensarlo, cogió la cámara, salió al exterior y comenzó a rodar. Se trataba del ataque inicial de los japoneses de lol que más tarde sería conocida como Batalla de Midway. Esta batalla supondría el punto de inflexión en la Guerra del Pacífico durante la IIGM. Durante dicho ataque John Ford resultó herido, pero mereció la pena. Además de ser un documento histórico, su documental "The Battle of Midway" ganaría el oscar.

El documental dura 18 minutos. Es el típico documental de guerra. En la primera parte se nos muestra la isla, la guarnición de marines y a sus "habitantes" (las gaviotas) de forma incluso cómica. Pero también nos muestra la escena típica de la madre y de la novia del soldado que esperan en casa. Luego nos muestra el ataque japones sobre la isla y algo del ataque naval. Tras la victoria se nos muestra el regreso de los vencedores con comentarios del tipo "A job well done", el rescate de los pilotos heridos en combate y por supuesto el homenaje a los caídos.

Termina con unos paneles que muestran las perdidas japonesas (se habla de 28 barcos hundidos cuando en realidad fueron 5) mientras se tachan con pintura roja. El último panel habla de 300 aviones destruidos (fueron 228) mientras se dibuja una gran V roja sobre dicha cifra.

La mayor parte de las escenas de combate filmadas por Ford serían luego utilizadas en la realización de la película "La Batalla de Midway". Como curiosidad indicar que Henry Fonda participó en ambas. En este documental es una de las voces que narran la acción, y en la película interpreta al almirante Nimitz.

Matadero Cinco (Slaughterhouse Five)

"Matadero Cinco" es una película rara en muchos aspectos. Mezcla Ciencia-Ficción, Cine Bélico-Histórico y Cine Autobiográfico. Está basada en un best-seller del mismo nombre escrito por Kurt Vonnegut. Aunque el autor luego echo pestes de la adaptación cinematográfica, son bastantes los críticos que opinan que es una adaptación bastante fiel a una novela tan compleja (yo no me la he leído, así que no puedo opinar). Kurt Vonengut fue hecho prisionero durante la Batalla de las Árdenas y conducido a Dresde, donde sobrevivió al bombardeo.

Inicialmente nos cuenta la historia de un prisionero americano (Billie Pilgrim alter ego de Vonnegut) que trabaja en el "Matadero Cinco" de la ciudad de Dresde. Esta ciudad sufrirá un devastador bombardeo aéreo. A consecuencia de ese bombardeo, Billie consigue abstraerse y despegarse del medio y el tiempo que le rodea. Mediante una serie de saltos espacio-temporales, vemos a Pilgrim como una atracción de zoo en el planeta Trafalmador, o su vida futura después de la guerra. Hay momentos dramáticos como son las escenas que muestran las consecuencias del bombardeo de Dresde o la ejecución de uno de sus amigos acusado de haber saqueado entre los escombros. Pero también hay diversos momentos de "humor negro" gracias a sentido fatalista de los trafalmodianos que pueden "ver" el pasado, el futuro y el presente y por lo tanto saben que nada se puede cambiar. Su filosofía podría resumirse en que hay que aceptar lo malo y lo bueno de la vida porque está escrito y no puedes cambiarlo, pero al menos disfruta de lo bueno (filosofía "Don't worry, be happy" para entendernos). Otro momento "gracioso" eso cuando vemos que en el zoo han puesto a Pilgrim con la estrella porno Montana Wildhack. Como era de esperar en un zoo, ponen juntos a un macho y una hembra de las especies en exhibición.

Un aspecto llamativo es que en la película no sale nada de la realización del bombardeo de Dresde. Pilgrim lo pasa dentro de un refugio, así que solo oímos las explosiones. Pero no vemos casi nada de los edificios explotando o de los aviones soltando su carga letal. Posteriormente veremos las consecuencias del mismo y entenderemos porque el personaje de Pilgrim está traumatizado. Las escenas y situaciones dedicadas al post-bombardeo son en mi opinión lo mejor de la película. Aunque el libro ya habia levantado polémica sobre la justificación de dicho bombardeo el hecho de verlo en imágenes, aunque estas no fueran reales, avivó la polémica. De hecho, parece ser que Vonnegut se basó en un libro del historiador revisionista David Irving para alguno de sus pasajes (luego demostrado falso) y fue bastante criticado por eso.

La película no acaba de cuajar debido en mi opinión a la gran profusión de "saltos espacio-temporales". Hay un largometraje más moderno, "La escalera de Jacob", que recuerda en algunos aspectos a esta película pero con un toque mucho más sombrío (y no tan confusa). Con respecto a "Matadero cinco", hay opiniones que la consideran recomendable, pero en mi caso al final no sabía muy bien donde estaba y me dejó de importar lo que le pasaba al protagonista.

Es interesante como rareza, pero no es la gran película que se esperaba de ella.

Los duelistas (The Duellists)

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En mi opinión, "Los duelistas" es la mejor película ambientada en la época de las Guerras Napoleónicas. Basada en un relato de Joseph Conrad, la acción nos lleva desde los inicios del Imperio en 1800, pasando por la retirada de Rusia, hasta los días de su derrumbe final en 1815 y el establecimiento del nuevo régimen en 1816, y todo ello a través de la historia de dos personas.

Ridley Scott ya apuntaba maneras de gran director, porque hay que tener en cuenta que "Los duelistas" no solo es su primer largometraje como director, sino que además es una obra de bajo presupuesto (no llegó siquiera al millón de dólares). No se construyó ni un solo decorado. Se le ha criticado porque se parece a "Barry Lindon" estrenada dos años antes, pero hay que tener en cuenta que Scott era un director novel y Kubrick un maestro consolidado. Así que no veo nada malo en que se inspirase en dicha obra, más bien lo contrario.

En esta película no vamos a ver grandes batallas como en "Waterloo" o los entresijos de las intrigas que mueven a los poderosos como en "Napoleón", o incluso los efectos profundos que la guerra tiene sobre los seres humanos como en "Voyna i Mir". Todos esos acontecimientos no son más que un decorado para el duelo entre los personajes interpretados por Keith Carradine y Harvey Keitel. Aunque al final comprendemos que esa lucha a pequeña escala entre los dos contendientes, encarna precisamente el combate titánico que asoló Europa durante esos quince años. Y además no enseña una lección, que el dicho "dos no se pelean si uno no quiere" es falso. El personaje interpretado por Keitel está obsesionado con la lucha, aunque eso signifique su propia destrucción. Mientras que el personaje de Carradine, por muchos esfuerzos que haga para evitarla, no tiene más remedio que aceptarla y comprender que la única forma de evitarla es vencer. Scott consigue mostrarnos todo el lienzo de esa convulsa época resaltando solo un pequeño detalle.

"Los duelistas" además tiene las mejores escenas de esgrima que se han filmado en el cine, con permiso del duelo final entre James Mason y Stewart Granger en "El prisionero de Zenda". No son las espectaculares coreografías al estilo oriental que se han puesto de moda (baste ver los ¿éxitos? de "Kill Bill" o "Piratas del Caribe"). Son luchas reales en las que se busca eliminar al adversario lo antes posible. Por ejemplo, el duelo inicial que abre la película dura menos de dos minutos.

Quizás la escena más famosa es el duelo a caballo. Scott se centra sobretodo en los pensamientos y miedos del personaje interpretado por Carradine. Como en una pintura de Gericault o de David vemos avanzar al galope a ambos contendientes. Pero el choque nunca se ve del todo, solo se vislumbra. En un golpe maestro, Scott comprende que las escenas de dicho combate nunca serán más dramáticas que lo que nosotros mismos podamos imaginar, así que sólo nos muestra los preliminares y el resultado de dicho combate. Es el espectador el que pone el resto.

Si no llega a ser porque "Barry Lindon" se estrenó dos años antes, "Los duelistas" sería considerada una obra maestra. En mi opinión merece dicho status.

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• Trailer de la película
• Duelo inicial
• Primer duelo entre Carradine y Keitel
• Segundo duelo
• Tercer Duelo
• Duelo a caballo
• Rusia

Waterloo

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Para cualquier amante de la historia la película "Waterloo" es un clásico. Y lo curioso es que se junta en su realización a dos personajes que cada uno por su lado, habían tratado de reflejar un aspecto de las Guerras Napoleónicas en una película. Se trataba de Dino de Laurentis, el productor de "War and Peace", que tuvo el acierto de encargar la dirección a Sergei Bondarchuk, el director de la GRAN película "Voyna i Mir".

Nuevamente se volvió a contar con los soldados del Ejército Rojo y Sergei Bondarchuk volvió a desplegar toda su maestría en la dirección de grandes masas de extras. De hecho, las luchas representadas en "Waterloo" parecen mayores que las que se representan en "Voyna i Mir" a pesar de que el número de extras es diez veces menor. Una vez más volvemos a tener esas panorámicas espectaculares del campo de batalla. Algo realmente impresionante cuando nos muestra el momento de la carga de la caballería francesa sobre los cuadros del ejército aliado. Junto con las escenas de la película "Gettysburg", son las mejores escenas de batallas rodadas sólo a base de extras y sin efectos digitales. Además, el guión trató de ser lo más fiel posible a la historia.

La película está dividida en dos partes. La primera nos introduce en el trasfondo histórico que desembocará en la batalla, y la segunda es el desarrollo de dicha batalla. Al principio se nos muestra la abdicación de Napoleón en 1814 y su salida al primer exilio. Rod Steiger se encarga de interpretar a un Napoleón crepuscular que reprocha la presión de sus generales para que abdique tras haberlos llevado antes a la gloria. Después de su despedida de las tropas de la Guardia se nos muestran los títulos de crédito. Luego volvemos a su regreso de la Isla de Elba. El orondo rey Luis XVIII (interpretado por Orson Welles) ordena a Ney que le detenga y éste le promete que le traerá en una jaula.

En mi opinión la mejor escena de la película es el momento en el que Napoleón se dirige hacia las tropas enviadas por el Rey para detenerle. Las tropas de Ney están dispuestas en una colina. Hacia ellas avanzan a pie, Napoleón y sus fieles. Mientras las tropas de ambos bandos se despliegan y preparan para el combate, Napoleón alza la mano derecha como ordenando parar, pero luego la va bajando con un gesto de apaciguamiento. Sus grognards bajan sus mosquetes y Napoleón lentamente se acerca a las tropas de Ney. Bondarchuk entonces comienza a enfocar a la mano de Napoleón. Vemos como esa mano se va colocando a la espalda hasta que se cruza con la mano izquierda, de la cual agarra los dedos índice y corazón. Aunque el paso de Napoleón es lento y tranquilo, los dedos pulgar e índice de la mano derecho se frotan con nerviosismo. En un determinado momento las manos se sueltan y los puños se crispan a su espalda. Nuevamente se vuelven a coger y el frote de los dedos de la mano derecha vuelve a reanudarse mientras la cámara comienza a alejarse de las manos y nos empieza a mostrar nuevamente a Napoleón ya casi al lado de las tropas de Ney que siguen apuntándole. Entonces les dice: “Soldados del Quinto ¿Me reconoceis? Si queréis matar a vuestro Emperador, aquí me tenéis” y tras una larga mirada les grita “¡Fuego!”. Uno de los soldados no puede más y cae desmayado, el resto comienza a gritar “Vive la France!, Vive l’Empereur!”

Después de esto, Louis XVIII se exilia y Napoleón entra triunfante en Paris. Inmediatamente comienza a dictar órdenes y regulaciones. Ofrece la paz aunque sabe que no será aceptada, por lo que se prepara para la futura campaña.

Los aliados no están preparados para la rapidez de Napoleón. Dicha falta de preparación se nos muestra mediante un lujoso baile en Bruselas al que Wellington (Christopher Plummer) ha asistido. El baile se ve interrumpido por las alarmantes noticias del avance francés sobre Charleroi. A toda prisa, Wellington reúne a su plana mayor y les comunica que si no puede pararle en Quatre Bras, se parará a Napoleón en Waterloo.

Comienza así la segunda parte que nos contará el desarrollo de la batalla de Waterloo. Veremos al ejército prusiano en retirada y la decisión de Blucher de apoyar a Wellington. Como Napoleón manda a Grouchy a perseguir a los prusianos. El despliegue del ejército aliado en Mont Saint Jean (aunque parece que el ejército solo es británico). La explicación de porqué Napoleón tuvo que esperar hasta mediodía para que el terreno se secara y la artillería fuera efectiva. Las luchas en la Haye Sainte y Hougoumont... Como en “Voyna i Mir”, Bondarchuk también hace composiciones pictóricas. Por ejemplo, la carga de los Scott Greys a cámara lenta recuerda muchísimo a la famosa pintura de Lady Blutter que representa dicha carga.

La batalla sigue desarrollándose. Tras la aniquilación de los Scott Greys, Napoleón y Wellington reciben las primeras noticias de la aproximación de los prusianos de Blucher. Napoleón se queja de que Grouchy no está (y no podría estar nunca pues Napoleón le había dado otras órdenes). Ney lanza su famoso ataque de caballería contra los cuadros ingleses al creer que estos se estaban retirando. Ese es sin duda el climax de la batalla. Las escenas y las tomas aéreas de la caballería francesa entre los cuadros rojos son espectaculares.

Sin embargo también se encuentra aquí lo que menos me gusta de esta película. En un momento dado, un soldado de los Inniskilling sale de un cuadro y comienza a gritar: ”¿Por qué luchamos? ¿Por qué nos matamos los unos a los otros? ¡Somos hermanos!” en medio de la carnicería que está sucediendo. No me gusta por dos motivos: Primero porque esa situación no es histórica (a un inniskilling en el siglo XIX ni lleno de ginebra se le ocurriría hacer eso) y segundo porque es una concesión al pacifismo que se vivía en los 70, cuando se realizó la película. En 1977 lo políticamente correcto era mostrar el horror de cualquier guerra (estamos al final de la Guerra del Vietnam) y además esto era una co-producción con la URSS, que “oficialmente” clamaba por la paz entre los pueblos (aunque un par de años después invadiría Afganistan). Me parece mucho más efectivo como mensaje pacifista los planos y pensamientos de Wellington mientras recorre el campo al final de la batalla.

En eso llegan los prusianos, así que Napoleón se ve forzado a mandar a la Guardia para tratar de romper la línea inglesa antes de que sean reforzados. Pero la Guardia es rechazada, el pánico se apodera del ejército francés y sucede el desastre. Solo un cuadro de la Vieja Guardia mantiene su puesto. Los ingleses le conminan a la rendición, pero tras la respuesta histórica del general Cambrone; “Merde!” aunque aquí la dice un soldado, el cuadro es aniquilado por los cañones británicos disparando a bocajarro. Esta escena no tiene base histórica. Los cuadros de la Vieja Guardia fueron destruidos, pero no así.

La batalla ha llegado a su fin. Wellington pasea entre toda la devastación y es entonces cuando pinesa su famosa frase de la cual existen diferentes versiones. La versión más aceptada es: “Nothing except a battle lost can be half as melancholy as a battle won”. Aunque en la película lo que dice es: “the only thing worse than a battle lost, is a battle won”, lo cual es un contrasentido si tenemos en cuenta la escena final. La película finaliza con un plano de Napoleón derrumbándose en el asiento de su coche comprendiendo que todo está perdido.

Desgraciadamente, la película fue un fracaso en taquilla. De hecho afectó a la producción de otra película sobre Napoleón que iba a dirigir Stanley Kubrick. Parece ser que iba a representar un gran número de batallas pero como eso no era lo que gustaba, éste decidió que era mejor abandonar dicho proyecto y dedicarse a realizar uno que conectase con el gran público. Así que realizó "Barry Lindon" y en ella incluyo una de las mejores escenas que representa el modo de luchar del siglo XVIII.

Pan Tadeusz

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Una de las consecuencias de las Guerras Napoléonicas fue el nacimiento de los nacionalismos. En su forma moderada dieron lugar a movimientos que permitirían la formación de diversas naciones europeas como Italia, Alemania o Polonia. Pero, hay un dicho que dice que los nacionalismos son la antesala de los totalitarismos, por lo que no es de extrañar como acabó la cosa en la primera mitad del siglo XX.

"Pan Tadeusz" está basada en un poema homónimo de Adam Mickiewicz. Es una historia romántica en la que fundamentalmente se lamenta la partición de Polonia entre Rusia, Prusia y Austria. Lo paradójico es que cuando Mickiewicz escribió el poema, el nacionalismo polaco era embrionario y se habla de Lituania, entendiendo como tal al antiguo Gran Ducado de Lituania toda el área geográfica que engloba a dicho país báltico, la actual Polonía, Bielorrusia y Ucrania. Está ambientada en un determinado período de 1811, pero empieza y acaba precisamente con el día en que Napoleón invade Rusia en 1812. Y ese día está reflejado como un día de esperanza nacional para los polacos. No en vano los lanceros polacos fueron considerados como una de las mejores tropas de Napoleón.

Sin embargo la película es bastante floja para aquel que no conozca mucho de la historia y de la literatura polaca. Evidentemente, en Polonia fue un gran éxito, pero es que parece ser que Pan Tadeusz es el libro más leído en dicho país, con lo que no es de extrañar dicho éxito. En cambio, en otros países la película pasó sin pena ni gloria. Además al ser un poema, los dialogos suenan muy artificiales supongo que debido a la traducción. Y evidentemente casi toda la rima se ha perdido en dicha traducción. Otro problema que tiene es la sobreactuación de los actores, aunque creo que eso es debido a que los actores están declamando el poema todo el rato. Y finalmente, hay tal número de personajes que es muy difícil de seguir si no conoces previamente la obra (y para colmo el protagonista principal no es Tadeusz).

Lo mejor que tiene la película es la ambientación y la fotografía. Con respecto al aspecto bélico, en "Pan Tadeusz" podemos ver una escaramuza entre polacos y tropas regulares rusas. Es destacable como los rusos intentan rechazar a los polacos, que atacan como una horda, formando un triangulo. A pesar de ello, los rusos son derrotados finalmente. El comandante ruso es tomado prisionero y le comenta a sus vencedores que le habían avisado que si no tenía cañones, nunca debería enfrentarse a los polacos en batalla.

Solo para gente muy interesada en la historia del período napoleónico.