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El blog no está muerto pero como podéis comprobar no puedo dedicarle el tiempo que necesita. Si alguien quiere una breve explicación del parón la encontrará aquí. Iré publicando películas y contestando a los comentarios poco a poco. Gracias por vuestra paciencia, atención e interés.

Actualmente hay 269 películas comentadas

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martes, septiembre 16, 2008

Gallipoli



"Gallipoli" fue la película que dio fama mundial al director Peter Weir y consagró como estrella a Mel Gibson. El film seguía la estela de "Breaker Morant" incidiendo en el tema de poner en tela de juicio las relaciones entre Australia y el Imperio Británico. Pero la superó con creces en éxito y fama.

El título de la película es el de la península turca donde tuvo lugar una de las más grandes derrotas del Imperio Británico. La campaña de Gallipoli o de los Dardanelos fue larga y muy sangrienta. Se extendió desde marzo de 1915 hasta enero de 1916 y se contaron más de medio millón de bajas entre ambos bandos. Es la sexta batalla con más bajas de toda la Primera Guerra Mundial.

La cinta sólo se centra en la participación australiana, Así que se obvia por completo el porqué de dicha batalla y su desarrollo. Pero tiene su lógica. Weir intenta hacernos ver desde el principio que los australianos tampoco tenían mucha idea de porque iban a luchar y morir en un lugar tan lejano a su tierra. Fue una superproducción que pudo llevarse a cabo gracias al magnate Rupert Murdoch. El padre de Murdoch había sido un periodista que había cubierto dicha batalla.


La campaña de Gallipoli comenzó con una idea de Winston Churchill, que en esa época era Lord del Almirantazgo, para abrir una ruta que conectase a Francia e Inglaterra con Rusia. Churchill creyó los informes del futuro Lawrence de Arabia sobre la debilidad de las fuerzas turcas en la zona. Así que mandó una flota de obsoletos acorazados para forzar el paso a través del estrecho de los Dardanelos y amenazar Estambul. A la operación se unieron los franceses. Si la operación tenía éxito podrían incluso sacar a Turquía de la guerra, Lawrence tenía razón en una cosa, las fuerzas turcas eran escasas pero eran suficientes para manejar los cañones que guardaban el estrecho. La operación naval fue un desastre, llegando a perder los aliados hasta 6 acorazados.


El secretario de guerra, Lord Kitchener, razonó que si el problema eran las fortificaciones turcas lo que había que hacer era tomarlas pero asaltándolas desde el otro lado. Una idea que luego repetirían los japoneses en Singapur. Lo malo es que el ataque naval había puesto a los turcos sobre aviso de las intenciones aliadas, así que inmediatamente comenzaron a reforzar la península con unidades de infantería.


El 25 de abril comenzaron los desembarcos. Pero entre que los turcos estaban preparados y que los mapas aliados eran completamente erróneos, -la península de Gallipoli aparecía como terreno llano en lugar de montañoso -, las fuerzas aliadas fueron bloqueadas en las playas. Una gran parte de dichas fuerzas era el ANZAC, y su participación en dicha batalla marcó el nacimiento de la conciencia nacional de Australia y Nueva Zelanda (el 25 de abril es el ANZAC's day).


Pero los aliados no se dieron por vencidos. Cometieron el tremendo error de subestimar al ejército turco. No se dieron cuenta de que estaban invadiendo suelo turco y que iban a luchar con mucha mayor desesperación que ellos. No en vano, allí nació la figura política de Ataturk, considerado el padre de la Turquía moderna. Así que siguieron enviando tropas y tropas confiando en que en algún momento serían capaces de romper la resistencia turca. No lo consiguieron. El 9 de enero de 1916 evacuaron las playas. Winston Churchill fue forzado a abandonar el Almirantazgo y se creía que su carrera política había acabado.


En la película de Peter Weir desde el principio se nos deja claro que la guerra europea es un asunto lejano. Algunos australianos, como el joven Archy interpretado por Mark Lee, creen que deben de ir a luchar para cumplir su deber como miembros del Imperio Británico. Archy es un prometedor atleta pero está ansioso de aventura y de conocer el mundo. En una carrera conoce a Frank (Mel Gibson) que representa a los australianos que sienten que dicha guerra es algo que no tiene nada que ver con Australia y que si los europeos se quieren matar entre ellos es su problema.


Debido a su juventud Archy no puede alistarse en la Caballería Ligera (eso es un error, a los 18 años se podía uno alistar en Australia). Pero junto con Frank comienza un viaje a la ciudad de Perth para alistarse pues allí nadie le conoce. En el camino se ven obligados a cruzar 50 millas de desierto y es así como forjaran una amistad. Es precisamente esa amistad la que finalmente hará que el escéptico Frank acabe alistándose en la infantería para luchar en una guerra que no le importa.


La segunda parte de la película nos muestra la perdida de la inocencia de los protagonistas narrándonos el adiestramiento del ANZAC en Egipto. Weir nos muestra de forma bastante realista la vida en aquellas condiciones: la instrucción, los juegos de rugby, el abierto desprecio hacia los mandos británicos, los burdeles. Allí Frank y Archy vuelven a encontrarse y su amistad queda revalidada en las cámaras con su simbólica ascensión a las pirámides para grabar sus nombres al lado de los grafitis dejados por otros soldados en otros tiempos.


La tercera parte se dedica a la batalla de Gallipoli y culmina con la fatídica carga de dos regimientos de la 3ª Brigada de Caballería Ligera en la batalla de Nek. Weir nuevamente vuelve a hacer un ejercicio de virtuosismo histórico. La recreación de las trincheras de Gallipoli son realmente buenas teniendo en cuenta que los decorados fueron establecidos en Port Lincoln, Australia. Se realizó un gran trabajo de documentación que luego fue plasmado en algunas secuencias del film como por ejemplo la escena del francotirador ayudado con un periscopio. Incluso el personaje de Archy está basado al parecer en uno de los soldados que participaron en dicha batalla. Se trataba de Wilfred Harper que fue visto por última vez corriendo hacia las trincheras turcas como si estuviera en una carrera.

Aunque la cinta tiene su propia banda sonora compuesta por Brian May, los temas musicales más recordados son algunos extractos del album Oxígeno de Jean Micheal Jarre y el Adagio de Albinoni. El primero fue utilizado en los momentos en que los protagonistas están corriendo o marchando por el desierto. Sin embargo, el tema más conocido de dicho albúm no fue utilizado en la película. Para los títulos de crédito iniciales y finales, además de los momentos más oscuros y tristes, Weir utilizó el Adagio.

En el aspecto histórico, "Gallipoli" fue criticada por ser algo antibritánica. De hecho en la película, la orden de la carga suicida de la 3ª brigada parece que está dicha por un inflexible oficial británico, aunque en realidad, tanto el plan como las órdenes fueron responsabilidad de oficiales australianos. Otra muestra de "antibritanismo" es cuando se hace referencia a los desembarcos de la bahía de Suvla diciendo que "están parados tomando el té" cuando en realidad fue una lucha tan sangrienta como la de Nek. Que hubieran dicho en aquellos tiempos si hubieran visto "Braveheart".


Personalmente, lo que más me gusta de esta película es como va cambiando su tono a lo largo de su duración. Comienza como si fuera una especie de comedia, y poco a poco te va sumergiendo en el drama y la desolación de la guerra. Hasta que te deja sin palabras en su último fotograma.


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domingo, septiembre 07, 2008

Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia)




Seguramente "Lawrence de Arabia" es la película ambientada en la Primera Guerra Mundial mejor conocida por el gran público.


Thomas Edward Lawrence era un arqueólogo que conocía bastante bien la zona de Oriente Medio. Al estallar la guerra fue reclutado y enviado al servicio de inteligencia de las fuerzas británicas que luchaban en el frente de Oriente Medio. Allí, el llamado Bureau Árabe del Foreign Office había diseñado una estrategia para ocupar a las fuerzas otomanas en la región. Emplear fondos en originar y mantener lo que sería conocido como Revuelta Árabe, esperando que por cada libra gastada, unas 200.000 al mes, los turcos tuvieran que gastar 10 veces más en recursos y hombres para pacificar la zona. La estrategia fue un completo éxito y causó innumerables problemas a los turcos. Lawrence fue enviado para la coordinación de dicha revuelta con la estrategia ofensiva de las fuerzas británicas alcanzando cierta fama y prestigio en su país. Llegó participar en la Conferencia de Paris dentro de la delegación del rey Faisal.


Tras la guerra, Lawrence decidió publicar sus memorias, pero probablemente no habría pasado de ser una nota interesante en los libros de Historia si no hubiera sido por el estreno en 1920, de la película "With Allenby in Palestine and Lawrence in Arabia". Dicha producción había sido realizada a partir del material recopilado por el periodista norteamericano Lowell Thomas cuando en 1918 acompañó a las fuerzas árabes dirigidas por Lawrence. La película fue un completo éxito y Lawrence la apoyó porque dio una gran publicidad a su libro autobiográfico, "Los siete pilares de la sabiduría". Incluso llegó a posar en un estudio de Londres con sus vestimentas árabes para obtener nuevas fotografías publicitarias. Su fama fue tal que Winston Churchill le tomo como consejero de asuntos árabes en la Oficina Colonial. Con el tiempo Lawrence se enemistaría con Thomas llegando a decir que nunca le había gustado dicha película y que consideraba a Thomas como un hombre vulgar que se había aprovechado de su imagen. Thomas en cambio nunca dejo de defenderle y admirarle.


Tras su muerte en 1935 hubo algunos intentos de llevar su historia a la pantalla. El más serio fue el de Alexander Korda en 1940 con Laurence Olivier en el papel protagonista. Pero su hermano A.W. Lawrence había heredado los derechos de sus obras y se negó persistentemente en dejar que se realizase ninguna película basada en la vida de su hermano, principalmente por el turbio asunto de la homosexualidad y el masoquismo confeso de Lawrence. Y así fue hasta 1960.


En esos años el proceso de descolonización estaba en pleno auge. Tras el éxito de "El puente sobre el río Kwai", el avispado productor Sam Spiegel y el director David Lean habían decidido embarcarse en un proyecto sobre la vida de "Gandhi", pero fue abandonado por considerarse inviable. Spiegel y Lean decidieron entonces cambiar de objetivo y como la crisis de Suez estaba aún reciente había un renovado interés en la historia de los países árabes. Así que pensaron en llevar a la pantalla la biografía de T.E. Lawrence.


Spiegel comenzó a moverse inmediatamente para evitar que su proyecto fuera "robado" por otra compañía rival y se realizara una versión de bajo presupuesto. Compró los derechos de autor de cualquier obra sobre Lawrence que había sido publicada hasta la fecha, incluyendo el libro de Lowell Thomas sobre la revuelta árabe. También intentó que la obra de teatro "Ross", que trataba la homosexualidad de Lawrence y que estaba protagonizada por Alec Guinness, fuera retirada de los carteles londinenses, aunque no lo consiguió. Paradójicamente, la obra clave del proyecto eran "Los siete pilares", pero el hermano no parecía dispuesto a ceder los derechos. Al final Spiegel logró convencerle con 25.000 libras asegurándole que se le dejaría revisar el guión y que el tema de la homosexualidad de Lawrence sería tratada de forma muy sutil. Posteriormente el hermano no quedó satisfecho con el resultado y denunció que "ese no era su hermano".


Antes incluso de haber comprado los derechos se comenzaron a buscar los exteriores, aunque Lean tenía claro que la parte del león debería de ser realizada en el desierto de Jordania sin importar los gastos. Pero el dinero no iba a ser el único problema. Como productor, Spiegel quería estar en el lugar del rodaje. Pero Jordania es un país árabe que en esa época estaba en "alto en fuego" con el estado de Israel y Spiegel era judío. Se llegó a contratar a un diplomático británico a tiempo completo para tratar el asunto. Sin embargo parece ser que el propio Spiegel fue el que resolvió la situación. Viviría en su lujoso yate que permanecería anclado en el puerto de Aqaba.


Otro problema fue el reparto, sobre todo quien iba a interpretar a Lawrence. Alec Guinness fue descartado por su edad, pero se le dio el papel de Faisal. Spiegel anunció que iba a ser Marlon Brando, pero Lean se negó a que un norteamericano interpretase a un héroe británico. El propio Brando resolvió la disputa al aceptar el papel protagonista de "Motín a bordo". El siguiente en la lista fue Albert Finney. Realizó unas pruebas que están consideradas como increíblemente buenas, pero cuando se le ofreció el contrato lo rechazó en plan divo diciendo que esa superproducción podía destruir al actor que interpretase al protagonista. Así que medio a la desesperada se hizo una prueba a un actor teatral con fama de juerguista y mujeriego llamado Peter O'Toole. Éste se preparó a conciencia para la prueba pues comprendió que era una oportunidad única. Tuvo éxito y solo le pusieron una condición para darle el papel. Debía de operarse la nariz.


El 15 de mayo de 1961 comenzó el rodaje en Jordania. Lean se tomó el rodaje como una auténtica operación militar y se llegó a construir una pequeña ciudad para alojar al equipo de realización. O'Toole tuvo que aprender a montar a camello y para no acabar con un "bloody irish ass" se puso gomaespuma debajo. El invento tuvo tal éxito que ahora todos los camelleros lo usan. O'Toole aguantó todo lo que Lean le echaba. Incluso le obligó a permanecer con los ojos abiertos sin pestañear en la escena de la tormenta de arena. Durante el rodaje en Jordania el actor que debía de interpretar a Sherif Ali fue sustituido por un actor egipcio desconocido llamado Omar Shariff. También se le impuso una condición para darle dicho papel. Debía de extirparse un lunar de la cara. Mi escena favorita de la película es precisamente la aparición de Omar Shariff. Su lenta y fantasmagórica aparición en el horizonte, la inesperada muerte que causa, el aparente capricho y crueldad de sus decisiones.

Guinnes y Quinn también participaron en el rodaje de Jordania. Quinn, uno de los actores más polifacéticos que han existido, debía de interpretar a Auda abu Tayi, el líder de los Howeitas. Y su entrada fue sonada. Se hizo maquillar antes de entrar en el campamento y cuando los beduinos le vieron aparecer comenzaron a gritar: -¡Auda! ¡Auda! - y a seguirle. David Lean vio la escena y dijo: -Rescindir el contrato de Quinn. Quiero a ese árabe.


Las escenas de la toma de Aqaba, los asaltos a los trenes y todas las escenas ambientadas en El Cairo, Jerusalén y Damasco están grabadas en España. En Sevilla se grabaron la mayor parte de las escenas urbanas, mientras que en Almeria se realizaron las tomas de las batallas. En la primera toma de la entrada triunfal de Allenby la multitud no mostraba mucho entusiasmo. Pedro Vidal, uno de los asistentes españoles tuvo una idea genial. Dijo que quien estaba entrando era el torero Antonio Ordoñez . Los soldados españoles interpretaron a los soldados ingleses avanzando hacia Damasco. Para la famosa escena de Aqaba se reconstruyó la ciudad en un abanico fluvial del cauce seco del río Alias, al norte de Carboneras en Almería. Era una serie de fachadas falsas y la toma requirió la participación de 150 camellos y 450 caballos. Fue un espectáculo grandioso y la expectación fue tal que al lugar llegaron aldeanos desde pueblos situados a 100 km de distancia. Sin embargo, la participación española más reconocible es la del actor Fernando Sancho como malvado sargento turco.

Después de España, el rodaje se continuó en Marruecos. Allí se grabó la escena de la masacre de Tafas en un páramo desértico y gris. En principio iba a ser mucho más larga pero los soldados marroquíes exigieron más dinero y Lean decidió acortarla.


En líneas generales la película intenta mostrar los hechos históricos pero los impregna de una gran dosis de romanticismo. Al parecer, el primer guión escrito por Michael Wilson era mucho más fiel a los sucesos que se dieron. Pero Spiegel y Lean coincidieron en que querían filmar una aventura épica, no un documental. El trabajo de reescribirlo se le encargó Robert Bolt y éste decidió algo fundamental. Escribió un guión que mostrase lo que Lawrence le hubiera gustado que fuera, no lo que fue. Así, se exagera el número de deserciones de su ejército para realzar su obstinación en continuar la lucha. La desunión árabe que se nos muestra no sucedió así. Faisal fue expulsado de Siria por los franceses en 1920 y coronado rey de Irak por los ingleses en 1921. Tampoco está claro que fuera azotado y sodomizado en Deera por el general turco Hajim Bey. Después de la guerra Hajim Bey tuvo una vida normal y nunca fue acusado de nada por los británicos. Adicionalmente, se sabe que Lawrence se inventaba muchas cosas y en sus diarios de campaña, la semana en la que se supone que sucedió dicha violación fueron arrancadas.


"Lawrence de Arabia" fue todo un éxito de crítica y público. David Lean había tratado de emular al maestro John Ford de "Centauros del desierto" y había conseguido a su vez alzarse como un nuevo maestro. Su influencia puede verse en producciones posteriores y tan dispares como "La guerra de las galaxias" o "Grupo salvaje". Ganó siete oscars, incluyendo el de mejor película, director y banda sonora (inolvidable tema de Maurice Jarre), pero O'Toole y Shariff se quedaron sin sus oscars.


Una producción digna de la épica del personaje a la que estaba dedicada.

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Hilo de discusión en el Foro Primera Guerra Mundial
Comentario de Poilu en su Blog sobre la Gran Guerra

lunes, septiembre 01, 2008

La patrulla perdida (The Lost Patrol)

origen de la imagen


Ya estamos de vuelta de las vacaciones y primeramente me gustaría agradecer a todos los asiduos del blog sus mensajes. Una vez dicho esto y ya que estamos con la arena de la playa aun entre las ropas nada mejor que este título para continuar con la ambientación.


"La patrulla perdida" es un remake sonoro de una película muda británica del mismo título (y que no he visto) realizada en 1929. La historia está basada en una novela escrita por Philip MacDonald, un veterano de la Primera Guerra Mundial que luchó en la campaña de Mesopotamia. Dicha campaña es bastante poco conocida, en mi opinión por dos motivos. El primero es que los contingentes no eran muy numerosos y se luchaba en una zona lejana y árida. El segundo es que inicialmente fue un desastre para los británicos y que engloba a una de las mayores meteduras de pata militares de aquel país: el asedio de Kut.


"La patrulla perdida" está ambientada en la campaña del año 1917 cuando los británicos contraatacaron y recuperaron el terreno perdido. Sin embargo tanto los británicos como los turcos no sólo luchaban entre si, sino también contra las numerosas tribus árabes que hostigaban a los contendientes para saquearlos. La trama es bastante simple, y recuerda mucho a las de otras producciones, bélicas y no bélicas, pasadas y actuales. Un pequeño grupo de soldados británicos queda atrapado en un oasis rodeado de saqueadores árabes. No me extraña que Ford decidiera dirigir este remake, si cambiamos "oasis" por "fuerte" y a los "árabes" por "pieles rojas", tenemos la típica producción del Far West.


Hay varias cosas que destacan en esta película. En primer lugar su corta duración: 65 minutos. En segundo lugar, que no está protagonizada por grandes estrellas. Boris Karloff es el más famoso de todos que da vida al fanático religioso que acaba desquiciado. El otro protagonista es Victor McLaglen, un habitual de las producciones de Ford y que interpretaría al inolvidable y terco Will Danaher en "El hombre tranquilo". En esta cinta es "el sargento", un veterano que quedará al mando de la patrulla tras perder a su oficial. La tercera es su añeja incorrección política. Los árabes no debían de caerle muy bien a Ford y al guionista porque cuando se refieren a ellos lo hacen siempre de forma despectiva y hasta en un determinado momento uno de los personajes dice que "acabar con ellos" es una de las cosas placenteras de la vida en las que cree.


Ford supo sacar partido a su maestría en el rodaje de paisajes, en este caso las grandes extensiones del desierto, marcando los contrastes entre las diminutas figuras oscuras de los soldados y la extenuante claridad de las arenas. A pesar de la brevedad de la cinta, Ford consigue que el espectador tenga empatía hacia los personajes simplemente mostrando unas breves pinceladas de su vida antes de la guerra. Así nos encontramos al jovencito con la cabeza llena de sueños heroicos, al "padre de familia" que es feliz en su ignorancia sobre lo que ha hecho su mujer, o al aventurero fanfarrón que lo que busca es vivir la vida con intensidad. Otro acierto de Ford fue procurar que no viéramos a los árabes hasta el último momento, realzando así que la lucha de los aislados soldados no es contra ese puñado de desarrapados, sino contra todo un medio ambiente hostil. Parece ser que Ridley Scott utilizó el mismo recurso en "Alien". La tripulación va cayendo uno a uno y el monstruo no sale hasta el final.


Hay dos secuencias que me gustaron mucho. Una es la inicial: contemplamos la silueta de un jinete solitario sobre la inmensidad del desierto y de repente escuchamos un tiro. El jinete se derrumba mientras el caballo contempla con indiferencia al cadáver. A su lado entonces corren los dos suboficiales de la patrulla. Por las palabras del sargento nos enteramos que es el oficial de la patrulla, el típico jovenzuelo petimetre que por arrogancia no había informado a su sargento de la misión y de la situación del grupo. Así, la estupidez de un solo hombre condena a toda la patrulla. No es la única vez que se hará referencia a la estupidez de dichos oficiales. Basta ver la escena del piloto. En cuanto a la segunda secuencia es la de Boris Karloff vestido de ermitaño del desierto y avanzando por las arenas.


Como curiosidad está el hecho de que en la primera versión de esta obra el personaje de "el sargento" estaba interpretado por Cyril McLaglen, el hermano de Victor. Y que el propio Victor era un veterano de la campaña de Mesopotamia.

"La patrulla perdida" creo escuela y puede que sea una de las obras menores de John Ford, pero hay que tener en cuenta que la dirigió una leyenda y que probablemente sería considerada una obra maestra si la hubiera realizado cualquier otro director. Un gran clásico.

Links relacionados: Hilo de discusión en el foro sobre la IGM

Crítica en el blog Otros Clásicos

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miércoles, julio 23, 2008

La Fiel Infantería






Son muchos los asiduos al blog que han solicitado un comentario sobre "La fiel Infantería", una de las más famosas películas ambientadas en la Guerra Civil Española. Así que, aprovechando que llegamos a las 175 películas y que ya se acercan las vacaciones estivales voy a terminar la temporada con esta cinta de Pedro Lazaga.

Tras la Primera Guerra Mundial aparecieron varias obras literarias en las que diversos combatientes exponían sus experiencias y vicisitudes. Generalmente estas obras se caracterizaban por su carácter antibelicista, tal es el caso de "Sin novedad en el frente" de Erich María Remarque, o "Adiós a todo eso" de Robert Graves. Pero hubo también obras que parecían ensalzar la guerra tal es el caso de "Tempestades de acero" de Ernst Jürgen. Al parecer esta obra tuvo una gran influencia en el desarrollo del militarismo alemán, pero también influyó en otros movimientos políticos, sobre todo aquellos con un carácter de derechas y/o nacionalista.

Parece ser que uno de los lectores de las obras de Remarque y de Jürgen era un falangista llamado Rafael García Serrano. Nacido en Pamplona, fue uno de los que se unió a la columna que partió hacia Madrid con el estallido de la Guerra Civil. Al igual que Jürgen, García Serrano estaba orgulloso de su experiencia bélica y de sus heridas en el frente, llegando a despreciar la obra de Remarque (según él solo era buena para limpiarse el trasero). Su segunda obra literaria se trató de la novela "La fiel infantería" publicada en 1943 y ganadora del Premio Nacional de Literatura de ese año. Todo parecía indicar que dicha novela iba a ser un éxito pero ¡la obra fue censurada debido a las presiones de la Iglesia! El motivo: el lenguaje inmoderado que utilizaban los personajes. En palabras del propio autor “gracias a la denuncia del arzobispo primado de Toledo y a la pasión eclesial de Gabriel Arias Salgado”.

No debemos olvidar que en 1942 se había publicado "La familia de Pascual Duarte" y que había pasado la censura. Así que sorprende que una obra escrita por un falangista no consiguiera pasarla por motivos tales como " se proponen como necesarios e inevitables los pecados de lujuria en la juventud". Al parecer tuvieron que pasar 15 años para que la novela viera de nuevo la luz. Cuando lo hizo se convirtió en un éxito por lo que se realizó su adaptación cinematográfica al año siguiente.

Dicha adaptación corrió a cargo del director Pedro Lazaga y del productor José Luis Dibildos. Se acortó y suavizó algo la historia, insistiendo en el mensaje reconciliatorio. Eran tiempos de apertura del régimen franquista. También se eliminaron las referencias a la prostitución pero se mantuvo el episodio del adulterio. También se conservó la idea principal de la novela. García Serrano decía que su generación, con independencia del bando en que luchasen sus miembros, sacrificó su juventud para crear una España mejor que aquélla en que la que crecieron. Y ese mensaje queda destacado en la dedicatoria final de la película que reza: "A todos los españoles que hicieron esta guerra, estén donde estén, vivos o muertos. ¡Larga Paz! ".

En el aspecto cinematográfico la película es correcta. De hecho recuerda mucho a las producciones bélicas norteamericanas pero con toques de comedia ligera a la española. Comienza con una presentación de personajes: los mandos, el estudiante, el tendero, el caradura ligón, el padre de familia, el agricultor, etc. Posteriormente la unidad recibe unos días de permiso en su ciudad de origen, la imaginada Atarbe. Allí la película se ajusta más a los cánones de los melodramas romanticones tan al gusto de la época por lo que es bastante floja. Solo hay que ver el bodorrio que protagoniza Arturo Fernández. En cuanto al toque de comedia se consigue con la mamá del soldado estudiante o los tejemanejes entre Tony Leblanc y Jesús Puente. Supongo que se quería atraer al público femenino con la gran cantidad de historias románticas que se nos cuentan.

La cinta rompía algunos moldes con respecto a películas bélicas producidas anteriormente en la dictadura. Por un lado mostraba a los soldados nacionales emborrachándose cuando estaban de permiso, algo bastante raro de ver en obras más tempranas. También había alguna pullita hacia el régimen como la escena berlanguiana en que "llama el ministro". Al parecer García Serrano ajustó algunas cuentas con la Iglesia. En determinados momentos se hacen pequeños chistes sobre ella, como por ejemplo sus proclamas sobre que el baile de la rumba o el tango podría considerarse un sabotaje de la guerra, o en la secuencia en la que un soldado está de permiso en su casa y se queja de que no le dejan dormir en paz diciendo "esta es la familia cristiana y española por la que uno es capaz de derramar hasta la última gota de su sangre". Adicionalmente, Lazaga intentó evitar que su película se considerase un instrumento de propaganda del régimen, así que sólo sale una imagen de Franco y es cuando las chicas de Atarbe preparan el recibimiento de los soldados. Es un retrato al fondo y casi está desenfocado. Tras la dictadura y en el clásico ejercicio de valentía antifranquista a toro pasado, muchos "críticos" la despellejaron y la calificaron de elegía del heroísmo militar, olvidando que está realizada en 1959.

Tiene algunos errores. A mi me llamó mucho la atención la escena en la que Ismael Merlo lee una carta a un soldado analfabeto. Vemos que están en la trinchera y sin embargo Merlo lee la carta por encima de la misma, situación que habría hecho feliz a cualquier francotirador enemigo. Otra cosa que canta mucho es que las féminas van vestidas al estilo de finales de los años 50 en lugar de los años de la guerra. Curiosamente es el mismo error que cometerá Otto Preminger en la aburrida "Primera victoria". También se ven señales de circulación de los años 50 que no existían en los años 30 cuando las tropas entran desfilando en la ciudad. Y no digamos nada del "avión republicano" que les bombardea.

Es en la última media hora cuando la película retoma el aspecto bélico y vuelve a cobrar ritmo y fuerza. Tiene secuencias bastante llamativas como es aquella en la que el comandante indica a su ordenanza que toque la armónica y así "espontáneamente" se ponga a cantar el batallón -Los de Barleta somos la bomba viva la madre que nos parió- para evitar que no se desmoralicen mientras por el medio de las dos filas pasan los burros con los cadáveres de soldados de otras unidades. También se nos muestra que las tropas beben alcohol antes de los combates, el propio García Serrano opinaba que las laureadas las ganan Domecq y González Byass.

La escena de la toma de Cerro Quemado es bastante buena para los estándares de la época y creo que representa bastante bien el típico "asalto a las bravas" tan característico y costoso de nuestra guerra incivil, secuencia que culmina con el sangriento contraataque republicano en el que muere hasta el apuntador. Hay que resaltar que los soldados y oficiales republicanos no son representados como los típicos patanes desastrados y borrachines de películas anteriores tales como "Raza". Son soldados como los que tienen en frente y se nota que tienen las mismas inquietudes que ellos. Aunque uno de los méritos de esta película es que puede cambiarse perfectamente a los nacionales por los republicanos y la historia seguiría siendo la misma, es muy probable que si a Pedro Lazaga se le hubiera permitido desarrollar algún personaje republicano estaríamos ante una gran película.


Aunque personalmente me gusta más "Posición Avanzada", creo que "La fiel Infantería" es una producción sobre la Guerra Civil española bastante digna, bastante más realista que muchas películas actuales y que está siendo injustamente olvidada en estos tiempos de "corrección política".

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jueves, julio 17, 2008

Un paseo bajo el sol (A Walk in the Sun)



"Un paseo bajo el sol" de Lewis Millestone es la adaptación cinematográfica de un serial aparecido en la revista Yank y escrito por Harry Brown en 1944. La película se convirtió en un éxito y durante bastante tiempo fue considerada por un gran número de críticos como "la mejor película bélica sobre la Segunda Guerra Mundial". Yo discrepo. En mi opinión es una película del montón tirando a floja.

La película fue realizada en tiempo de guerra y con la colaboración del ejército norteamericano, por lo que tras ser rodada, el ejército envió a un oficial para revisarla. Se trataba del coronel Thomas D. Drake era un veterano de la Primera Guerra Mundial, en la que se alistó como soldado y acabó como sargento. Siguió la carrera militar y durante la IIGM se le dio el mando del 168 regimiento de infantería de la División Nº 34. Fue hecho prisionero con sus tropas durante la batalla del paso de Kasserine. En 1944 volvió a los USA en un intercambio de prisioneros debido a su deteriorada salud. Este coronel manifestó su acuerdo con la cinta salvo en dos aspectos. Se debía de indicar en una escena que los proyectiles de bazooka se habían agotado y por eso no se utilizaban en el asalto a la granja, y por otro lado debía de añadirse una escena en la un oficial explicaba a los sargentos el porqué el pelotón debía de atacar la granja y su importancia estratégica. Ambas escenas fueron filmadas pero por algún error en el montaje, la escena que explicaba la importancia de la granja se perdió. El film estaba listo para ser estrenado a mediados de 1945, pero al rendirse Japón, el productor Darryl F. Zanuck pensó que el público estaba harto de la guerra, así que la película no fue estrenada hasta junio de 1946.

Como ya he indicado, fue un éxito de crítica y público. Sobre todo se alabo su "realismo". Posteriormente aparecieron críticas negativas siendo una de las más famosas la de Samuel Fuller. Al parecer le escribió una carta a Milestone en la que echaba pestes sobre su supuesto "realismo" y la forma de representar a los infantes y le decía - No logro entender porque un hombre de su calibre ha tomado en cuenta los consejos de un coronel sobre lo que pasa en un pelotón. Cuando los coroneles vuelvan al lugar al que pertenecen, los barracones de los cuarteles, yo escribiré una historia que no hará que los veteranos vomiten asqueados. Personalmente creo que no es para tanto.

La historia base no es mala, lo que pasa es que es aburrida. Al parecer Milestone quiso llevar a la pantalla el viejo dicho que dice que la vida de un soldado son largos momentos de aburrimiento y charla inútil salpicados con breves pero intensos momentos de peligro. Lo malo es que Milestone se quedó en la primera parte de la frase.

Al comienzo se nos presenta a los personajes como fotografías en un libro. Y nos encontramos con el arquetipo del pelotón yanqui. No falta ni uno: el granjero, el palurdo, el neoyorquino, el comerciante, el sureño, etc. Pero están dispuestos a cumplir con su deber de soldados norteamericanos. Muchos de ellos son veteranos de África y de Sicilia y ahora se encuentran en medio del desembarco en Salerno. Su misión es tomar una granja y destruir un puente que está en manos alemanas. Se supone que el pelotón es parte de la 36ª División "Texas", pero dicha unidad se encontró con una gran resistencia durante el desembarco, y eso es algo que no se ve en la película. En ese sentido el título es un acierto, porque como bien indica Kleist en su blog, hasta el final de la película parece que van de excursión.

Vayamos a lo bueno que tiene la película. El comienzo es prometedor, con los soldados apiñados y asustados en la oscuridad de la barcaza de desembarco. En ese momento hieren al teniente en la cara. No vemos nada, pero por la conversación nos imaginamos como ha quedado su rostro. Otra secuencia a destacar es la que muestra la crisis nerviosa en uno de los sargentos veteranos, algo bastante novedoso en 1945. Como dice uno de los soldados contemplando al lloriqueante sargento: "Lloras sargento, lloras porque estás herido. No hay que sangrar para estar herido".

En el aspecto de uniformes y ambientación indicar que aunque el armamento que sale es fundamentalmente norteamericano, incluyendo el semioruga y las ametralladoras alemanas, en una determinada escena sale algo parecido a un Panzer I destruido. También salen unos cuantos P-38 Lightning, uno de ellos derribando a un avión alemán.

Y ahora lo malo. Lo peor que tiene son los diálogos y monólogos supuestamente profundos o graciosos. De las dos horas que dura la película los parloteos ocupan fácilmente el 80 por ciento del tiempo. Incluso hablan cuando están combatiendo. Y mejor no hablar de lo que hablan. Acabe odiando al tipo que decía que lucharían en el Tíbet en el 56 y al supuesto protagonista que escribe cartas de memoria para luego enviarlas. Otra cosa que aborrecí es la balada que hace de banda sonora. Es una especie de himno religioso-bélico realmente horroroso. Tampoco me gustó mucho el final. Milestone se autoplagia en la secuencia del asalto a la granja, pues es totalmente clavada a las secuencias de carga a la bayoneta tan características de su "Sin novedad en el frente". Puede que en una película sobre la IGM esa secuencia sea realista, pero en la IIGM es totalmente estúpida. Ese tipo de asaltos contra una posición con ametralladoras no se producían y mucho menos por un pelotón de supuestos veteranos.


Para finalizar el apartado "reir por no llorar". Se supone que los sargentos del pelotón son veteranos de las campañas de África y Sicilia. Pues la verdad es que no lo parece. Incluso en la "mili" te enseñan que si hay que asaltar una posición fortificada lo hagas por varios lugares a la vez. Aquí al acercarse a la granja se mandan a cinco hombres "a ver si hay algo". Pero lo más absurdo es cuando uno de los grupos no sólo tiene que asaltar la granja, sino volar un puente con granadas ¡Y lo consiguen!

Defraudante

La crítica de Von Kleist


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lunes, julio 14, 2008

Paisà




"Paisà" es la segunda película de la trilogía neorrealista de Rossellini. Se trata de una película atípica en el cine bélico pues está compuesta de diversos historias sobre las relaciones entre los seres humanos envueltos en una guerra con el nexo común de que están ambientadas en la Italia de la Segunda Guerra Mundial. Entre episodio y episodio, Rossellini aprovecha para situarnos en el contexto histórico utilizando material de noticiarios y documentales.


Lo más destacable de esta cinta es que los seis capítulos componen un buen cuadro de casi toda la campaña italiana, desde 1943 hasta el invierno de 1944. Pero, al igual que en "Roma, ciudad abierta", Rossellini prefiere mostrar los terribles acontecimientos que se dieron en dicha campaña a través de historias centradas en diversos individuos anónimos que participaron en las mismas. Asimismo, vuelve a usar las devastadas ciudades como escenarios de la acción y a utilizar un reparto completo de actores no profesionales. En muchos casos, dichos actores representaban los mismos papeles que habían interpretado en la vida real, es decir, eran civiles italianos, soldados americanos o soldados alemanes.


La primera historia está ambientada en el desembarco en Sicilia ocurrido en julio de 1943. Una patrulla americana llega a un pueblo y solicita que la ayuda de los paisanos para descubrir las posiciones alemanas. Una chica les ayudará y establecerá una amistad con uno de los soldados. A pesar de la diferencia de idioma entre ellos surgirá un atisbo de romance.


La segunda historia transcurre en el Nápoles ocupado tras la operación Avalancha. Un pequeño truhán ayuda a un soldado negro totalmente borracho y evita que sea desvalijado (una historia parecida también está recogida en la novela "La piel" de Curzio Malaparte), pero por su ayuda decide "tomar prestadas" las botas del soldado. El soldado negro es un policía militar y al día siguiente se encontrará con el pilluelo. Al tratar de recuperar su calzado descubrirá las condiciones de miseria en las que vivían los civiles napolitanos. Personalmente este es el episodio que más me gusta.


La tercera historia nos muestra la ciudad de Roma seis meses después de su liberación. Las calles están llenas de prostitutas y soldados aliados borrachos. Al escapar de una redada una de estas se junta con un soldado ebrio y se lo lleva a su habitación. Allí descubrirá que ambos se conocieron el 4 de junio de 1944, cuando Roma fue liberada y las cosas eran muy distintas.


La cuarta historia nos lleva a las luchas entre partisanos ocurridas en la ciudad de Florencia. Una enfermera americana tratará de encontrar a su amante, un líder partisano, en medio de dicho combate. Ante el avance aliado los partisanos se levantaron y los combates se iniciaron el 5 de agosto. El 11 de agosto de 1944, los alemanes evacuaron Florencia tras declararla "ciudad abierta". Destruyeron todos los puentes sobre el Arno pero respetaron el Ponte Vecchio por orden del propio Hitler. En el episodio se hace referencia a la línea telefónica dispuesta por los partisanos entre las riberas del Arno y que permitió mantener las comunicaciones. Tras la retirada alemana, algunos francotiradores fascistas intentaron una resistencia desesperada.


La quinta nos traslada a un monasterio franciscano en medio de los Apeninos. Este monasterio no ha sufrido ningún daño pues afortunadamente no dominaba ningún punto estratégico y los contendientes no se lo han disputado. A dicho monasterio llegarán tres capellanes castrenses norteamericanos: un sacerdote católico, un pastor protestante y un rabino judío. Una curiosidad de este episodio es que los frailes eran frailes franciscanos auténticos.


Finalmente, la sexta historia se desarrolla en el invierno de 1944 en las marismas del Po cercanas a Venecia. Miembros de la OSS entrenan a guerrillas partisanas para combatir a los alemanes e intentar rescatar a pilotos aliados derribados. Se nos muestran las terribles represalias de los alemanes contra los partisanos y contra los civiles que les apoyaban. Hay una escena que resaltar hacia el final cuando un fanático oficial alemán todavía está convencido de la victoria final y suelta el discurso del "Reich de los mil años", aunque para eso haya que destruirlo todo. Justo antes de proceder a la ejecución de los partisanos.


En el aspecto histórico la película tiene sus fallos aunque menores. Por ejemplo, el soldado negro de la tercera historia no podía ser un policía militar. Si no estoy equivocado la única unidad de infantería de combate con soldados negros era la División 92 (los famosos Buffalo Soldiers), y esta no llegó a Italia hasta el 30 de julio de 1944. Esta división si tenía su propio destacamento de policía militar. El resto de soldados negros que había en Italia eran utilizados en servicios como suministros o construcciones, pero no en labores de policía militar.


Pero creo que tiene más aciertos que fallos. El episodio de Florencia está basado en la muerte de Aligi Balducci, el jefe de la agrupación partisana "Arno" y se critica la pasividad aliada en ayudar a los partisanos que combatían en la ciudad. Así vemos a dos oficiales británicos que parecen estar tomando el té y disfrutando de las vistas de la ciudad. No está muy claro porque los británicos esperaron hasta el 13 de agosto para entrar en Florencia, cruzar el Arno y atacar a los alemanes en retirada. Pero hay que recordar que los británicos eran en extremo cautelosos. En ese episodio hay que destacar la escena de la ejecución de los francotiradores fascistas por su crudeza.


Personalmente creo que es una buena película. Quizás si hubiera tenido a grandes actores en el reparto habría sido más famosa. Siendo sinceros, las interpretaciones dejan bastante que desear, y eso daña el aspecto dramático de las historias. Asimismo, algunas de dichas historias no terminan de tener un argumento redondo, parecen inacabadas. Un poco más de pulido en el guión habría estado muy bien. Pero yo la destacaría porque Rossellini consigue transmitir ese "realismo" mucho mejor que en otras de sus producciones más famosas.

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Comentario de Von Kleist

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miércoles, julio 09, 2008

The Battle of San Pietro



Tras el ataque de Pearl Harbour, la sociedad norteamericana al completo se involucró en el esfuerzo bélico. Una de las contribuciones más significativas fue la de Hollywood. Algunos siguieron haciendo películas pero no participaron en los combates como Errol Flynn o John Wayne. Otros dejaron de hacer películas y combatieron como James Stewart o Clark Gable. Y otros consiguieron hacer ambas cosas, como los directores John Ford y John Huston.

En 1942, Huston no era más que un director prometedor famoso por su primera película. "El halcón maltés". Tras estallar la guerra, se alistó en el Signal Corps, se le concedió el grado de Major y se le puso al frente de un equipo de hombres para realizar películas de propaganda. Consiguió realizar una trilogía. Al Ejército Norteamericano el primero les gustó, el segundo les disgustó y el tercero se censuró.

"The battle of San Pietro" es el segundo documental de dicha trilogía y en mi opinión es uno de los mejores documentales realizados sobre la Segunda Guerra Mundial. Lleva el mismo nombre de la batalla sucedida en el frente italiano durante la segunda semana de diciembre de 1943. En agosto de 1944 se proyectó la primera versión con una duración de 90 minutos en un pase privado para altos mandos del ejército. John Huston era el narrador de la acción. Quedaron tan horrorizados que se prohibió su estreno porque se temía su efecto desmoralizador sobre las tropas y la opinión pública. El ejército acusó a Hustón de haber realizado una película antibélica. Huston respondió que cualquiera que hubiera hecho una película pro-bélica merecería ser fusilado. Sin embargo Huston recibió ayuda de quien menos esperaba. El propio George C. Marshall vió la película y decidió que la misma debía de mostrarse a los soldados como parte de su entrenamiento debido a su realismo y crudeza. Fue estrenada en mayo de 1945, sin embargo se acortó la cinta hasta los 32 minutos y se incluyó un prologo del general Clark.

Lo cierto es que a pesar de los esfuerzos del ejército, la película es más un documental sobre el horror de la guerra que una película de propaganda para animar al esfuerzo bélico. Me pregunto que es lo que contendrían los 60 minutos perdidos, pero Huston supo condensar el mensaje principal en los 32 minutos que le dejaron. En cuanto al prologo del general Clark, paradójicamente fue contraproducente. Hay que tener en cuenta que cuando esta película iba a ser estrenada, la opinión pública norteamericana comenzaba a tener claro que Clark era un incompetente debido a las chapuzas de Monte Cassino, Anzio y Roma. El tono autojustificativo y la forma de disimular que está leyendo un discurso hace que se transmita al espectador una sensación de desasosiego en lugar de seguridad y confianza en las fuerzas armadas.

Huston intentó "personalizar" la acción centrándose en las vicisitudes de un puñado de soldados del 143 regimiento de infantería. Para ello realizó varias entrevistas antes, durante y después de la batalla y así captar sus impresiones. Parece ser que también realizó entrevistas a los civiles italianos para mostrar el efecto de los combates en las personas inocentes. Sin embargo dicha idea fue abandonada durante el montaje de la versión definitiva y de ella tan sólo quedan los primeros planos de los soldados y de los civiles.

Históricamente, la batalla de San Pietro está englobada en lo que se llamó el asalto a la "Línea de Invierno", un precedente de lo que iban a encontrarse los aliados en Monte Cassino. Una de las curiosidades de este enfrentamiento es que participaron tropas italianas bajo el mando aliado en el fallido asalto al Monte Lungo. Se trataba del 1º Grupo Motorizado y al parecer fueron completamente diezmados.

Huston tuvo el acierto de insertar imágenes con los mapas y explicar al espectador la dificultad que suponía atacar la localidad de San Pietro mientras los alemanes dispusieran de las alturas que dominaban el pueblo. Pero la explicación está hecha como si el espectador fuera un soldado que va a participar en el asalto. Así nos introduce a la paciente labor de preparación al ataque con el envío de patrullas, el reconocimiento aéreo y la toma de prisioneros. De esa forma se descubre parte del sistema defensivo alemán como es la disposición de morteros, trincheras, campos minados y ametralladoras.

Pero después de explicarnos detalladamente el plan de ataque como si fuera a tener éxito, Huston pasa a mostrarnos las imágenes del mismo y nos da una demostración práctica del refrán que dice que del dicho al hecho... En la pantalla vemos caer a los infantes norteamericanos bajo el intenso fuego artillero. Aunque hay quien ha puesto en duda el que las imágenes sean reales, lo cierto es que estas son bastante similares a otras cuya autenticidad está comprobada. Hay temblequeo de la cámara por las explosiones, y los muertos no caen en plano, sino fuera de él. Y por supuesto son lo bastante impactantes como para que alguien que las vea considere que la guerra es de todo menos heroica y bonita. Ahora hemos visto imágenes mucho más crudas en la televisión, pero en 1944 eso no era así. Así que no es de extrañar que se intentara censurar a este documental. Un botón como muestra: No se dice que el ataque inicial fue un desastre. Tan sólo se dice que se ganaron 600 yardas mientras la cámara nos muestra como meten los cadáveres de los soldados americanos en sacos de tela.

Es cierto que algunas de las secuencias están realizadas posteriormente (y así se indica al final), pero aun así el documental mantiene en todo momento un tono bastante dramático y nada propagandístico. Vemos como los norteamericanos después de su fracaso inicial comienzan a montar un ataque a mayor escala utilizando tanques y apoyo artillero. Pero aún así los alemanes consiguen aguantar en sus posiciones e incluso lanzar contraataques. Se muestra también el fallido asalto de tanques al pueblo de San Pietro. Vemos imágenes de los vehículos destruidos mientras el narrador nos dice que de los 16 tanques enviados tan sólo 4 volvieron a las líneas norteamericanas. Y lo más impactante, se nos muestra el terrible coste que supuso la batalla con una panorámica a un cementerio con los enterradores en primer plano cumpliendo su desagradable función.

Y es aquí donde Huston da un golpe maestro. Uno ve la batalla, los muertos, la destrucción y se pregunta ¿Todo esto para qué? Entonces se nos muestra unos planos de niños surgiendo de entre las ruinas con alegría en sus rostros mientras que oímos a Huston decir - ayer lloraban, hoy sonríen.

Esencial.


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martes, julio 01, 2008

Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta)



Haciendo de la necesidad, virtud, Roberto Rossellini consiguió rodar "Roma, ciudad abierta" y dar nacimiento a un nuevo estilo cinematográfico conocido como Neorrealismo Italiano. En agosto de 1944, Rossellini, Fellini y el guionista Amidei comenzaron a trabajar en el guión. El rodaje se inició en enero de 1945, seis meses después de la ocupación de la ciudad por los aliados. Es decir, la producción se llevó a cabo en una Italia completamente devastada por la guerra, y con una carencia absoluta de dinero, materiales, decorados y actores. Es por ello por lo que se realizó una gran parte del rodaje en exteriores y con luz natural consiguiéndose el toque de documental y la fotografía de las grandes masas de civiles tan características del neorrealismo. Tan sólo se construyeron cuatro decorados para el rodaje de interiores. En la producción sólo hay dos actores profesionales, Aldo Fabrizi interpretando al cura Don Pietro y la temperamental Anna Magnani en el papel de Pina. El resto son aficionados que nunca se habían puesto delante de una cámara. Rossellini llegó a utilizar a prisioneros de guerra alemanes para el papel de soldados nazis.


La historia está basada en diversos acontecimientos que ocurrieron en la Roma ocupada por los alemanes antes de su evacuación. En concreto el asesinato de Teresa Gullace por los alemanes y el fusilamiento del sacerdote Giuseppe Morosini por colaborar con los partisanos. Con un evidente maniqueísmo, Rossellini nos muestra por un lado a los buenos: -la Resistencia Italiana y los civiles romanos -, y a los malos: -los alemanes y los colaboradores-.


La leyenda dice que la filmación comenzó antes de que los alemanes evacuaran Roma y que la resistencia italiana robaba la película para Rossellini. Como los rollos de película eran diferentes entre sí, esto explicaría el aspecto de que la película parezca estar hecha a trozos de diferente brillo y contraste. Pero eso es sólo una leyenda. El negativo original está compuesto por tres tipos de película y todos los exteriores están filmados con el mismo tipo. Los cambios de brillo y contraste tan sólo se debieron a que el revelado fue deficiente.


A pesar de que se la considera una de las obras míticas del séptimo arte, yo creo que esta película no está envejeciendo bien y está quedando más como una obra sobre como creía verse a si misma la Italia de 1945, que como era la Italia de 1943-44. Una de las cosas que menos me gustan es el retrato tan benevolente de los propios italianos como si no hubieran sido aliados de los alemanes y no hubieran nunca roto un plato. De hecho los colaboracionistas que salen parecen de otro país. Y si ya nos fijamos en el retrato de los alemanes ni te cuento. Para mi el peor error de la película es el estereotipo del nazi malo malísimo y además maricón. Prefiero ese término a afeminado porque creo que es el que intenta transmitir la película, el de que los alemanes además de ser unos sádicos eran unos degenerados. Desgraciadamente, los italianos mientras iban ganando no cuestionaron el fascismo. De hecho, Italia fue fascista antes que el nazismo llegara a Alemania. El propio Rossellini realizó entre 1941 y 1943 una trilogía de películas de propaganda bélica fascista: "La nave bianca", "Un pilota ritorna", "L'Uomo della croce". Un poco de autocrítica no habría venido mal.


Un punto interesante de esta cinta es que es una de las primeras en que nos muestra el efecto de la guerra sobre los niños como una metáfora de lo males causados. En este caso es el hijo de Pina quien representará ese dolor. Los niños también participan activamente en el conflicto como miembros de la resistencia. Rossellini volverá a utilizar a los niños en posteriores producciones dándoles un mayor protagonismo. No en vano, uno de los fotogramas más famosos de la película es la fila de niños con Roma al fondo.


Lo mejor de la película son las interpretaciones de Fabrizi y de la Magnani. Como ya han señalado los blogs de Steiner y Kleist, esta película contiene una de las secuencias más memorables, trágicas y poderosas del cine. Se trata de la muerte de Pina cuando corre desesperada tras los alemanes que se llevan a Francesco, su prometido. Con dicha secuencia y con el martirio de Don Pietro, "Roma, ciudad abierta" puede considerarse como un auténtico canto al amor y el valor humano frente a una opresión despiadada. Pero a pesar de su trágico final, de toda esa destrucción y horror, se nos muestra que todavía puede haber una esperanza.


Quizás la frase que mejor resume el espíritu de la película es la de Don Prieto: No es difícil morir bien. Es difícil vivir bien.


La crítica de Steiner

La crítica de Von Kleist

La crítica en Miradas de cine

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martes, junio 24, 2008

Por quién doblan las campanas (For Whom the Bells Tolls)


origen de la imagen

Sin duda alguna "Por quién doblan las campanas" es la película más famosa sobre la Guerra Civil Española. Fue el gran éxito de 1943 obteniendo 9 nominaciones a los oscars, superando incluso a "Casablanca" (8 nominaciones). En mi opinión es un auténtico pestiño.


La dictadura de Franco convirtió a esta película en un mito al prohibirla. En represalia, la productora Paramount no estrenó ninguna película suya hasta 1953, cuando Ike visitó España. La película también fue prohibida en Argentina. Hasta la muerte de Franco no fue estrenada en nuestro país. Dicho evento fue un 18 de julio de 1978 en el cine madrileño Bulevar, exactamente 42 años después del inicio de la GCE, siendo vista por 1 millón y medio de espectadores. En ese mismo año, "El cazador" alcanzó los 2 millones doscientos mil personas, lo que muestra que había una gran expectación por ver dicha película. Yo la ví siendo un adolescente por la televisión cuando la echaron en "sábado cine" y reconozco que me dormí en un par de ocasiones. El romance entre Ingrid Bergman y Gary Cooper es uno de los más empalagosos que he visto. En cuanto al resto de la película hubo tres cosas que me llamaron la atención. Ingrid Bergman como prototipo de mujer española, los "guerrilleros" y la "Guardia Civil Montada con ametralladoras". Al cabo de los años la alquilé para comprobar si mi primera impresión de adolescente era errónea. Comprobé que no. La película siguió pareciéndome un folletín aburrido.


La famosa novela de Hemingway fue publicada en 1940 y enseguida vendió los derechos a la Paramount por 100.000 dólares. Rodada en 1942, cuando ya los Estados Unidos estaban metidos en la Segunda Guerra Mundial, la película se centró más en el melodrama que en el aspecto de propaganda de la lucha contra el fascismo. Inicialmente se pensó en Cecil B. de Mille como director, pero Hemingway lo vetó. Ernest impuso también a la pareja protagonista: Gary Cooper e Ingrid Bergman. Cooper va perfectamente para el papel de Robert, el idealista yanqui luchando por la democracia mundial contra el fascismo, pero la elección de la Bergman como María en el papel de "española de pura raza", da mucho que pensar sobre lo que realmente estuvo haciendo Hemingway como corresponsal de guerra en la GCE.


Y la verdad es que las dudas aumentan cuando uno lee la novela. En el sentido literario a mi me pareció entretenidilla aunque algo larga y enrevesada. En el sentido histórico... Se supone que estamos en junio de 1937 y Cooper debe de destruir un puente, vital para evitar la contraofensiva del bando Nacional durante la Batalla de la Granja en mayor de 1937. Como ha indicado el comentarista Bazán, Hemingway never was there, por lo que hizo una especie de potpurrí entre la Batalla de Guadalajara de marzo de 1937 y la Batalla de Brunete ocurrida en julio de 1937. El paso de Sonora, donde fue rodada la película, se parece bastante a las montañas de Navacerrada. Pero el clima, aunque en mayo todavía hay neveros, más bien no. El personaje de Robert Jordan parece estar inspirado en el guerrillero norteamericano de ascendencia judía Irving Goff. Éste fue el líder del famoso golpe de mano contra el fuerte de Carchuna liberando a unos 300 oficiales republicanos. Aunque también parece que hay otros candidatos como Robert Merriman, comandante de las Brigadas Internacionales.


En la obra escrita hay muchas referencias a la situación política y a distintos personajes históricos como la Pasionaria o Prieto. Sin embargo estos detalles fueron eliminados en el guión de la película lo que molestó bastante a Hemingway, pero no pudo cambiarlo. Quizás si se hubieran mantenido la película no habría parecido tan "Guerra Civil made in Hollywood". Otra de los aspectos que no gustó mucho fue el "folklore" de los personajes. La verdad es que contemplar a Ingrid Bergman rubia en medio de una banda de guerrilleros agitanados representando a los luchadores por la "democracia" frente al fascismo es algo que como poco puede calificarse de chocante.


De todas formas, la idea principal de esta obra es el efecto que causan las guerras en las vidas de los seres humanos: María ha visto morir a sus padres y posteriormente ha sido violada, el antes valiente Pablo (Akim Tamiroff) se ha convertido en un cobarde criminal de guerra. En determinado momento, su esposa Pilar (Katina Paxinou, gano el único oscar de la película) narra el suceso que cambió tan profundamente a Pablo. Se trata de la ejecución a sangre fría de varios simpatizantes fascistas de su pueblo cuando estos ya se habían rendido. Dicha ejecución está basada en hechos acaecidos en Ronda en 1936. Aunque años más tarde Hemingway declaró haberla inventado, todo parece indicar que se basó en ella: en Ronda, unos 500 simpatizantes del bando sublevado fueron despeñados por el cañón que la rodea desde una casa situada en su borde.


La película fue realizada en Technicolor pero Sam Wood cometió un error. En lugar de aprovechar el rodaje en exteriores o en diferentes localidades, decidió que una gran parte de las tres horas que dura la película transcurriese dentro de la oscura cueva donde se esconden los guerrilleros. Y para colmo la mayor parte de las escenas exteriores son con paisajes nevados o escenas nocturnas. Así que consiguió que una película en color pareciera hecha en blanco y negro. Lo único salvable son los veinte minutos finales, que de repente cobran un ritmo que ha brillado en el resto de la película. Un interesante ejercicio es comparar los rostros de los guerrilleros resignados a su destino con los rostros de los combatientes de películas como "Sin novedad en el Alcazar" o "Raza". Encontraremos más de una similitud gestual entre los mismos.


Personalmente creo que lo único que hay que agradecer a esta película es que gracias a ella el tema "As times goes by" permanece en la historia del cine. Tras finalizar "Casablanca", Ingrid Bergman se cortó el pelo para interpretar a María. Entonces la Warner Brothers pensó en sustituir la famosa canción por otra. Para ello rodando nuevamente las escenas poniendo una peluca a Ingrid. Pero el resultado fue desastroso y el proyecto se abandonó.


"Por quién doblan las campanas" ganó tan sólo un oscar a la mejor actriz secundaria. "Casablanca" ganó tres: Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión.



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viernes, junio 20, 2008

Raza


Una cosa realmente llamativa de las biografías de los distintos dictadores del siglo XX es que se sentían atraídos por el cine en mayor o menor grado. A Hitler por ejemplo le encantaban los melodramas, y tenía una copia privada de "Lo que el viento se llevó" conseguida durante la ocupación de Francia. Stalin se pirraba por los musicales. Mussolini impulsó el famoso Festival de Venecia. Pero probablemente Franco se lleva la palma. Llegó a ser guionista de cine.

"Raza" fue la primera gran superproducción cinematográfica producida por la Dictadura de y supone una síntesis del pensamiento nacional-catolicista de Franco sobre España y su historia reciente. El origen de la película es la novela homónima escrita entre 1940 y 1941. Franco escribió dicha obra bajo el pseudónimo de Jaime de Andrade pero enseguida se supo quien era el verdadero autor. Parece ser que la idea de hacer una película ya estaba en su origen pues la novela está estructurada en torno a los diálogos de los personajes. La película se realizó en 1941 y se estrenó el 5 de enero de 1942 en Madrid. Europa estaba casi completamente dominada por el III Reich, por lo que una película propagandística parecía una opción bastante apropiada para afianzar un régimen que tenía tan sólo poco más de dos años de existencia. Evidentemente la película contó con todo el apoyo material que el régimen pudo darle. Basta un ejemplo, la banda sonora era interpretada por «las orquestas Nacional, Sinfónica, Filarmónica coaligadas» .

Franco hizo que los protagonistas de "Raza" estuvieran emparentados con el marino español Cosme Damián Churruca, el héroe de Trafalgar. Precisamente vemos en la pantalla la épica muerte del marino. Y eso da pie a que se nos proponga un paralelismo con la situación de España en 1898. El padre de los protagonistas también morirá de forma similar combatiendo en el "Vizcaya" durante el desastre de Santiago. Es en estos momentos iniciales cuando se exponen claramente algunas de las ideas principales del régimen y de lo que debía de significar ser un militar. Ante todo el honor, nada de dinero y lujos, recuerdo de las glorias pasadas (hay muchas referencias a los almogávares) y sobre todo, sacrificio.

Durante la Dictadura de Primo de Rivera se nos perfila a los dos principales personajes antagónicos: José y Pedro, interpretados respectivamente por Alfredo Mayo y José Nieto. José es un digno hijo de la estirpe Churruca mientras que Pedro simbolizará a la corrupción política. Al estallar la Guerra Civil tendremos a ambos en lados distintos en una obvia metáfora de que en las guerras civiles luchan hermanos contra hermanos. Adicionalmente, el otro hermano y la hermana representan otros aspectos importantes de la ideología del franquismo temprano: Isabel en el papel de la mujer como madre y Jaime, el fraile que cuida a los niños desvalidos, a la iglesia.

En el aspecto histórico la película estará ambientada en tres frentes distintos: el aplastamiento de la sublevación en Madrid, la batalla por Bilbao y el retaguardia de Barcelona en 1938. Se aprovechan secuencias de documentales y noticiarios imitando a las producciones norteamericanas. La secuencia de este tipo más famosa quizás sea el desfile de los vencedores en Madrid que da fin a la película.

En el aspecto propagandístico la cinta es demasiado burda. Evidentemente se nos mostraran los diferentes aspectos de la represión republicana, sobre todo las ejecuciones de religiosos. Volvemos a encontrarnos con la típica caricatura de los milicianos como auténticos borrachines pendencieros que ya se nos mostraba en "Sin novedad en el Alcázar". Uno de ellos, el que sospecha de Pedro, parece basado en el personaje de El Campesino. Junto a él y como contrapunto vuelve a salir el general Rojo, y llama la atención porque no se le intenta ridiculizar, y podría decirse que es tratado con respeto. Según el estudio de Juan Miguel Campanario en la película se nos muestra una situación sucedida en el 22 de octubre de 1937, tras la caída del Frente Norte. En cuanto a los "buenos" no solo son estereotipos de abnegación y sacrificio, es que estos no paran de decir frases glorificantes y grandilocuentes típicas de una arenga mitinera: - Son ellos, los que sienten en el fondo de su espíritu la semilla superior de la raza, los elegidos para la gran empresa de devolver a España a su destino-. Supongo que debían de conmover al espectador pero lo que se consigue es deshumanizarlos y hacer que uno no pueda creérselos.

Tras la IIGM, la película fue archivada. En 1950 fue reestrenada bajo el título "Espíritu de una raza". El régimen justificó dicho cambio en base a una «resincronización técnica de diálogos y efectos» doblándose de nuevo toda la cinta. Ciertamente el sonido mejoró, pero se aprovechó para eliminar o modificar algunas secuencias actualizando la película a los tiempos de la Guerra Fría. Las copias no modificadas y el negativo original fueron destruidos. Hay un artículo en la revista digital Catoblepas que describe dichos cambios en profundidad, por lo que aquí tan sólo expondré un resumen. Fundamentalmente se suavizaron las referencias a los Estados Unidos y se eliminaron las referencias a la Falange incluyendo los planos con el saludo fascista. También se eliminaron las portadas de los periódicos que mostraban la evolución de los acontecimientos. Asimismo se puso más hincapié en resaltar la lucha frente al comunismo sugiriendo que España se alineaba con el resto de Occidente. No en vano, Ike visitó España en 1953, legitimando definitivamente al régimen franquista ante la comunidad internacional.

En 1964, Franco solicitó su ingreso en la SGAE por la obra "Raza" poniendo fin oficialmente al secreto a voces de la identidad del autor. Tras la muerte del dictador, en 1977 apareció un estudio de Roman Gubern sobre la película en la que se afirmaba que Franco superaba simbólicamente lo que consideraba como deficiencias y defectos propios y de su familia. Así el personaje del republicano de Pedro se basaba en Ramón Franco. En 1993, se localizó una copia de "Raza" en un cine ambulante. La copia estaba en muy mal estado pero permitió comprobar las diferencias entre las dos versiones. En 1995 apareció una copia integra en la Filmoteca de Berlin procedente de los archivos de la UFA que habían permanecido en la Alemania del Este. En el año 2002 se publicó un DVD con ambas versiones.

Interesante como curiosidad histórica y propagandística. Aburrida para el resto.


Comentarios de la película en Cine Político Hispano:

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