Bienvenido

El blog no está muerto pero como podéis comprobar no puedo dedicarle el tiempo que necesita. Si alguien quiere una breve explicación del parón la encontrará aquí. Iré publicando películas y contestando a los comentarios poco a poco. Gracias por vuestra paciencia, atención e interés.

Actualmente hay 269 películas comentadas

En los siguientes links puedes encontrar todas las películas comentadas, bien ordenadas alfabéticamente o bien clasificadas por períodos históricos.

Los links a otros sitios van en negrita, mientras que los links a videos van en verde. Al final del comentario aparece una lista de videos relacionados.

Si te interesan otros aspectos de las películas de guerra puedes visitar Cine de Guerra.

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viernes, enero 28, 2011

Corazones de hierro (Casualties of War)




Después de su éxito con "Los Intocables" Brian de Palma decidió probar con el género bélico. Y para ello se basó en un artículo sobre la Guerra del Vietnam publicado en el New Yorker y que se titulaba "Casualties of War". En el artículo se relataba un hecho real conocido como el Incidente de la colina 192 sucedido en 1966. Esa historia fue la base del guión de "Corazones de hierro".

Es probable que si esta película hubiera sido estrenada al mismo tiempo que "La chaqueta metálica o "Platoon" no sólo sería más conocida de lo que es ahora, sino que también sería mejor considerada. Pero también creo que de Palma desaprovechó la oportunidad de hacer una gran película. Tuvo dos fallos. Uno fue suavizar la historia en la que se basaba. El otro fueron sus protagonistas principales.

"Corazones de hierro" es una de las muchas producciones bélicas que muestra como la guerra saca lo mejor y lo peor de los seres humanos. Nos cuenta como un pelotón de soldados estadounidenses raptan, violan y luego asesinan a una vietnamita. Sólo uno de los soldados se niega a participar y denuncia a sus compañeros. Inicialmente sus superiores intentan cubrir el crimen pero al final los soldados serán llevados frente a una corte marcial y condenados a largos años de trabajos forzados en una prisión militar. Moraleja: la justicia triunfa. ¿Qué ocurrió en realidad? Pues que uno de los soldados fue exonerado por violación de sus derechos, otro tuvo una sentencia de 22 meses, y el cabo y el sargento fueron condenados a 8 años, pero obtuvieron la condicional a los 4 años de prisión. La madre y la hermana de la víctima fueron asesinadas por el Viet-Cong porque pensaron que habían colaborado con el enemigo. Y el soldado que denunció los hechos vive bajo una nueva identidad para evitar una posible represalia de sus antiguos camaradas de armas.

Es muy probable que ese final realista habría conseguido hacer huir de la taquilla a una gran parte del público. Pero también estoy convencido de que con el pasar del tiempo la película habría sido considerada como una de las "grandes" del género. De hecho, pienso que de Palma intentó reparar el error con su reciente "Redacted". Paradójicamente en lugar de enmendarlo lo que consiguió fue cometer un error aún mayor. En esta última los soldados no parece que vayan a ser condenados cuando en realidad lo fueron y con penas muy duras.

Volviendo a "Corazones de hierro". Además del argumento la película tiene bastantes aspectos positivos que pueden hacer disfrutar a cualquier cinéfilo. De Palma es un buen profesional y hay planos y secuencias muy buenos, como la del corte longitudinal de los túneles del Viet Cong o el travelling de la secuencia de las letrinas. La banda sonora es de Ennio Morricone y aunque no sea de sus piezas más conocidas, consigue emocionar e introducir al espectador en la historia.

En cuanto al reparto, creo que son los secundarios los que mejor lo hacen y entre ellos nos encontramos las primeras intervenciones de nombres ahora muy conocidos como John Leguizamo y John C. Reilly. También sale Dale Dye interpretando al arquetípico oficial de pelo cano. Pero es Thuy Thu Le, que da vida a la chica vietnamita, la que destaca sobre todos ellos. Su interpretación es sobrecogedora y a pesar de ser aclamada por ello decidió retirarse y no volver a actuar nunca más. Y nos faltan las cabeza de cartel. La productora no arriesgo y contrató a dos estrellas afianzadas: Michael J. Fox y Sean Penn. Para muchos el soldado Max Eriksson es la mejor interpretación de Fox y casi consigue quitarse el sambenito de "eterno adolescente". Para mí no pasa de "aceptable" siendo generosos. En cuanto a Sean Penn, hace el papel de psicópata (¡qué raro!). Por eso digo que ese es uno de los problemas de esta película. En mi opinión la cinta tiene un tono maniqueo que no me acaba de convencer con "Fox-chico-bueno" que no ha roto un plato y "Penn-chico-malo" dispuesto a matar al que se le ponga por delante.

También tiene sus pifias. Uno que me llamó la atención es el del Medevac Huey con ametralladoras. A lo mejor estoy confundido pero que yo sepa ese tipo de helicóptero iba desarmado. Otro es la escena en la que uno de los soldados atemoriza a la chica vietnamita cantándole "Hello I love you" de los Doors. Esa canción es de 1968 y la acción transcurre en 1966. Y finalmente está la secuencia en la que matan a la chica. Dos grupos armados disparando uno frente al otro es algo increíble, aunque su fuerza cinematográfica es evidente.

En cuanto a los aspectos curiosos. Es una de las primeras películas en mostrar oficiales de raza negra, y muestra que puede ser tan HdP como los oficiales blancos. Otro es que la escena del combate en el río está rodada en un lugar con su propia historia, pues las vías del tren pertenecen a la línea férrea construida por los japoneses durante la IIGM y que se refleja en "El puente sobre el río Kwai".

Lo que más me gusta de esta película es la lucha de personalidades y los diversos conflictos morales y psicológicos que se plantean. Inicialmente el sargento Meserve es como un semidios para el pelotón, sobre todo para Eriksson después de que aquel le salvara la vida. Pero la guerra consigue hacer aflorar el lado oscuro de Meserve y debido a su carisma consigue arrastrar tras de sí a todo el pelotón excepto a Eriksson. Aquí tenemos el primer dilema: el grupo contra el individuo. Una vez cometido el crimen tenemos el segundo dilema: Eriksson contra Meserve, al que debe la vida. Y tras la denuncia del crimen el tercer dilema: perseverar en la denuncia o dejarlo pasar y vivir en paz.

Lo dicho, una notable película que merece la pena ser vista por cualquier aficionado al cine a pesar de sus defectos.



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jueves, noviembre 25, 2010

Camino al Infierno (Tour of Duty)




El éxito de "Platoon" inspiró la producción de la serie de televisión "Camino al infierno". Su emisión se inició en 1987, durante tres temporadas y a lo largo de 58 episodios se nos contaba la historia de los componentes del Segundo pelotón de la compañía Bravo durante la Guerra del Vietnam.

La serie tuvo bastante éxito. Lo más destacable en mi opinión es que mostraba todos los diversos aspectos de lo que fue el combate en Vietnam, desde las junglas a los túneles, sin olvidar lo que ocurría en la retaguardia, tanto la vietnamita como la estadounidense. Se nos muestran las diferentes etapas de la evolución del conflicto, pero siempre desde la perspectiva de los que están al pie del cañón. Contemplaremos sus misiones de "Búsqueda y Destrucción", la evacuación de civiles de los poblados, el racismo que había entre las tropas, las incursiones en Camboya, el problema de la droga, etc. La primera temporada nos situaba en el año 1967 justo antes de la ofensiva del Tet. La serie llegó a ganar un Emmy y por ello durante la segunda temporada se decidió introducir algo de romance para atraer al público femenino pero fue un completo error. No sólo no se atrajo a las mujeres, sino que parte del público masculino dejo de seguirla. En la tercera temporada se intentó reparar el desaguisado cortando por lo sano pues eliminaron a la "novia de guerra". Pero el daño ya estaba hecho pues ya no remontó la audiencia. El último episodio estuvo dedicado al conocido como raid del campo de prisioneros de Son Tay.

Un aspecto a destacar es que los productores consiguieron que la serie mantuviera el tono de denuncia de las producciones bélicas en las que se basaba como "Platoon" o "La chaqueta metálica", pues mostraron los aspectos más desagradables de lo que supuso este conflicto a la sociedad norteamericana, pero evitaron caer en el antibelicismo flagrante, lo que habría convertido a la serie en un panfleto perfectamente olvidable. Y la forma de hacerlo fue a base de que el espectador empatizara con los personajes. Uno de los aciertos es que en su reparto había personajes de toda raza y estrato social.

Aunque todos los componentes del pelotón eran los protagonistas de alguna u otra forma, el peso de la producción recaía en los personajes del teniente Myron Goldman (interpretado por Stephen Caffrey) y sobre todo en el sargento Zeke Anderson (interpretado por Terence Knox). Puede decirse que son la constante de la historia porque la mayor parte de los otros personajes, o mueren, o los hieren, o se licencian. Pero probablemente, esta serie es recordada por su banda sonora, una colección de canciones de la época del Rock clásico entre los que destacaba el tema musical de apertura. Se trata de la canción "Paint It Black" de los Rolling Stones. Curiosamente este tema no aparece en el episodio piloto, sino en un episodio posterior.


Una serie de calidad.



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jueves, septiembre 16, 2010

Platoon



Bueno, vamos allá con el comentario de una de esas películas míticas del cine bélico: "Platoon"

Puede que no llegue a la categoría legendaria de "Apocalypse Now" (hay quienes opinan que la supera), pero por lo menos está a la par con "La chaqueta metálica". Esta película tiene bastantes puntos en común con sus dos predecesoras en el blog: "Sangre en Indochina" y "Diên Biên Phú". Como Pierre Schoendoerffer, Oliver Stone es un veterano del Vietnam e intentó plasmar sus experiencias en el celuloide. Hay que reconocerle que lo hizo bastante bien porque esta película le convirtió en un director de fama mundial.

Stone se decidió a hacer "Platoon" después de ver "Los boinas verdes". Acababa de regresar de su servicio en Vietnam y su visión del mundo había cambiado por completo. Se enfureció tanto con la versión heroica del conflicto realizada por John Wayne que decidió plasmar sus experiencias. En sus propias palabras escribió de forma visceral un guión cinematográfico titulado "Break". Este guión se lo envió a Jim Morrison, el cantante de los Doors, esperando que aceptara protagonizar la película. Pero Morrison murió y le devolvieron el guión. Stone no se desanimó. Se matriculó en una escuela de cine y siguió trabajando sobre el guión. En 1976 le cambio el título a "The platoon" y se lo envió a la Columbia, que tuvo miedo de llevarlo a la pantalla porque la derrota de Vietnam estaba muy cercana. Pero al menos le contrató y le encargaron el guión de "El expreso de medianoche". Paradójicamente, los éxitos cosechados por "El cazador" y "Apocalypse Now" hicieron más difícil que el guión de Stone llegara a la pantalla, pues los ejecutivos de la Columbia pensaron que la gente ya se había saturado de "la guerra de Vietnam". Stone no abandonó su idea, y después de una serie de vicisitudes al final consiguió la financiación que necesitaba. En febrero de 1986 comenzó la filmación en la isla de Luzón. Llegaron justo en el momento en que el dictador Marcos fue depuesto tras un golpe de estado. Afortunadamente el rodaje no sufrió percances y tras 54 días y 6'5 millones de dólares, este llegó a su fin. Curiosamente Stone cumplió su objetivo inicial de denunciar la guerra "Hollywood style" aunque fuera con retraso. "Platoon" fue estrenada al año siguiente de "Rambo: Acorralado 2ª parte".

El director obligó a los actores a someterse a un cursillo de entrenamiento militar a cargo del ex-marine Dale Dye (que también hace un par de cameos en la película). Además les obligó a hacer marchas forzadas, cavar agujeros de tirador, dormir en un campamento e incluso hacer rondas y patrullas. De esa forma consiguió el aspecto de "estar quemado" que tienen todos los actores. En cuanto a la ambientación, todo el equipamiento militar provino del ejército filipino, ya que el ejército estadounidense declinó cooperar con la producción. Y sobre el aspecto histórico, la batalla final recrea una de las acciones en las que Stone intervino. Se trata de la Batalla de Año Nuevo. Se había decretado una tregua para el 1 de enero de 1968 y seis horas antes de finalizar el Viet-Cong lanzó un ataque contra una base americana en la provincia de Tay Ninh. El ataque consistió en lanzar tres oleadas humanas consecutivas contra las posiciones yanquis y fue rechazado mediante el uso masivo de artillería y apoyo aéreo a cargo de AC-47s artillados. Según algunos veteranos participantes, la recreación de Stone es bastante realista.


Otro aspecto destacable es el reparto de esta película. Hasta el propio Stone hace un cameo en la batalla final. Además de encontrarnos a Charlie Sheen en un papel protagonista algo similar al que hizo su padre en "Apocalypse Now", también nos encontrarnos a unos jovencísimos Johnny Deep y Forrest Whitaker. Aunque sin duda los que destacaron por encima de todos ellos fueron Tom Berenger y William Dafoe en sus papeles de los sargentos Barnes y Elias. Sus interpretaciones les consagraron como estrellas, aunque fue Dafoe el que mejor aprovechó sus posteriores oportunidades. Tampoco podemos dejar de anotar que es uno de los primeros papeles del actor/asesor militar Dale Dye.

Personalmente considero a esta película algo más redonda en su conjunto que "La chaqueta metálica". No quiero decir que sea mejor, sino que su narración está más completada y cerrada. La de Kubrick tiene dos partes muy diferenciadas. La primera parte es magistral, pero su segunda parte no mantiene el mismo nivel. En cambio la de Stone es más homogénea, a pesar de que el climax sea la muerte de Elias, posteriormente vuelve a recuperar el tono con la batalla final. Además, puede afirmarse que "Platoon" tuvo mucha más influencia posterior pues fue la base argumental para la realización de la serie bélica "Camino al infierno", aunque el tema musical de dicha serie,"Paint it black", es de "La chaqueta metálica". Y hablando de bandas sonoras, hay que reconocer el acierto de Stone en su elección del "Adagio para cuerda" de Samuel Barber.

La película también cuenta con una buena cantidad de anécdotas y curiosidades. Por ejemplo, inicialmente no fue Charlie Seen el elegido como protagonista, sino su hermano Emilio Estévez, pero un retraso en el rodaje hizo que Estévez abandonara el proyecto, y entonces el papel fue para Seen. Otra curiosidad sudedió durante el rodaje de la famosa secuencia de la muerte de Elias, que está inspirada en una foto de Art Greenspon. En dicha secuencia debían de explotar una serie de "bolsas de sangre" en el pecho de William Dafoe, pero fallaron todas. Sin embargo, Stone quedó impresionado con la interpretación de Dafoe y decidió no repetir la toma.


Una película esencial.

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jueves, julio 08, 2010

Ha llegado el águila (The Eagle has Landed)


Después de un largo parón, en parte involuntario, volvemos por estos fueros con un título que cierra por ahora el tema de los comandos durante la Segunda Guerra Mundial.

Reconozco que tengo simpatía por "Ha llegado el águila", la última película del director John Sturges ("La gran evasión", "Los siete magníficos"). La recuerdo como una de las primeras veces en las que vi que los soldados alemanes dejaban de ser los típicos "malos". De hecho, precede a "La Cruz de Hierro" en la forma de mostrar la guerra desde el punto de vista del bando alemán (una curiosidad: en ambas películas el protagonista alemán comparte apellido). Su argumento es una adaptación de un best-seller de Jack Higgins, que a su vez estaba basado en una curiosa película de propaganda de 1942 titulada "Went the day well". Higgins completó la trama añadiendo dos nuevos elementos. En primer lugar el rescate de Benito Mussollini realizado por comandos alemanes que se transforma en un intento de secuestro de Winston Churchill. En segundo lugar, utilizar un grupo de condenados a muerte para llevar a cabo tan peligrosa misión. Pero mientras que en "Doce del patíbulo" el grupo está formado por criminales, aquí es un grupo de paracaidistas alemanes anti-nazis castigados por su rebeldía.

Sturges contó con un buen elenco de actores. El trío protagonista esta encabezado por Michael Caine, que interpreta al coronel de paracaidistas Kurt Steiner, un eficiente soldado alemán y convencido anti-nazi que no duda en enfrentarse a sus superiores al intentar evitar un crimen de guerra en una impecable secuencia que transcurre en una estación ferroviaria bajo la nieve. El segundo es Robert Duvall, dando vida al coronel Radl del Abwehr, responsable de diseñar el plan de secuestrar a Churchill. El tercer personaje es Liam Devlin, un miembro del IRA que debía de ser interpretado por el actor irlandés Richard Harris. Pero éste intervino en un mitin pro-IRA en los Estados Unidos y los productores se vieron obligados a sustituirlo tras las numerosas protestas recibidas. El papel recayó entonces en Donald Sutherland. Entre los actores secundarios tenemos a Donald Pleasance que nos regala una inquietante interpretación de Himmler, y a Anthony Quaile dando vida al almirante Canaris. La destacable banda sonora fue compuesta por Lalo Schifrin.

Personalmente, creo que lo mejor de la película es la primera mitad en la que asistimos al diseño de la operación, el reclutamiento de Steiner y sus hombres y cómo se lleva a cabo dicha misión. La segunda parte flojea bastante porque es la convencional película de acción y tiros de los 70. Si uno se fija parece que las metralletas Sten tienen munición infinita. Para empeorar las cosas, meten con calzador el consabido romance entre una bella británica (Jenny Agutter) y el espía del IRA. También incluye una parodia de Patton con el típico imbécil-oficial-yanqui-sediento-de-gloria interpretado por un sobreactuado Larry Hagman (más conocido por JR).

Pero como ya he dicho la película cuenta con bastantes puntos a favor, entre ellos las interpretaciones de sus protagonistas y que resulta bastante entretenida. Mis escenas favoritas son dos: La primera es aquella en que el soldado alemán salva a la niña de la noria, pero él queda atrapado y entonces se descubre el pastel. La segunda es la secuencia final de la lancha varada. Resume perfectamente el sacrificio inutil del comando.

Hay otro curioso aspecto histórico en la película que merece la pena resaltar. La lancha torpedera aliada a la que me he referido antes y que es utilizada por los alemanes como caballo de troya se trata de la MTB-102. Este navío fue utilizado como buque insignia por el contra-almirante Wake-Walker durante la operación Dínamo (la evacuación de Dunkerque) y por Winston Churchill y Eisenhower para pasar revista a la flota para la invasión de Normandía. La nave también aparece en la película "Eric, oficial de la Reina".

Interesante película, injustamente infravalorada.



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domingo, marzo 21, 2010

Malditos Bastardos (Inglourious Basterds)




Cuando escribí mi entrada "Sentirse como un perro verde" aún no se había estrenado la última tarantinada: la película "Malditos Bastardos". Bueno, está claro que me adelanté, porque si uno se mira la lista de enlaces de abajo comprobará que soy uno de los pocos que opina que no es una gran película y mucho menos una obra maestra. Es una fantasmada bélica bastante regularcilla.

Hay veces que vas al cine y al salir te sientes estafado. Esperas una cosa, pagas por ella y después te das cuenta de que te han dado gato por liebre. Con "Malditos Bastardos" no me pasó porque sabía que iba a ver una de Tarantino que era una especie de fábula ambientada en la IIGM y en la que el rigor histórico brillaba por su ausencia (igualito que las de "Rambo" o similares). Esperaba truculencia, sangre con algunas gotas de erotismo y superficialidad absoluta, y es lo que tuve. Me resultó entretenida en líneas generales. Tiene secuencias muy majas como la de la taberna pero también tiene muchos momentos-ladrillo como el del comienzo (sí, la secuencia en la granja me parece lenta y larga). Es cierto que hay veces que la sensación que te produce una película la primera vez que la ves puede cambiar cuando la vuelves a ver una segunda vez. Este no es el caso. La he vuelto a ver recientemente y sigo opinando que es una fantasmada bélica regularcilla, y además demasiado larga.

Si debo decir que hay algo en lo que coincido con muchos de los que han visto esta cinta. Lo mejor que tiene es Christoph Waltz en su papel del coronel Landa. Y tampoco es que sea para tanto, porque al final sobreactúa (¿Un oscar? bueno, si se lo dieron a Pé tampoco tiene que extrañarnos tanto). Ese personaje es lo que salva a está cinta de ser un desastre y que confirma una de las leyes no escritas sobre el séptimo arte: una gran película tiene un gran malvado, pero un gran malvado no hace una gran película.

Este film me ha confirmado que Tarantino sólo sabe hacer una determinada película y que siempre la está repitiendo. La banalización de la violencia puede sorprenderte la primera vez, valorarla la segunda, pero a la tercera vez ya canta (y no digamos a la sexta). Me aburre que copie tanto el estilo de "Spaguetti Western" y lo traslade a cualquier época que se le ocurra (¿lo siguiente que será? ¿La época romana copiando las películas de Maciste?). Y me produce tristeza que utilice trucos para camelarse a la crítica especializada como el continuo uso de "guiños", mejor dicho, "muecas" al cine clásico (atención pregunta: ¿cuántas veces alguien dice el apellido Pabst o Jannings?). El colmo del peloteo es cuando reduce el desarrollo de la IIGM a una mera contienda entre películas de propaganda producidas por los nazis o los aliados y deben de mandar a un crítico de cine como agente secreto al estilo de George Peppard en "Operación Crossbow". ¡Tiembla Hollywood, que viene la UFA!

Y es que si hay algo que sabe hacer bien Tarantino es vender la burra (incluso "Death proof" tiene un 7,2 de nota en la IMDB). En esta ocasión incluso ha conseguido que una estrella como Brad Pitt se convierta en un mero objeto de merchandising. En el cartel de la película es la figura que más destaca e incluso su nombre indica que la cinta está protagonizada por él. Sin embargo su tiempo total de interpretación es muy similar al de Sylvester Groth, el que actor secundario que da vida a Goebbels). Aunque por otra parte me alegro porque lo hace fatal.


En resumen, tras haberla visto dos veces lo que saqué en claro es lo siguiente:


1.- El nazi bueno, es el nazi muerto
2.- Torturar nazis es bueno, es divertido, es deporte y es arte.
3.- Todo alemán es un nazi
4.- Aquel alemán que no sea un nazi es un psicópata y seguramente merece morir.
5.- En caso de duda, aplicar las reglas número 1 y número 2.

Epílogo: Érase una vez un mundo donde los médicos no sabían lás técnicas básicas de la cirugía estética.



Link relacionados. He procurado que salgan todos los comentarios de otras webs amigas, pero es posible que se me haya escapado alguna. Si has hecho una crítica a esta película en tu blog y quieres que aparezca en esta lista basta con que lo indiques en los comentarios:

- Crítica en el blog de Von Kleist
- Crítica en "
El séptimo cielo"
- Crítica en "Cine y política"
- Crítica en "Videa bien"
- Crítica en "
Tengo boca y no puedo gritar"
- Crítica en "
El cine de Hollywood"
- Crítica en "Cine 9009"
- Crítica en "Galax Pictures Blog"



Videos relacionados:
- Trailer
- Hans Landa
- Interrogatorio


domingo, febrero 28, 2010

La guerrilla


"La guerrilla" es la adaptación cinematográfica de la obra de teatro homónima escrita por Azorín. Al parecer éste la escribió con un marcado caracter pacifista y de denuncia de la situación que estaba atravesando España en esos momentos, advirtiendo los males que podrían causar las guerras. La obra se estrenó en enero de 1936 y como la historia posterior demostró, no le hicieron mucho caso.

En 1971, Rafael Gil se planteó el llevarla al cine ya que se cumplía el centenario del nacimiento del escritor. Gil es quizás el único director español que se especializó en la dirección de películas de carácter histórico. Desgraciadamente la calidad de sus producciones no pasa de la mediocridad y "La guerrilla" no es la excepción. Según un estudio crítico conserva varios de los aspectos de la obra original, pero el director también incluyó elementos de cosecha propia. Así, aunque la trama teatral gira en torno al romance entre un oficial francés y una aldeana española, en el film gran parte del protagonismo cae en el personaje de "El Cabrero" interpretado por Francisco Rabal. También modificó el carácter de otros personajes, como el del secretario del ayuntamiento convirtiéndolo en un cobardica (Jose Nieto), o endureciendo el personaje del alcalde (Fernando Sáncho). Pero uno de los grandes errores de esta película es que el romance descansa en las pésimas interpretaciones de Jacques Destoop y "La Pocha", que era la folclórica de turno. Otro gallo hubiera cantado si el papel se lo hubieran dado a la jovencísima Charo López. Y es que Charo se come por completo a "La Pocha" cada vez que salen ambas en pantalla.

Si las interpretaciones de la pareja protagonista hubieran sido el mayor de los problemas la película aún habría tenido un pase. Pero es que el resto es mucho peor. La ambientación es cutre. La escena del combate entre los guerrilleros y las tropas napoleónicas es deleznable. Los mosquetes y trabucos parecen armas de repetición y la secuencia tiene todos los defectos del spaguetti-western más barato. Y lo de los ingleses en calesa por las tierras de España ya es para llorar a moco tendido de lo mal hecho que está. Pero lo realmente insufrible es la banda sonora. No sólo resulta inapropiada sino que además te hace pensar en que el maltrato de la música clásica debería estar castigado por el código penal.

En comparación, cualquier episodio de "Curro Jimenez" parecería una obra maestra de John Huston al lado de este esperpento.


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domingo, febrero 14, 2010

Popioly (Cenizas)



Conocí la existencia de "Popioly" (Cenizas) cuando estaba preparando el comentario de "Pan Tadeusz", otra obra de Andrzej Wajda, y sinceramente no puedo entender porque no es más conocida. Es cierto que no está a la altura de otras de sus obras, pero tampoco me parece que merezca el estatus de obra olvidada que actualmente tiene.


La película está basada en la novela homónima del escritor polaco Stefan Zeromski. Publicada en 1902, fue censurada por los rusos que en esa época ocupaban Polonia. La novela parece tocar varios temas, un canto a la independencia de Polonia, una crítica hacia la burguesía polaca y una muestra de como las guerras pueden acabar no solo con las personas, sino también corromper los más nobles ideales. Wajda decidió llevarla al cine en lo que sería su primera superproducción épica. Según sus propias palabras, la película fue bastante difícil de realizar. La guerra mundial por un lado y la reforma agraria comunista después, habían destruido el paisaje de los terratenientes polacos por lo que todo tuvo que ser recreado. En ese aspecto, la película es sobresaliente. Según su ficha técnica, está rodada en Polonia y en Bulgaria, por lo que sorprende que la recreación del paisaje español, incluyendo la ciudad de Zaragoza, sea tan buena. Pero no todo son parabienes. Con respecto a los actores, en opinión de Wajda, sólo Daniel Olbrychski fue la excepción dentro de un reparto carente de brillantez. Desde mi punto de vista, una gran parte de ellos sobreactúan a la soviética, es decir, ponen cara hierática de héroe de la revolución mientras se enfrentan a su fatídico destino. Pero eso era algo común en las producciones de la época.


Ahí no se acabaron los problemas de la cinta. Las autoridades comunistas acusaron a Wajda de haber realizado una cinta revisionista de la "gloriosa" historia polaca y de haber pervertido la novela original. Y es que había determinadas secuencias que desmontaban el mito de los galantes soldados polacos. Incluso hay una escena de una violación por parte de unos procritos/libertadores. Eso parece que no gustó mucho al público polaco. Wajda se defendió mostrando que los diálogos estaban calcados de la novela pero le sirvió de poco. A pesar de ello también hubo críticas elogiosas en las que se reconocía su valentía por realizar un film en el que sus compatriotas eran mostrados como unos jóvenes "crueles y necios, pero también fieles".


En la secuencia inicial nos trasladamos al año 1798 en plena Campaña de Italia. Al parecer el origen del himno nacional polaco está en una de las canciones de la llamada Legión Polaca, que luchaba junto a los franceses. Son muchos los nobles polacos que para luchar contra la partición de su país se alistaron en los ejércitos de Napoleón, y entre ellos se encontrará Raphael Olbromski (Daniel Olbrychski). A través de sus diversas vivencias realizaremos un recorrido por los diversos acontecimientos de las Guerras Napoleónicas y de los cambios sociales que provocaron en la sociedad rural polaca como fue la desaparición paulatina de los grandes terratenientes, la aparición de una burguesía urbana, e incluso la influencia de la masonería.


Son varios los acontecimientos bélicos recreados en la película. Inicialmente asistiremos a la rendición francesa de Mantua durante la cual el general francés Foisac-Latour llegó a un acuerdo con los austriacos que significó el abandono del contingente polaco para ser tratados por desertores por el ejército austriaco. Napoleón castigó a Foisac-Latour degradándole y expulsándolo del ejército. Las tropas polacas eran conocidas por su espíritu combativo y lucharon junto a los franceses contra las naciones que ocupaban Polonia, sobre todo durante la Guerra de la Quinta Coalición, pero Napoleón decidió usarlas mayoritariamente en acciones y en territorios distintos a su lugar de origen. Así fueron empleadas durante la represión de la rebelión de Haití o en la Guerra de la Independencia Española. Rafael terminará enfrentándose finalmente a una paradoja. Para conseguir satisfacer sus deseos por la independencia de Polonia se ha pasado varios años luchando en tierras extranjeras sojuzgando y reprimiendo esos mismos deseos de independencia de los habitantes de esas tierras. Se ha convertido en aquello contra lo que luchaba: un invasor cruel y despiadado.


Volviendo al tema de las recreaciones bélicas de esta película. Son realmente destacables y merece la pena verlas por el gran despliegue de extras usados. Otra cosa son los planos cortos de lucha cuerpo a cuerpo, que se notan demasiado chapuceros. En lo que respecta a la Guerra de la Quinta coalición, veremos una recreación de la Batalla de Raszyn, en la cual el ejército polaco consiguió detener a un ejército austriaco el doble de grande. En la cinta se nos muestra el momento en el cual los austriacos consiguieron romper el centro de la línea polaca y como estos consiguen estabilizar la situación. Los polacos se vieron obligados a evacuar el campo de batalla, pero los austriacos sufrieron un gran número de bajas. Tres meses después, en junio, los austriacos derrotan al ejército polaco que defendía Sandomierz y es allí donde nos traslada Wajda (un inciso para los frikis de la IIGM, es en esa localidad donde los rusos capturaron un Königstiger). Sin embargo el destino de Austria fue sellado tras su derrota en Wagram.


Pero son las secuencias de episodios de la Guerra de Independencia los más espectaculares. No sólo los figurantes que hacen de españoles hablan español (aunque con acento), es que las construcciones y paisajes parecen españoles. Wajda debió de inspirarse en "La carga de la Brigada Ligera" para recrear la carga de la caballería ligera polaca contra los cañones españoles en Somosierra. De manera correcta, esta vez los jinetes llevan sables en lugar de lanzas y son casi masacrados. Sin embargo comete dos gruesos errores. No se ve un sólo soldado español, todos los españoles son guerrilleros, y la carga se realiza en terreno llano en lugar de cuesta arriba. Pero donde realmente destaca el director polaco es en las escenas del asalto y saqueo durante el Asedio de Zaragoza. No le duelen prendas a Wadja en mostrar con todo detalle las atrocidades cometidas por los soldados polacos, como los fusilamientos de civiles o las violaciones de monjas, ante la indiferencia de sus oficiales. En una determinada secuencia podemos ver a un grupo de soldados polacos realizando una profanación en un altar mientras simultáneamente otro de ellos está rezando a una imagen de la Virgen.


Cuando Raphael vuelve a su Polonia natal está completamente desencantado de sus sueños de gloria, sin embargo volverán a llamarle esta vez para la campaña de Rusia. En un plano bastante similar al que aparece en "Pan Tadeusz" contemplaremos a todo el poderío de los ejércitos napoleónicos marchando hacia Rusia, y tras una elipsis, acabaremos en una secuencia final en la que un Napoleón acomodado en un trineo y escoltado por sus fieles polacos atraviesa a toda prisa la estepa rusa colmada con los restos congelados de su Grande Armée.


Imprescindible para todo aquél que le guste la época napoleónica.



Videos relacionados.

A partir de cualquiera de ellos pueden seguirse los 23 enlaces para ver la película completa, en polaco

viernes, febrero 05, 2010

Los desastres de la guerra



No creo equivocarme si digo que "Los desastres de la guerra" es la mejor adaptación que existe sobre la Guerra de la Independencia. Realizada en el año 1983 por el director Mario Camus, esta coproducción hispano-francesa contó con un presupuesto de 300 millones de pesetas. De nuevo estuvieron muy bien gastados, tanto en vestuario y ambientación, como en el rodaje de escenarios naturales. Muchas de las tomas están hechas en los palacios de La Granja, Riofrío o el Palacio Real. Como guionistas participaron Rafael Azcona, Eduardo Chamorro y Jorge Semprún.


Tomando como base la serie homónima de 82 grabados realizados por el pintor Francisco de Goya, la trama gira en torno a una tétrada de personajes: El Empecinado, el general Leopoldo Hugo, Goya y el rey Jose I. Los dos primeros encarnan el antagonismo de dicha guerra, mientras que los dos últimos serán el contrapunto reflexivo a tanto salvajismo. Alrededor de ellos tendremos a otros personajes históricos como Napoleón, Fernando VII, Murat, Palafox, Wellington, ... En total intervinieron unos 160 actores en distintos papeles. Camus pensó con acierto en Sancho Gracia para que diera vida a Juan Martín El Empecinado. Su fama merecida por "Curro Jiménez" le convenció de que era un valor seguro para asegurar el éxito. Para el papel de Goya contó con Francisco Rabal que en esos momentos estaba volviendo a resurgir como actor de talento. Sin embargo la contrapartida francesa no era de la misma calidad. Los actores de segunda fila Bernard Fresson y Phillipe Rouleau interpretaron al general Leopoldo Hugo y al rey Jose I respectivamente. Sin embargo si me gustaría hacer mención de los actores Pierre Santini que interpreta a Napoleón y de Francisco Cecilio en su papel del Rey Felón. Aunque sean papeles secundarios, no lo hacen nada mal.


Como es de esperar, son varias las secuencias que recrearán algunos de los aguafuertes más famosos realizados por Goya, como por ejemplo las matanzas y represalias francesas, el hambre y la desesperación de los civiles, y por supuesto el descuartizamiento de los franceses capturados por las guerrillas españolas. Hay otras obras menores recreadas como por ejemplo la fabricación de pólvora por la guerrilla.


Salvo por algunas excepciones, Camus evitó representar grandes batallas y de esa forma evitó que el presupuesto se disparara. La mayor parte de las acciones bélicas son emboscadas de los guerrilleros o algunas escaramuzas con los franceses. Los grandes enfrentamientos como Bailén, Medina del Rioseco o Los Arapiles son nombrados para poner en situación a los personajes. En el caso de la Batalla de Vitoria lo que vemos es el paisaje después de la batalla. Las escenas de masas quedan reducidas a las columnas de tropas francesas marchando, el Levantamiento del Dos de Mayo incluyendo La carga de los mamelucos y el asalto al parque de artillería de Monteleón. La única gran batalla que se ve en toda la serie es la Batalla de Somosierra y Camus demostró una gran maestría en su recreación. Los planos generales se rodaron en el mismo lugar y en pleno invierno, por lo que la nieve y la niebla son reales. Y en eso consistió en truco. Aprovechar la niebla para dar sensación de que había más gente de la que realmente vemos en la pantalla. La secuencia de la carga polaca y la desbandada del ejército español dura tan sólo 1 minuto, pero es un ejemplo magistral de como rodar con pocos recursos y sin efectos digitales, tan sólo trucaje artesanal.


La serie también tiene sus "peros" debidos en parte a pagar el peaje de ser una coproducción (los franceses pusieron 148 millones). Aunque es cierto que Wellington y sus muchachos no fueron precisamente un modelo de como debe de comportarse un "ejército libertador", se llega a insinuar que éste intentó traicionar a El Empecinado. Otra cosa curiosa es que no vemos ni una sola violación. Pero a mí lo que más me chirría es la insistencia en hacer ver que los afrancesados y los franceses sólo buscaban el bien y la modernidad de España y para ello no se duda en afirmar en varias ocasiones que la Carta de Bayona fue la primera constitución española y que la Constitución de Cádiz era una simple copia de la primera. Sólo hay que leer el primer artículo de cada una de ellas para darse cuenta de tal falacia.


A pesar de todo, es una de esas obras que deberían de considerarse como material didáctico obligatorio en los institutos, sobre todo la media hora final dedicada al "¡Vivan las caénas!".


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viernes, enero 29, 2010

Goya



Los finales de los 70 y el principio de los 80 fue sin duda la época de oro de las series de la televisión española. Se adaptaron un gran número de clásicos o se llevaron a la pantalla las biografías de varios de nuestros genios. Una de esas biografías televisadas fue "Goya".


Fue una de las series más caras producidas por TVE. Costó 330 millones de pesetas, lo que al cambio actual y considerando la inflación y el cambio de moneda, serían unos 7 millones de euros. Y estuvieron bien gastados. El elenco era de 80 actores de primera fila, gran parte del rodaje se llevó a cabo en los escenarios naturales y la labor de ambientación e investigación histórica fue de calidad. Es uno de los mejores retratos de los sucesos que acontecieron en España entre el final del XVIII y el comienzo del XIX. El único "pero" que tiene esta serie es que el actor que encarna a Francisco de Goya no está a la altura esperada. En mi opinión el nivel de expresividad facial de Enric Majó está por debajo del de Chuck Norris.


Los seis capítulos de una hora de duración recogen bastante bien las distintas etapas de su vida: "La cucaña", "Pintor de Corte", "Cayetana", "La familia de Carlos IV", "Yo lo ví" y "La Quinta del Sordo". Es en los episodios 4º y 5º donde se plasmará la experiencia vivida por Goya durante la Guerra de Independencia. A través de sus ojos veremos el Levantamiento del Dos de Mayo, los efectos del Primer Asedio de Zaragoza, las represalias francesas contra la población civil, los afrancesados, la llegada de Wellington a Madrid y las purgas tras el regreso del Rey Felón.


Como era de esperar la parte más impactante es la dedicada a los terribles acontecimientos que le tocó presenciar y que dieron lugar a la serie de grabados conocidos como "Los desastres de la guerra". Goya plasmó con un realismo como nunca antes se había visto, todas las desgracias y miserias causadas por la guerra y que puede ser trasladado a cualquier otro conflicto de cualquier época. Tal y como se expresa en la serie, las victimas somos todos, sin importar el bando en el que estemos.


Parece mentira que hace veinte años se realizaran series de esa calidad y que ahora se emitan subproductos como "Águila Roja".



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viernes, enero 22, 2010

Sangre de Mayo




Considero que Jose Luis Garci es un gran director. Creo que "El Crack" es una de las diez mejores películas del cine español. Opino que "El abuelo" es una obra maestra. Disfruto viendo "Las verdes praderas" y "Ninette" y defiendo que su oscar por "Volver a empezar" lo tiene bien merecido. Dicho esto, sólo me queda añadir:


¡¡¡¡"Sangre de mayo" es una porquería!!!!


Hace tiempo que en este blog se comentó el bodrio de "La conquista de Albania". Allí decía que si uno quiere hacer una película épica lo que no puede hacer es una película aburrida. Bueno, pues lo que dije en aquella ocasión vale perfectamente para ésta.


Aquí tenemos un nuevo ejemplo de bodrio ambientado en un interesante período histórico. Y como este pestiño repite punto por punto los mismos defectos que la anterior pues voy a usar partes de la crítica que hice para aquella pero adaptada a ésta.


Se supone que la película intenta reflejar una gran gesta "nacional" y además adaptándo dos novelas de Benito Pérez Galdós: "La corte de Carlos IV" y "El 19 de marzo y el 2 de mayo". La Comunidad de Madrid puso 15 millones de euros de los impuestos de los contribuyentes para financiar la producción. La recaudación no llegó siquiera a los 800.000 euros. Un auténtico fiasco.


Lo único salvable es la ambientación y vestuario aunque tengan aire de teleserie. En cuanto al rigor histórico de la película es el mismo que tiene Caperucita roja. Pero ¡¿de dónde se ha sacado Garci lo de las banderas rojigualdas en el 2 de mayo?! Encima es lenta y pretenciosa, con lo que se hace verdaderamente aburrida. Los diálogos son eternos y soporíferos. Los constantes fundidos en negro para cambiar de escena hastían. Y los ¿actores?, quitando a Larrañaga y algún otro, brillan por su ausencia (me niego a considerar como actores a Quim Gutierrez y a Paula Echevarría).


Si todo lo anterior fue malo, el final es absolutamente defraudante. Después de más de dos horas de aburrimiento uno espera ver el levantamiento del 2 de Mayo y se encuentra una especie de representación de fiesta local digna de una pedanía de Villatripas de Arriba. Garci intentó justificarse diciendo que no había tenido presupuesto suficiente para representar la revuelta. Una patética excusa si tenemos en cuenta que la película "El Hundimiento" costó 13 millones y medio de euros y se reflejó la caída de Berlín durante el mes de abril de 1945 de forma más que sobresaliente.


Pero lo peor es que me ha demostrado que hasta una persona como Garci tiene un precio por haberse rebajado a hacer este engendro encargado por el político de turno. ¡Coño Garci! Eso no se hace.



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jueves, enero 22, 2009

Espía por mandato (The Counterfeit Traitor)



"Espía por mandato" es una notable película de espías de principios de los 60. Reconozco que me gusta más el título en español que el original (El falso traidor sería una posible traducción). porque el protagonista es obligado a trabajar para los aliados. Inicialmente no lo hace por convicciones morales o por ningún sentido del deber. Lo hace por negocios.


William Holden protagonizó esta cinta sobre la vida de Eric Erickson, un sueco-americano que espío la capacidad de producción de petróleo sintético alemana durante la IIGM. El verdadero Erickson se ofreció voluntariamente a la OSS norteamericana y llegó a visitar Alemania unas 30 veces entre 1939 y 1945. Sin embargo en la película el personaje de Holden es mucho más reluctante por lo que el servicio británico le "persuade" bajo amenaza de destruir sus negocios si no colabora. A destacar el actor secundario Hugh Griffith (el jeque árabe de "Ben-Hur") que interpreta al cínico Collins, miembro del servicio secreto británico que reclutará a Erickson. Es antológica su respuesta a la pregunta que le lanza Holden sobre la falta de escrúpulos que demuestra- Ver Londrés en llamas por las bombas alemanas ayuda muchísmo.


Para llevar a cabo su tarea Holden debe de transformarse en un simpatizante nazi, aunque eso le costará su matrimonio y sus amistades, incluida la de su mejor amigo que es de origen judío. Una vez en Alemania se encontrará con su contacto, Marianne (una gran Lilly Palmer) una mujer con un profundo sentido religioso y moral sobre lo que es el bien y el mal. Gracias a ella el personaje de Erickson sufrirá un cambio y se dará cuenta de que su deber es luchar para acabar con los nazis. Creo que la evolución de los personajes queda perfectamente resumida en el diálogo entre el Barón Gerhard y Erickson: -Es extraño, puedes leer sobre cientos de atrocidades, oir sobre millares, pero basta ver solo "una"- para que él se convierta en tu hermano.


Lo mejor de la película es que no se limita a ser una intriga de espías. Intenta profundizar en la psicología de los personajes y en sus motivaciones. Collins por ejemplo está chantajeando a un ciudadano de un país neutral y se nota que no dudaría en destruirle. Eso es algo que uno esperaría de un nazi, no de un agente aliado. Por eso Holden no ve tanta diferencia entre unos y otros al principio. Luego gracias a Marianne y a otros resistentes descubrirá que los dos bandos no son iguales. Que su labor probablemente signifique la muerte de inocentes, pero que seguramente acortará la guerra y la matanza. Y que sus negocios no significan nada mientras que su conciencia lo es todo.


La producción tiene una forma bastante curiosa de representar el mal que significaba el régimen nazi y es en el personaje del niño repelente de las juventudes hitlerianas (Helo Gutschwager). Todo un ejemplo de lo que puede llegar a hacer un regimen totalitario con una mente inocente. Otro momento en que se nos muestra el grado de perversión del nazismo es en la escena del confesionario.


Un aspecto singular de este film es que gran parte del mismo fue grabada en los escenarios históricos como es la carcel de Berlin Moabit. Y como dato curioso es que volvemos a ver a Klaus Kinski, en un papel totalmente opuesto al que realizó en "Tiempo de amar, tiempo de morir". En esta es un judío que intenta escapar de los nazis. Es una gran película y mi secuencia favorita de ella es la final, cuando vemos quien recibe a Erickson después de haber terminado su odisea. Todo un canto a la amistad.


Grandes actores, grandes interpretaciones, gran historia, gran película.






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viernes, octubre 24, 2008

Oh, Jerusalén (O Jerusalem)



Cuando escuché que se iba a llevar al cine el libro "Oh, Jerusalén" de Dominique Lapierre y Larry Collins lo primero que pensé es - ¡Ya era hora! -. Dicha historia es uno de mis libros favoritos e ingenuamente pensé que, tras lo que habían demostrado Peter Jackson con "El señor de los anillos" y Spielberg con "Salvar al Soldado Ryan", podía conseguirse una adaptación decente de dicha obra que superase a la de "Éxodo". ¡Qué equivocado estaba!


Inicialmente fuí optimista. Iba a ser dirigida por Elie Chouraqui, director de la notable "Las flores de Harrison". Entre los protagonistas iba a estar Wynona Ryder y Ian Holm interpretaría a David Ben Gurion. Adicionalmente iba a ser una gran superproducción europea. Pero poco a poco, el globo se fue desinflando. La Wynona se cayó del proyecto, y lo que iba a ser una gran superproducción se quedó en producción franco-italiana de serie B obligada a contratar a actores desconocidos y utilizar a famosos de series de TV yanquis para que hicieran los cameos de personajes históricos.


La película "Oh, Jerusalén" es mala, pero lo peor que tiene es que es una estafa. Es una estafa porque utiliza la obra de Lapierre y Collins como cebo, cuando lo único que tienen en común es que ambas están ambientadas en el mismo período histórico. En todo lo demás se parecen como un huevo a una castaña.


El libro "Oh, Jerusalén" es una gran mosaico de historias de personajes reales que forman entre ellos la crónica de la Guerra de la Independencia de Israel de 1948. Algunos son famosos como David Ben Gurion, Golda Meir, Abdhel Khader o el Mufti de Jerusalén. Otros anónimos como Moshe Ben David o Alia Darwish. Durante cinco años los autores fueron recogiendo testimonios de lo más diverso. El libro consigue ser bastante neutral porque recoge los testimonios de todas las partes implicadas en aquella tragedia: judíos, árabes, ingleses, cristianos, europeos, norteamericanos, etc. Lapierre y Collins intentaron no omitir nada. Así describieron los sangrientos atentados como el del "Hotel Semiramis", realizado por los judíos; o el de la calle Ben Yehuda, causado por los árabes. También relataron la matanza de Deir Yassin (aunque ahora se sabe que fue exagerada) o la masacre del convoy del hospital de la Hadassah. Hubo críticas acusando al libro de prosionista y otras de proárabe, pero fueron más numerosos los elogios.


Desgraciadamente Chouraqui confunde "neutralidad" con "corrección política" y en su película busca molestar lo menos posible a las partes (los subtítulos indicando las fechas salen en tres idiomas: hebreo, árabe e inglés). Así que si uno esperaba que Chouraqui nos iba a mostrar una pequeña parte del drama histórico que supuso la lucha entre árabes e israelíes por la Ciudad Santa se va a llevar una decepción. La película es algo parecido a una colección de los clichés de cualquier culebrón televisivo barato con la diferencia de que alguno de los protagonistas llevan turbante en lugar de sombrero vaquero.


Para empezar sus protagonistas principales son fictícios, y para colmo, increíbles. Un árabe y un judío neoyorquinos que se hacen amigos cuando uno casi atropella al otro y que se van a Palestina a luchar por sus respectivos pueblos. Como era de esperar se encontrarán en sucesivas ocasiones en medio de los combates, y ambos sufrirán devastadoras pérdidas personales. Pero su amistad será más fuerte que su odio ¡Qué bonito! (música de violines al fondo, por cierto la banda sonora es bastante mala). Si alguien cree que le he estropeado el final de la película y que ya no la va a ver puedo asegurarle que me lo agradecerá. No habrá malgastado 100 minutos de su vida. Si no me hace caso, probablemente le parecerán 200 minutos los malgastados.


Es cierto que la película recoge algunos momentos destacados del asedio de Jerusalén como la ya mencionada masacre de Deir Yassin, los atentados en la ciudad o el primer asalto a Latrun. Pero la forma de rodarlos no es nada sobresaliente y puede decirse que están mucho mejor realizados los de las películas que la precedieron como "Éxodo" o "La sombra de un gigante". De hecho, Chouraqui no tiene ningún empacho en utilizar un montón de material de archivos documentales. Uno podría pensar que buscaba dar realismo a la cinta, pero yo me inclino más por la opción de que no tenía mucho dinero que gastar.


Y ni siquiera está rodada en Israel, sino en Rodas. Nada recomendable si uno ha leído el libro.


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Comentario en el Blog de Ramón Ramos



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lunes, julio 14, 2008

Paisà




"Paisà" es la segunda película de la trilogía neorrealista de Rossellini. Se trata de una película atípica en el cine bélico pues está compuesta de diversos historias sobre las relaciones entre los seres humanos envueltos en una guerra con el nexo común de que están ambientadas en la Italia de la Segunda Guerra Mundial. Entre episodio y episodio, Rossellini aprovecha para situarnos en el contexto histórico utilizando material de noticiarios y documentales.


Lo más destacable de esta cinta es que los seis capítulos componen un buen cuadro de casi toda la campaña italiana, desde 1943 hasta el invierno de 1944. Pero, al igual que en "Roma, ciudad abierta", Rossellini prefiere mostrar los terribles acontecimientos que se dieron en dicha campaña a través de historias centradas en diversos individuos anónimos que participaron en las mismas. Asimismo, vuelve a usar las devastadas ciudades como escenarios de la acción y a utilizar un reparto completo de actores no profesionales. En muchos casos, dichos actores representaban los mismos papeles que habían interpretado en la vida real, es decir, eran civiles italianos, soldados americanos o soldados alemanes.


La primera historia está ambientada en el desembarco en Sicilia ocurrido en julio de 1943. Una patrulla americana llega a un pueblo y solicita que la ayuda de los paisanos para descubrir las posiciones alemanas. Una chica les ayudará y establecerá una amistad con uno de los soldados. A pesar de la diferencia de idioma entre ellos surgirá un atisbo de romance.


La segunda historia transcurre en el Nápoles ocupado tras la operación Avalancha. Un pequeño truhán ayuda a un soldado negro totalmente borracho y evita que sea desvalijado (una historia parecida también está recogida en la novela "La piel" de Curzio Malaparte), pero por su ayuda decide "tomar prestadas" las botas del soldado. El soldado negro es un policía militar y al día siguiente se encontrará con el pilluelo. Al tratar de recuperar su calzado descubrirá las condiciones de miseria en las que vivían los civiles napolitanos. Personalmente este es el episodio que más me gusta.


La tercera historia nos muestra la ciudad de Roma seis meses después de su liberación. Las calles están llenas de prostitutas y soldados aliados borrachos. Al escapar de una redada una de estas se junta con un soldado ebrio y se lo lleva a su habitación. Allí descubrirá que ambos se conocieron el 4 de junio de 1944, cuando Roma fue liberada y las cosas eran muy distintas.


La cuarta historia nos lleva a las luchas entre partisanos ocurridas en la ciudad de Florencia. Una enfermera americana tratará de encontrar a su amante, un líder partisano, en medio de dicho combate. Ante el avance aliado los partisanos se levantaron y los combates se iniciaron el 5 de agosto. El 11 de agosto de 1944, los alemanes evacuaron Florencia tras declararla "ciudad abierta". Destruyeron todos los puentes sobre el Arno pero respetaron el Ponte Vecchio por orden del propio Hitler. En el episodio se hace referencia a la línea telefónica dispuesta por los partisanos entre las riberas del Arno y que permitió mantener las comunicaciones. Tras la retirada alemana, algunos francotiradores fascistas intentaron una resistencia desesperada.


La quinta nos traslada a un monasterio franciscano en medio de los Apeninos. Este monasterio no ha sufrido ningún daño pues afortunadamente no dominaba ningún punto estratégico y los contendientes no se lo han disputado. A dicho monasterio llegarán tres capellanes castrenses norteamericanos: un sacerdote católico, un pastor protestante y un rabino judío. Una curiosidad de este episodio es que los frailes eran frailes franciscanos auténticos.


Finalmente, la sexta historia se desarrolla en el invierno de 1944 en las marismas del Po cercanas a Venecia. Miembros de la OSS entrenan a guerrillas partisanas para combatir a los alemanes e intentar rescatar a pilotos aliados derribados. Se nos muestran las terribles represalias de los alemanes contra los partisanos y contra los civiles que les apoyaban. Hay una escena que resaltar hacia el final cuando un fanático oficial alemán todavía está convencido de la victoria final y suelta el discurso del "Reich de los mil años", aunque para eso haya que destruirlo todo. Justo antes de proceder a la ejecución de los partisanos.


En el aspecto histórico la película tiene sus fallos aunque menores. Por ejemplo, el soldado negro de la tercera historia no podía ser un policía militar. Si no estoy equivocado la única unidad de infantería de combate con soldados negros era la División 92 (los famosos Buffalo Soldiers), y esta no llegó a Italia hasta el 30 de julio de 1944. Esta división si tenía su propio destacamento de policía militar. El resto de soldados negros que había en Italia eran utilizados en servicios como suministros o construcciones, pero no en labores de policía militar.


Pero creo que tiene más aciertos que fallos. El episodio de Florencia está basado en la muerte de Aligi Balducci, el jefe de la agrupación partisana "Arno" y se critica la pasividad aliada en ayudar a los partisanos que combatían en la ciudad. Así vemos a dos oficiales británicos que parecen estar tomando el té y disfrutando de las vistas de la ciudad. No está muy claro porque los británicos esperaron hasta el 13 de agosto para entrar en Florencia, cruzar el Arno y atacar a los alemanes en retirada. Pero hay que recordar que los británicos eran en extremo cautelosos. En ese episodio hay que destacar la escena de la ejecución de los francotiradores fascistas por su crudeza.


Personalmente creo que es una buena película. Quizás si hubiera tenido a grandes actores en el reparto habría sido más famosa. Siendo sinceros, las interpretaciones dejan bastante que desear, y eso daña el aspecto dramático de las historias. Asimismo, algunas de dichas historias no terminan de tener un argumento redondo, parecen inacabadas. Un poco más de pulido en el guión habría estado muy bien. Pero yo la destacaría porque Rossellini consigue transmitir ese "realismo" mucho mejor que en otras de sus producciones más famosas.

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Comentario de Von Kleist

Las enfermeras en el cine de guerra

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