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El blog no está muerto pero como podéis comprobar no puedo dedicarle el tiempo que necesita. Si alguien quiere una breve explicación del parón la encontrará aquí. Iré publicando películas y contestando a los comentarios poco a poco. Gracias por vuestra paciencia, atención e interés.

Actualmente hay 269 películas comentadas

En los siguientes links puedes encontrar todas las películas comentadas, bien ordenadas alfabéticamente o bien clasificadas por períodos históricos.

Los links a otros sitios van en negrita, mientras que los links a videos van en verde. Al final del comentario aparece una lista de videos relacionados.

Si te interesan otros aspectos de las películas de guerra puedes visitar Cine de Guerra.

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martes, febrero 13, 2007

Guerra y Paz (War and Peace)



La gran obra de Tolstoi ha sido llevada a la pequeña y gran pantalla unas cuantas veces, pero posiblemente esta sea la versión más conocida, aunque en mi opinión no es la mejor.

"Guerra y Paz" tenía todo lo necesario para ser una gran película. Buen director (King Vidor), buenos actores (Henry Fonda, Audrey Hepburn, Mel Ferrer) y una buena trama (la novela de Tolstoi). Y sin embargo se quedó en un espectáculo pirotécnico lento y aburrido.

Reconozco que no he leído la novela. El estilo de Tolstoi también me parece bastante aburrido y lento, así que no se si la película intenta reflejar esa lentitud aposta. De todas formas hay que reconocer que resumir una novela de 1200 páginas en una película de 3 horas y medias no es nada fácil. La película se centra en los avatares de los personajes interpretados por Fonda y Hepburn sobre el fondo de las guerras napoleónicas que culminará con la invasión de Rusia. Desde el punto de vista histórico veremos parte de la batalla de Austerlitz, Borodino y por supuesto el desastre que supuso la retirada de Rusia para los ejércitos napoleónicos.

El problema de esta película es que en mi opinión Vidor quiso hacer una especie de melodrama al estilo "Lo que el viento se llevó" pero en versión europea. De hecho el personaje de Mel Ferrer recuerda bastante al interpretado por Leslie Howard en dicha película. Pero los actores no transmiten la misma magia y fuerza. Mel Ferrer en concreto parece más bien un maniquí que un actor. Otra cosa que no me convenció de la película es que se notan muchísimo los decorados, incluso para una película de los años 60.

La batalla de Borodino es representada a través de los ojos del personaje de Fonda, un aristócrata liberal y algo escéptico (un niño bien progre de aquellos días) que cree que la guerra es algo que no va con los de su clase e ideología. Éste va al campo de batalla como un turista y por lo tanto la observa en la lejanía. Sin embargo poco a poco dicha batalla se va acercando hasta que al final queda involucrado en la misma. De esa forma, Vidor nos muestra como la guerra afecta a todas las personas sin importar lo que ellas deseen. Siendo un prisionero de guerra, Fonda descubrirá las miserias de la misma, que nadie puede permanecer indiferente y que lo más importante es amar la vida viviéndola intensamente. La pena de representar de esta forma dicha batalla es que parece mucho más pequeña de lo que fue. No es precisamente la mejor de las victorias de Napoleón (yo la consideraría una pequeña victoria táctica y una derrota estratégica) porque fundamentalmente lanzó a sus tropas sobre los reductos rusos en un asalto frontal. Kutusov, aunque se vio forzado a retirarse, causó un gran número de bajas a los franceses. Y esas bajas no fueron nada fáciles de reponer.

Audrey Hepburn también interpreta un papel que cambiará profundamente a lo largo del relato. Comienza como una adolescente ilusionada y acabará como una adulta resignada en el presente y esperanzada hacia el futuro. No es el mejor papel de ella (como tampoco lo es el de Fonda), pero siempre es un placer verla.

Sin duda lo más impresionante de dicha película son las escenas de la retirada de Rusia. Comienza con la salida de Moscú incendiada por los propios rusos. Los franceses saquean todo lo que pueden mientras se va formando una larga caravana. Poco a poco vemos como dicha caravana avanza lentamente en medio del desierto blanco y frío. Gran parte de los saqueadores aparecen ahora congelados y aferrados al oro de sus saqueos. La larga caravana sufre repetidos ataques de bandas de cosacos. Finalmente, los restos de lo que fue un gran ejército llegan a los pontones del río Beresina. Sin embargo las penalidades para los franceses no han acabado. Mientras cruzan, los puentes son bombardeados por la artillería rusa, por lo que gran parte de los que pensaban que habían conseguido escapar se ahogan en ese último acto del desastre.

Lo dicho, no está mal pero podría haber sido mejor.

Austerlitz








La película Austerlitz marca el último intento de Abel Gance de realizar una película sobre la vida de su admirado Napoléon. Y es evidente que por ello escogió su mayor y más famosa victoria.

Sin embargo esta película carece de la épica de su predecesora. Aunque el aspecto histórico, tanto en la ambientación como en los personajes y en los hechos está muy cuidado, a la película le falta ritmo. No es mala, pero tampoco es todo lo buena que uno podría esperar.

Gance esta vez nos muestra a un Napoleón más mundano. No tiene la pinta mesiánica de su primer "Napoleón". La primera escena en la que aparece es casi cómica. Su criado lleva su famoso bicornio para conseguir darle de sí y permitir que Napoleón se lo ponga. Éste no es aún emperador, pero la corona se vislumbra en el horizonte. También se nos muestra alguna de las famosas rabietas de Napoleón, por ejemplo cuando es informado que el almirante Villeneuve está con toda la flota en Cadiz y que la invasión de Gran Bretaña es inviable.

La película de todas formas nos idealiza a Napoleón como un amante de la paz que es obligado a ir a la guerra por las intrigas de la pérfida Albión. Una cuarta parte de la película nos muestra esos "esfuerzos" para conseguir una paz en toda Europa. También nos retrata a diversos famosos personajes napoleónicos como el intrigante Tayllerand o el inquietante Fouché. Pero a pesar de las "ansias infinitas de paz" del emperador francés, éste deberá tomar el camino de la guerra.


Esta obra además cuenta con varios "nombres famosos" entre el reparto. Por ejemplo tenemos un pequeño papel de Orson Welles como el inventor norteamericano Robert Fulton. Este inventor llegó a proponer a Napoleón la construcción de un buque movido a vapor. También tenemos a Jack Palance interpretando al general austriaco Weyrother, a Claudia Cardinale como hermana del emperador y a Vittorio de Sica en el papel de papa Pío VII.

Una cosa que me gustó fue la forma de reflejar la coronación de Napoleón como emperador. Supongo que por falta de presupuesto, en lugar de representar la escena, Gance lo que hace es mostrarnos los preparativos de la misma con diminutos maniquies. El transcurso de la misma es explicado como si fuera un ensayo a los familiares de Napoleón que están observando el diorama.

Posteriormente a la coronación se nos describen todos los preparativos para la campaña que sería posteriormente conocida como Guerra de la Tercera Coalición. Sobre un mapa de Europa se refleja la marcha imparable de los ejércitos napoleónicos tomando Ulm y por supuesto Viena. Nada parece capaz de detenerlos. Nada, hasta que aparece el ejército ruso junto con lo que queda del austriaco en las cercanías de Austerlitz.

Nuevamente Gance nos muestra con todo detalle la preparación de la batalla para que de esta forma comprendamos el genio napoleónico. Para ello primero nos muestra los planes de los generales austriacos y rusos para después mostrarnos a Napoleón adivinando esos mismos planes mediante su lógica y proponiendo sus contramedidas y como emboscará a estos. Vemos como incluso les engaña con el falso pretexto de las conversaciones para un armisticio. También nos muestra a Kutusov avisando de que deberían de ser precavidos y como éste es menospreciado por el Zar. Una vez dispuesto todo, Napoleón marcha para ver a sus tropas y de nuevo se nos vuelve a mostrar a ese Napoleón más cercano mediante su dialogo con un viejo "grognard". Las tropas le aclaman y todo está dispuesto para la batalla.


Al fin llegamos a la batalla, pero aquí se nota nuevamente que Gance no tenía tanto presupuesto para muchos extras. Así que no hay tantos grandes movimientos de masas de infantes como pueden verse en otras obras sobre las guerras napoleónicas. Aunque hay algunos planos generales utilizando caballería, que siempre cunde más en cuanto a grandiosidad, más bien vemos diversas acciones separadas que se centran en los distintos personajes que antes se nos han presentado: el viejo "grognard", Kutusov, el Zar, Murat, etc. Destaca una carga de los guardias rusos con sus famosas mitras contra granaderos franceses y un choque entre coraceros y húsares franceses. También hay muchos planos sobre los estados mayores que parecen cuadros pictóricos pintados por David, sobretodo cuando se centra en Napoleón. El único "gran plano" con infantería es el correspondiente a la famosa huida de los aliados a través del hielo mientras son bombardeados inmisericordiosamente por los franceses. Siendo sinceros, lo cierto es que la batalla defrauda un poco.


La película termina con un paseo de Napoleón contemplando el terrible paisaje después de la batalla. Nos refleja un encuentro fortuito y ficticio entre Napoleón y Kutusov, las disposiciones finales del primero para recordar la batalla para la posterioridad y su llegada al castillo de Austerlitz para pasar la noche. Allí el viejo "grognard", sus compañeros y el resto de sus tropas le aclaman por su victoria cantando "La Marsellesa". Todo muy patriótico y muy francés. En la última escena vemos a Napoleón escuchando el himno mientras mira al infinito con un gesto de preocupación como si adivinase el negro porvenir que le espera al final de su vida.


Austerlitz demostró que Napoleón era uno de los grandes genios militares de todos los tiempos y a pesar de que luego habría otras grandes victorias como Jena-Auerstadt, está fue sin duda la batalla por la que sería recordado.


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miércoles, enero 10, 2007

Napoleón (Napoléon)



Tuve la suerte de ver "Napoléon" en el cine cuando se proyectó la versión restaurada por Francis Ford Coppola y con la banda sonora dirigida por su padre, Carmine Coppola. Teoricamente iba a ser la primera película de una saga de seis sobre la vida de Napoleón Bonaparte, uno de los generales más famosos de todos los tiempos. Al final, el director Abel Gance no pudo llevarla a cabo, aunque realizó otras películas sobre temas napoleónicos, destacando una sobre la campaña que desembocó en la batalla de Austerlitz y que comentaré en el siguiente post.

"Napoleón" es una obra cumbre de la cinematografía mundial. El director incluso utilizó nuevas técnicas para conseguir impresionar a la audiencia como era la proyección simultánea con tres proyectores para dar la sensación de grandiosidad. También utilizo la coloración monocromática para realzar determinados momentos dramáticos. La película original duraba 6 horas, sin embargo gran parte del metraje se perdió. La copia restaurada de Coppola dura 235 minutos (4 horas). Sin embargo en el año 2000 se redescubrió parte del metraje de la película en la Filmoteca Francesa y una nueva copia restaurada de 330 minutos pudo verse. Desgraciadamente, Coppola puso un pleito pues en dicha restauración parece que se utilizó parte del material que él había restaurado antes y por lo que se ve la exhibición en los Estados Unidos no está permitida y dicha copia solo ha podido verse en el Reino Unido.

La película nos narra los primeros años de la vida de Napoleón. Desde su infancia en la escuela militar hasta que se le da el mando del Ejército de Italia. Gance nos muestra un Napoleón infantil que ya es un genio militar mediante una batalla de bolas de nieve. Las relaciones con su familia y su vida en Corcega. El estallido y evolución de la Revolución Francesa. Su intervención decisiva en la caída de Toulon y su nombramiento como General de Brigada. Su encarcelamiento por sospechas creadas por su relación con Robespierre. Y evidentemente su decisiva acción en reprimir la revuelta contra la Convención (el famoso 13 de Vendimiario) que sería recompensada con el mando del Ejército de Italia. Pero antes de partir para su nuevo destino se casará con Josefina.


Aunque la secuencia más famosa de "Napoleón" es la final cuando arenga a las desmoralizadas tropas francesas que están en Italia con las plabras: "Soldados: estáis mal vestidos y mal alimentados. El gobierno os debe mucho. Grandes provincias y ciudades serán vuestras. Allí hallaréis gloria y riqueza", a mí personalmente lo que más me gustó de la película es la escena en que le van a pedir consejo sobre como rendir la base de Toulon. Napoleón en ese momento pasa penurias económicas y ha utilizado el plano con su plan maestro para rendir la plaza como un parche para tapar un agujero en la ventana y así evitar que entre el frío. Y una curiosidad. El director Abel Gance sale en la película intepretando a Saint Just.


Una película que debe de ver cualquier aficionado al cine y/o a la historia.


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Proyección de la película en el Coliseo de Roma

viernes, diciembre 22, 2006

Posición Avanzada






Gracias a Rafael Rodrigo he podido encontrar el poster de esta pequeña joya cinematográfica ambientada en la Guerra Civil Española.


Posición Avanzada” está dirigida por Pedro Lazaga y es del año 1965, es decir, está filmada durante la dictadura de Franco. Es cierto que se realizó durante una época en la que ya comenzaba a haber un cierto aperturismo en dicha dictadura, pero la película tiene que pagar algunos “peajes” para con el régimen. Sin embargo, en mi opinión esas concesiones al poder están bastante bien resueltas, e incluso quedan como un chiste. De hecho la película también tiene algunas críticas soterradas a la situación de la GCE. Y personalmente creo que hay cosas que luego las tomará prestadas Berlanga para “La vaquilla” realizada veinte años después.

Aunque el guión de “Posición Avanzada” no es muy original si lo comparamos con cualquier película bélica norteamericana la película promete desde el primer momento. Nada más empezar vemos un tranquilo río, y entonces mientras se rasga una guitarra, se suceden diversas explosiones acompañando al acorde (no soy el único que le ha visto muy similar al comienzo de "Apocalypse Now"). Como he dicho la historia es simple. Comienza con un niño que encuentra un casco agujereado y se lo lleva a su padre. Este comienza a recordar que el casco perteneció a uno de sus camaradas y comienza a relatar su historia.

Un pelotón del ejército de los nacionales recibe la orden de dirigirse a una posición avanzada al lado de un río y que cubre las líneas de suministro de un regimiento. La posición es conocida por “La sartén” pues siempre están saltando chispas. Al mando del pelotón está un alférez recién salidito de la academia con cara de tierno infante que no ha roto nunca un plato y que no se ha ido de putas tal y como deja claro una insinuación del coronel y de su ayudante de campo sobre el lugar donde ha realizado los estudios. Pero quien realmente manda “de facto” el pelotón es el típico sargento que se las sabe todas, interpretado en este caso por Antonio Ferrandis (si, si, el posteriormente famoso “Chanquete”). Es una de los mejores interpretaciones del típico “sargentos chusquero español” de la subespecie “bonachona” que he visto en mi vida. El pelotón está integrado por los típicos soldados de las películas, el “filosofo” interpretado por Manuel Tejada, el “caradura”, el veterano, el manitas, el campesino cuyo pueblo, su mujer y su hijo está justo al otro lado de las líneas, el patoso, etc.

El pelotón inicia la marcha cantando una canción que hace referencia al nombre de su unidad, “los gatos”, pero enseguida se tienen que callar pues deben de pasar por un lugar que está batido por la artillería enemiga. La escena tiene un punto gracioso cuando se ve a todo el pelotón corriendo para ponerse a cubierto cuanto antes menos el soldado veterano que va solo y andando despacio. Ante los gritos del sargento apremiándole este responde “¡Anda ya! pero si estos no gastan una bomba para uno solo”. Y efectivamente tiene razón.

Tras llegar a “La sartén” el alférez releva a un teniente. El relevo está perfectamente representado. El teniente, un veterano, le explica la situación, la disposición de la trinchera, donde está escondido el cañón y por supuesto, donde está el puesto de escucha.

Nada más despedirse las tropas relevadas el sargento comienza a tramar algo con otros soldados. Se dirigen a la trinchera y comienzan a agitar una bandera mientras Antonio Ferrandis comienza a vocear para llamar a un paisano suyo del pueblo cantabro de donde proviene. Los dos son antiguos amigos y entre chanzas de los unos y los otros se ponen a pescar en el río ¡con granadas! Evidentemente el alférez llega corriendo pensando en un ataque, pero el sargento le tranquiliza diciéndole que el coronel permite la pesca siempre y cuando le manden las mejores capturas. La escena completa es totalmente berlanguiana.

Todo parece indicar que la guardia en “La sartén” va a ser tranquila, pero al día siguiente cuando se quiere reanudar la “pesca”, el soldado que levanta la bandera blanca es abatido por un “paco” o francotirador. Evidentemente, el sargento les quiere dar de lo suyo a los del otro lado, pero el alférez consigue “calmarle” demostrando que también sabe dar órdenes. Nadie se explica lo ocurrido, hasta que les llegan informes que les comunican que las tropas republicanas han sido relevadas por una brigada internacional alemana.

Esto es significativo. A pesar de que es una película sobre la Guerra Civil Española, Lazaga no quiere representar dicho enfrentamiento en su película, y en su lugar utiliza el recurso de sustituir a los republicanos por “alemanes”, los típicos malos de las películas de guerra.

El “paco” consigue que nadie levante la cabeza de las trincheras más de lo necesario así que se hace necesario librarse de él. Al final le localizan y le encargan la tarea de eliminarle al mejor tirador. Este resulta ser el “filósofo”, del que anteriormente sabemos que se cambió de bando y que ahora hace más las labores de sanitario que de soldado pues la violencia le repugna. Sin embargo, no tiene más remedio que acabar con el “paco”.

Como se teme un ataque en la zona, llega una unidad de zapadores y se disponen una serie de minas. El sargento tiene una charla bastante curiosa con su homólogo de los zapadores. Hablan de ascensos y de cuantos tienen delante. El sargento interpretado por Ferrandis dice que a el le quedan 9, pero rectifica a 8, pues uno ha caído recientemente. Mientras se colocan las minas, el soldado originario del pueblo cercano aprovecha para ir a ver a su mujer y su hijo. Evidentemente, en “La sartén” descubren su ausencia pero el sargento consigue convencer al alférez de que no de parte hasta que se haga de día, pues confía en que volverá.

La historia de este soldado es lo que menos me gusta de la película. Aparte de tener que atravesar el pueblo, llegar a su casa, ver a su hijo y acostarse con su mujer tiene tiempo de ponerlos a ambos a salvo en el pueblo de al lado. Y evidentemente vuelve a “La sartén” y de paso hace una heroicidad. Vuelve herido, of course! pero tras haber hecho explotar una posición de morteros que él suponía que debía de estar en un altozano cercano, que evidentemente él conoce perfectamente pues no en vano es su pueblo. Además, avisa que el ataque es inminente.

Nada más amanecer comienza el ataque. Y no está mal hecho. Primero se ve el cañoneo por la artillería y luego el asalto por los brigadistas. Evidentemente la posición es heroicamente defendida por todos ellos y el ataque fracasará, pero solo habrá un superviviente. La película termina con un plano que nos muestra a todos los muertos de uno y otro bando acabando en el casco agujereado encontrado por el hijo de este último soldado al comienzo de la película.

Ciertamente una película bastante maja para cualquier aficionado al cine bélico español y que me sorprende que sea casi una desconocida.



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jueves, diciembre 07, 2006

¡Tora! ¡Tora! ¡Tora¡



Y ahora a comentar la película dedicada al ataque de Pearl Harbour.

"¡Tora! ¡Tora! ¡Tora!" son las palabras que señalaron el comienzo del ataque de lo que luego llamaría Roosevelt "la fecha que vivirá en la Infamia" y que sirvieron como título de esta película. Fue estrenada en 1970 y trataba de contar el famoso ataque por sorpresa con un tono documental. De hecho fue codirigida por un director americano -Richard Fleischer - y un japonés - Kinji Fukasaku - para conseguir un tono de imparcialidad al mostrar la historia desde los dos lados. Inicialmente fue Akira Kurosawa el responsable de la parte japonesa, pero se le despidió tras estar más de un año sin rodar nada. No había grandes estrellas en el reparto, ni americanas ni japonesas, pero era muy numeroso. Tantos que casi todos los protagonistas de dicha historia, tanto esenciales como anecdóticos, tienen su minuto de gloria.

Y eso es lo mejor de la película. Durante las más de 2 horas que dura el film vamos a ver todos los aspectos de dicha historia. Desde cuando y porqué se tomó la decisión de atacar la principal base americana, los preparativos de dicho plan, las negociaciones diplomáticas, hasta lo que tocaba la banda del puerto cuando las bombas comenzaron a caer, la descifradora MAGIC que rompió el código secreto japonés o el agrupamiento en las pistas de los aviones americanos para poder ser vigilados mejor y evitar sabotajes.

Además, para su época los efectos especiales son realmente buenos. Las maquetas no se notan casi nada, y el vuelo de los aviones y las explosiones son bastante realistas. De hecho son tan buenas que algunas fueron usadas en las películas "Midway" y en "El final de la cuenta atrás". Es cierto que en algunas de las escenas se ven precisamente los monumentos a los caídos en aquel día, pero es que en 1970 no existía el borrado digital. También es cierto que salen barcos modernos de los años 60, pero el perfil de los mismos es bastante parecido al de los barcos que lucharon en la IIGM, por lo que dichos errores tampoco "cantan" mucho.

La película termina con el almirante Yamamoto (Soh Yamamura) recibiendo la noticia de que los americanos recibieron la declaración de guerra 55 minutos después del ataque a Pearl Harbour. Yamamoto comprende en ese momento que los americanos considerarán eso un ataque a traición y que "han despertado a un gigante furioso".

Por cierto, "Tora" significa "Tigre". Y en mi opinión es una película esencial en la filmoteca de cualquier aficionado al cine bélico.

Pearl Harbour

Ya que se cumplen los 65 años del ataque de Pearl Harbour me parece conveniente dedicar el comentario a dos películas que han mostrado dicho acontecimiento histórico. Aunque quizás sea más exacto decir que hay una película y un bodrío.

Primero voy a comentar el bodrio



Cuando se iban a cumplir los 60 años del ataque, a alguien se le ocurrió la feliz idea de realizar una nueva película sobre el tema para celebrarlo. El resultado fue "Pearl Harbour". Parafraseando a Roosevelt, será recordada como "la película que vivirá en la infamia". Uno podría pensar que tras 60 años la película iba a ser más fiel a la historia y que podría ser una especie de actualización de su precedente la excelente "¡Tora! ¡Tora! ¡Tora!", pero esta vez contando con un director de acción de éxito (“La Roca”), con actores famosos, efectos digitales y con un porrón de pasta. Además no solo trata del ataque a Pearl Harbour, sino también del raid sobre Tokio realizado por los B-25. Pero cuando uno termina de verla lo primero que piensa es que debería haberse titulado: "¡Mala! ¡Mala¡ ¡Mala!".

Unos cuantos ejemplos de anacronismos.

En este bodrio también se le criticó que utilizara barcos más modernos en lugar de barcos de la época. Lo malo es que los barcos que se utilizaron en el 2001 no eran de los años 60. Eran fragatas de los años 90 en las que se puede observar claramente los sistemas de misiles.

Las botellas de whisky tienen ¡código de barras!

Las chicas van con bikini.

En la escena en la que un oficial japonés observa fotos de reconocimiento aéreo puede verse en las mismas el símbolo de ¡papel reciclado!

Los zeros van pintados de verde. En esa época el color que llevaban era el gris claro.

Pero lo peor sin duda es el guión. El triángulo amoroso entre los protagonistas es totalmente increíble. Lo único bueno que tuvo esta película es que consiguió que a más de una mujer le dejara de gustar Ben Affleck como actor.

No sigo, no merece la pena escribir más sobre ese bodrio

miércoles, noviembre 22, 2006

MASH



El pasado lunes 20 falleció Robert Altman, el director de una de las mejores sátiras bélicas que se han proyectado en la pantalla: MASH. Fue tan popular que a partir de ella se creo una de las grandes series, por su calidad y por su duración, de la televisión. Para diferenciarla, la titularon M*A*S*H*.

MASH son las siglas de Mobile Army Surgical Hospital y la película nos relata las vicisitudes de los componentes de una de dichas unidades durante la Guerra de Corea, aunque cuando uno está viendo el film se da cuenta inmediatamente que nos están hablando de la Guerra del Vietnam. Personalmente, creo que la mejor genialidad de la película es que utiliza un tema muy atractivo como es el de las historias de médicos y que sus chistes y “gags” resaltan mucho más gracias al fondo trágico de la guerra.

Hay momentos inolvidables como el remedo de “La última cena”, o cuando el fanático religioso interpretado por Robert Duvall se enrolla con la enfermera jefe (Sally Kellerman) sin caer en la cuenta de que han puesto el micrófono conectado al sistema de megafonía del campamento. O cuando la misma enfermera jefe, apodada “Morritos calientes” tras esa noche, va a tomar una ducha y se levanta el telón. Y por supuesto, el famoso partido de fútbol americano en el que drogan al equipo contrario. Sin embargo, y junto con las risas, lo terrible que es la guerra está presente en algunas escenas que ocurren alrededor de las mesas de operaciones.

A lo largo del film vemos como los diferentes personajes van adaptándose a una situación que parece provisional, pero que poco a poco parece estabilizarse. Todos tienen ganas de volver a casa y cuando al fin parece que las conversaciones de paz van a llegar a buen puerto, muchos de ellos comienzan a pensar que en realidad lo que les gusta esta allí, en Corea/Vietnam, y se preguntan que harán cuando vuelvan a la vida civil. Altman nos está indicando con una sola secuencia la futura inadaptación de muchos veteranos del Vietnam.

Un par de curiosidades. El único personaje que permaneció tanto en la película como en la serie de televisión fue “Radar” interpretado por Gary Burghoff. Y finalmente, el tema principal de la película y de la serie de TV se titula “El suicidio es indoloro” (Suicide is painless). Creo que resume perfectamente el espíritu de la obra.


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Comentario en Cine de guerra

martes, noviembre 21, 2006

Amenaza de Tormenta (The Gathering Storm)


Existen dos películas basadas en el libro autobiográfico de Winston Churchill con el mismo título, y ambas fueron producidas para la televisión, no para la gran pantallla.


La película The gathering storm de 1974 está interpretada por Richard Burton y dirigida por Herbert Wise (su trabajo más conocido es la dirección de la mítica serie "Yo, Claudio"). La película comprende los años 1936 hasta el año 1940, cuando Churchill llega a ser primer ministro. En la ficha técnica se reconoce que es una adaptación de la obra de Churchill. Desgraciadamente no he visto este telefilm, por lo que no puedo opinar mucho sobre él. De hecho, creo que nunca ha sido emitido en España.





La segunda película se trata de "Amenaza de tormenta" y recoge la vida de Churchill desde el año 1933 hasta septiembre de 1939 cuando es llamado de nuevo para dirigir el Almirantazgo. En esta ocasión Churchill es interpretado por Albert Finney (el abogado de Erin Brockovich") . Sin embargo este film nos da un retrato mucho más intimista y familiar de Winston Churchill. Le veremos no solo como el gran estadista que llegará a ser, sino que también como un autentico tirantuelo caprichoso, o un vanidoso político manipulador.

La película comienza con un sueño que tiene Churchill sobre la batalla de Blenheim, la gran victoria del Duque de Marlborough. Churchill se siente predestinado a jugar un papel en la historia similar al que jugo su antepasado. Sin embargo su situación real está completamente alejada de dichos sueños. Está casi en la ruina, su hija quiere dedicarse a bailarina de variedades, su hijo es un manirroto y un mal político, su mujer (Vanessa Redgrave) esta un pelín harta de él, y en su partido le tienen por un viejo chiflado con sueños sobre el "Gran Imperio Británico" que debería de retirarse porque no se adapta a los nuevos tiempos. En una escena lanza uno de sus famosos discursos frente a un Parlamento casi vacio.

Debido a la sangría que supuso la Primera Guerra Mundial, tanto Gran Bretaña como Francia no quieren volver a oir hablar de una nueva guerra, asi que siguen una política de apaciguamiento para contrarrestar la política agresiva del nuevo canciller alemán: Adolf Hitler. A pesar de lo que mucha gente cree, la paz es más rentable para los negocios que la guerra. Por lo que el gobierno inglés piensa que no es rentable indisponerse con un cliente tan bueno como Alemania. Y no duda en venderle motores de aviación que se supone que serán usados para aviones de transporte.

Churchill cree que eso es un error y que se pagará caro en el futuro. En el caso de los motores, el hace notar que pueden ser facilmente transformados para su uso por aviones militares. Pero no tiene pruebas más sólidas que apoyen sus tesis. Entra entonces en escena un funcionario del Foreign Office que cambiará dicha situación. Se trata de Ralph Wigram, tiene un hijo con parálisis cerebral, y sabe lo que ocurre con dichos niños en la Alemania nazi. Wigran no quiere que eso mismo ocurra en Gran Bretaña, por lo que comienza a pasar informes y datos a Churchill.

Nuevamente vemos a Churchill lanzando uno de sus famosos discursos, pero esta vez el Parlamento está abarrotado y ya no se burlan de él. Alemania ha vuelto a ocupar con sus tropas diversos territorios vedados por el tratado de Versalles. El Primer Ministro Stanley Baldwin (Derek Jacobi) cada vez está más preocupado y se siente más débil. Al final se verá forzado a dimitir ante el deterioro de la situación. Baldwin será sustituido por Chamberlain, que continuará la nefasta política de apaciguamiento y que desembocará finalmente en la Segunda Guerra Mundial.

Sin embargo, esta última parte de la Historia casi no se refleja en la película. De hecho vemos a un Churchill que no solo debe de enfrentarse a los problemas políticos, también a los caseros pues su mujer se coge unas "largas vacaciones" de cuatro meses yéndose a una expedición a la isla de Komodo con un amigo. Y en cuanto a la situación política, lo que vemos es como se incrementa la presión sobre Wigran y como éste fallece repentinamente (las causas están poco claras).

En las escenas finales, la radio británica anuncia el estado de guerra en Gran Bretaña, mientras Churchill recibe la notificación de que ha sido puesto de nuevo al frente del Almirantazgo porque es el único que ha previsto la terrible tormenta que se cernirá sobre el mundo durante los siguientes seis años. Como dice el protagonista: "Winston ha vuelto".

jueves, noviembre 16, 2006

El oficio de las armas (Il mestiere delle armi)

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Cualquier persona interesada en la historia del Renacimiento debería ver "El oficio de las armas". Aunque la película es algo lenta, la ambientación y la historia de la que trata compensa con creces dicho defecto.

La película narra un episodio muy particular de lo que se conoce como "Guerras de Italia". La muerte de Giovanni de Medici o Juan de las Bandas Negras, el más famoso condotiero del siglo XV. Este episodio ha sido descrito muchas veces como el paradigma del fin de la caballería como reina del campo de batalla en favor de la artillería y la infantería. Históricamente eso no es muy cierto, la muerte de Juan es en 1526, y la Batalla de Pavía había sido un año antes. Sin embargo hay que reconocer que la historia de Juan es mucho más trágica que la del rey Francisco I.

Al inicio de las llamadas Guerras de Italia, el papa León X era un aliado de las fuerzas imperiales. Giovanni de Medici se hizo famoso como comandante de las fuerzas papales al vencer en tan solo 22 días a las fuerzas del duque de Urbino en el año 1516. Giovanni se dio cuenta de que la caballería pesada medieval estaba perdiendo su papel como fuerza de choque en el campo de batalla y que necesitaba el apoyo de otras armas que debilitasen previamente al oponente. Cuando organizó su propia compañía como condotiere, procuró que estuviera compuesta no solo con caballería pesada, sino también por caballería ligera cuyo papel era sobretodo emboscar y explorar. Durante los años 1520 a 1524 realizó varios ataques sorpresa sobre las fuerzas francesas que le dieron fama además de por su valentía y caballerosidad.

El apodo de Juan de las Bandas Negras le vino dado tras poner en su estandarte dos bandas negras en señal de luto por la muerte del papa León X. Sin embargo con la llegada al poder de Clemente VII en 1524, el papado cambió de bando. Juan siguió luchando por el papado pero ahora contra sus antiguos aliados imperiales apoyando la invasión francesa que sería desbaratada en la batalla de Pavía. A pesar de la derrota francesa, el papado siguió luchando con sus escasos efectivos militares. Tras los tratados de paz, Francisco I rompe su palabra y vuelve a intentar la conquista de Italia en 1526. En julio de ese año las fuerzas de Giovanni consiguen derrotar a un contingente imperial alemán. Pero el 25 de noviembre, durante una pequeña escaramuza contra lansquenetes alemanes, Juan fue herido en una pierna por una bala de cañón. Hay que tener en cuenta que en aquellas fechas los cañones de campaña eran en realidad poco más que un lanzador de bolas de metal bastante poco precisos a larga distancia. Pero si acertaban, eran capaces de acabar con todo un caballero armado de pies a cabeza.

Aunque Giovanni es atendido rápidamente, la herida se infecta y la pierna debe de ser amputada. Una versión dice que Giovanni fue capaz de aguantar el candelabro que iluminó al cirujano que le realizó la amputación, aunque la versión más creíble es que le tuvieran que sujetar entre 10 personas. Pero todo fue inútil. El día 30, Juan de las Bandas Negras murió.

La película se centra principalmente en esa última semana de la vida de Giovanni. Se describe como sus tropas van cediendo terreno al avance de las fuerzas imperiales pero sin parar de acosarlas, las traiciones y doble juego de los nobles italianos al permitir que los imperiales puedan pasar por sus tierras sin avisar a las antiguas “fuerzas amigas”. La escaramuza en el helado páramo Lombardo donde es herido, y la larga agonía de Giovanni recogida por su amigo Pietro Aretino.

Un film histórico bello y recomendable aunque algo lento.

lunes, octubre 23, 2006

El submarino (Das Boot)

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Si hay una película paradigmática del cine bélico de submarinos es esta obra maestra. Le dio la fama bien merecida al director Wolfgang Petersen y a su protagonista principal, Jürgen Prochnow.

La película se estreno inicialmente era una versión de dos horas y media, pero posteriormente se comercializó la "versión del director" con una hora más de duración. Esta última, aunque mantiene la alta calidad de la versión corta, solo es recomendable para los aficionados a la historia sobretodo de la guerra submarina durante la IIGM. También hay una versión televisiva de 5 horas, pero que yo no he visto.

El guión de la película es simple. La historia de una travesía de un U-boot alemán en la Batalla del Atlántico durante la IIGM. Así que uno podría pensar que es una película de submarinos más, salvo que desde el punto de vista alemán, y que incluso ni en eso es original pues existe la predecesora "Comandante Prien" que narra la incursión submarina a Scapa Flow.

Es cierto que algunas cosas son dificilmente creíbles. Como bien señala el blog de von Kleist, la tripulación es exageradamente anti-nazi para ser el año 1941. Lo normal es que hubiera habido un sólo anti-nazi y el resto de la tripulación estuvieran a favor del tío Adolfo, porque en 1941 la moral alemana estaba por las nubes. El ambiente del submarino parece más bien de 1943, sobre todo en lo que respecta al final de la película.

Pero "Das Boot" va mucho más allá de cualquier película de submarinos filmadas hasta ese momento e incluso de muchas de las obras futuras posteriores. Como toda obra maestra hay un antes y un después en el género bélico tras el estreno de esta película. Por primera vez uno siente la claustrofobia que debía de significar estar encerrado en ese “ataúd de acero” durante semanas en las caras de los actores. Para conseguir dicho efecto el director no solo filmó en una reconstrucción a escala de los submarinos tipo VII alemanes, sino que además todo el personal fue obligado a permanecer encerrado durante el rodaje para conseguir que poco a poco adquirieran el tono pálido y enfermizo. Otra curiosidad es que la película fue filmada sin sonido, porque al ser realizada dentro de la réplica del submarino, no había manera de silenciar el motor de la cámara. Posteriormente se añadió todo el sonido.

La película además muestra los diferentes los aspectos de lo que debía de significar combatir en un submarino de la Kriegsmarine. Desde las juergas de los oficiales antes de partir en misión, hasta el reaprovisionamiento en los puertos "neutrales" españoles. El peligro que suponía el intentar cruzar el Estrecho de Gibraltar, o la emoción de la caza entre las olas del Atlántico. Vemos el miedo y el heroísmo, el sacrificio y el escaqueo de los tripulantes, la esperanza de sobrevivir y el sinsentido final de cualquier guerra. Lo mejor sin dudarlo es que Wolfang Petersen consigue que veamos a los tripulantes alemanes como seres humanos luchando por su supervivencia, no como miembros de la maquina de guerra nazi que llego a aterrorizar a medio mundo.


Insisto. Una obra maestra.


La crítica de Von Kleist



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